Igor Kopystiansky nimmt in seiner Arbeit Bezug auf gegenständliche Malereien der Kunstgeschichte. „Er kopiert sie eigenhändig, wobei ihm als Vorlage Reproduktionen dienen. In seinen „kompakten Ausstellungen“ stapelt er die kopierten Bilder übereinander oder rollt die Leinwände zu Knäueln. Als Gegenstand behandelt, verschwindet das Bild und bleibt doch im verborgenen präsent.“ Die ursprüngliche Inspiration für seine Werke, die auf Ideen der Dekonstruktion und Aneignung basierten, stammte von DADA und Marcel Duchamp. Diese Werke eigneten sich Bilder westeuropäischer Maler an. Die neuen Gemälde wurden bewusst in anderen Größen als die Originale geschaffen. Dieser Ansatz spiegelt die Situation wider, in der ein Kunstwerk in der Gesellschaft eher als Reproduktion in einem Buch, auf einem Plakat oder einer Plakatwand oder bei der Betrachtung auf einer Kinoleinwand funktioniert, wobei die Bildgröße vom Originalgemälde abweicht. Die Ausführung der angeeigneten Gemälde war nur der erste Schritt in der Produktion des eigentlichen Kunstwerks. Diese gemalten Kopien wurden dann verwendet, um Assemblagen oder Umgebungen, sogenannte „Interieurs“, zu schaffen, in denen Bilder verschiedener Gemälde miteinander interagierten. Das endgültige Ergebnis des gesamten Werks wurde stets erst im letzten Schritt, nach Fertigstellung der Installation, enthüllt und blieb im Vorfeld völlig unvorhersehbar.
Igor Kopystiansky The Painting Collection MFAH, Museum of Fine Arts Houston
Installation view Kunsthalle Dusseldorf, 1994. Igor and Svetlana Kopystiansky in the installation “Interior”(1992) by Igor KopystianskyInstallationsansicht: Big Painting (1994) und Interior (1992) von Igor Kopystiansky in der Kunsthalle Düsseldorf 1994Installation view: The Diptych (1994) after The Death of Socrates and Big Painting (1994) by Igor Kopystiansky at the solo exhibition by Igor and Svetlana Kopystiansky. Kunsthalle Dusseldorf 1994.
Parallel zur Werkgruppe Interiors entstanden dreidimensionale Installationen, sogenannte Constructions. Diese wurden unter Verwendung von angeeigneten Gemälden aus verschiedenen Epochen „gebaut“ oder „konstruiert“, wobei deren Wechselwirkung innerhalb der jeweiligen Installation eine surrealistische Wirkung erzeugte.
Igor Kopystiansky Transformable paintings 1992 Collection Centre Pompidou MNAM.
Aus dieser Werkgruppe in der Sammlung MNAM des Centre Pompidou Paris sind die Transformable Paintings (1991) vertreten. Dieses Werk besteht aus sieben Gemälden, die auf Werken westeuropäischer Künstler wie Tizian, Diego Velazquez, Giorgione, Murillo, Tintoretto und Eugène Delacroix basieren und als Objekte auf verschiedene Weise ausgestellt wurden und werden können.
Ein weiteres Werk in der Sammlung des Centre Pompidou sind die Compact Paintings (1992). Für dieses Objekt wurde eine Ölkopie des bereits existierenden Gemäldes angefertigt. Anschließend wurde das Gemälde in Streifen geschnitten, diese aufgerollt und mit einem Seil befestigt. Auf diese Weise wurde aus einem zweidimensionalen Gemälde ein dreidimensionales, kompaktes Objekt.
In der Sammlung des Museum Folkwang Essen befindet sich das Werk The Secret of the Lost, (2003), das aus 18 kompakten Gemälden besteht.
Die Arbeit Restored Chairs (1990) und besteht aus 17 kreisförmig angeordneten Holzstühlen. Für das Werk wurden Holzstühle unterschiedlichster Form ausgewählt und mit Reproduktionen von Ölgemälden namhafter Künstler bezogen – darunter Paul Gauguin, Pablo Picasso, Vincent van Gogh, Raffael, Tizian, Paul Cézanne, Claude Monet, Auguste Renoir, Amedeo Modigliani und Tintoretto. Für jeden Stuhl wurden nach dem Zufallsprinzip mehrere Gemälde kombiniert, was zu einer surrealistischen Unvorhersehbarkeit in deren Zusammenspiel führte. In dieser fiktiven Realität wurden Meisterwerke einer alltäglichen Nutzfunktion unterzogen und – in dadaistischer Manier – ihres sakralen Status enthoben; Ziel war es, die radikale Geste Marcel Duchamps in Bezug auf sein Readymade Fountain (1917) umzukehren.
Die erste Installation dieses Werkes erfolgte im Rahmen des internationalen Projekts Anni Novanta (Neunzigerjahre) im Jahr 1990, das stattfand in Galleria Comunale d’Arte Moderna, Bologna; Musei Comunali, Rimini; Ex colonia “Le Navi,” Catolica, Italy.
Restored Chairs war – neben anderen repräsentativen Installationsarbeiten – Teil der Einzelausstellung von Igor Kopystiansky in der Kunsthalle Düsseldorf mit dem Titel „The Museum“.
Das Werk The Painting (1994), das im Rahmen einer Einzelausstellung in der Kunsthalle Düsseldorf gezeigt wurde, entstand aus Hunderten von Fragmenten zahlreicher einzelner Ölgemälde. Diese unterschiedlich großen Fragmente waren das Ergebnis der „Dekonstruktion“ verschiedener, angeeigneter Gemälde. Im Zuge der Installation wurden die Fragmente direkt an der weißen Museumswand befestigt und bildeten so ein Rechteck von 300 × 1100 cm. Durch diesen Entstehungsprozess verwandelte „The Painting“ eine Reihe gegenständlicher Kunstwerke in ein einziges großes abstraktes Gemälde.
Das Werk The Painting (2008), das sich in der Sammlung des MFAH, Museum of Fine Arts Houston befindet, basiert auf derselben Idee wie „The Painting“ (1994).
Das in der Sammlung der Berlinischen Galerie vertretene Werk Big Painting (1989) steht im Dialog mit Dada-Collagen. Doch anstatt auf Materialien wie Fotografien oder isolierte Katalogillustrationen zurückzugreifen – wie es die Dada-Künstler für ihre Collagen taten –, wurden für Big Painting appropriated Werke von Künstlern wie Paul Cézanne und Henri Matisse zu einem einzigen großen Gemälde zusammengefügt, das ohne Keilrahmen ausgestellt wird.
Igor Kopystiansky. The Diptych. 1987. Collection Musée d'art moderne Saint-Étienne.
Diptychon (1987) aus der Sammlung des MAMC, Musée d'art moderne et contemporain, Saint-Étienne, Frankreich. basiert auf dem Gemälde Die mit Blumen gekrönte Leserin (oder Vergils Muse) von Jean-Baptiste Camille Corot aus der Sammlung des Louvre. Es steht exemplarisch für eine größere Werkgruppe, bei deren Entstehung dieselbe künstlerische Methode angewandt wurde: Ein angeeignetes Gemälde wurde auf eine bestimmte Weise zerschnitten, und die einzelnen Teile wurden auseinandergezogen und auf zwei Leinwände montiert. Durch diese „Verdopplung“ verlor das Ausgangsgemälde seine Einzigartigkeit. Anschließend wurden die fehlenden Partien auf beiden Leinwänden in einem expressiveren Stil als beim Original ergänzt.
Igor Kopystiansky. The Diptych. 1990. Collection Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain.
Bei einer weiteren Gruppe von Diptychons wurden zwei angeeignete Gemälde – basierend auf unterschiedlichen Vorlagen – von ihren Keilrahmen gelöst und durch eine spezielle, präzise Installation zu einem einzigen Werk vereint. Diese Anordnung verwandelte sie in ein dreidimensionales Objekt, das sich unter Schwerkrafteinfluss faltete; dabei kamen die materiellen Eigenschaften der Ölmalerei auf Leinwand zur Geltung, und es entstand eine Art Verschmelzung von Malerei und Skulptur. Das Diptychon (1988/1990), das aus angeeigneten französischen und niederländischen Seestücken konstruiert wurde, befindet sich in der Sammlung des Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
The Carpet (1990) ist in der Sammlung des Muzeum Sztuki in Łódź vertreten. Das Werk besteht aus 100 Fragmenten verschiedener Gemälde, die in Streifen geschnitten und auf dem Boden zu einer teppichartigen, rechteckigen Installation angeordnet wurden. Es wurde ursprünglich für „Back in Łódź – Construction in Process III“ geschaffen, eine internationale Ausstellung, die 1990 in Łódź, Polen stattfand.
Destroyed Paintings (Zerstörte Gemälde) und Restored Paintings (Restaurierte Gemälde) bilden zwei miteinander verknüpfte Werkgruppen, die in einem konzeptionellen Dialog mit den Anti-Kunst- und Anti-Malerei-Strategien des Dadaismus stehen. Eines der frühen Beispiele für die Destroyed Paintings befindet sich in der Sammlung des Muzeum Sztuki in Łódź, Polen.
Das Werk Restored Painting (1988) – das auf der Aneignung des Gemäldes Junge mit Hund von Bartolomé Esteban Murillo basiert – ist Teil der Sammlung des Ludwig Forums für Internationale Kunst in Aachen. Es gehört zu einer Gruppe angeeigneter Gemälde, deren Entstehungsprozess drei aufeinanderfolgende Phasen durchlief: die Ausführung des eigentlichen Gemäldes, dessen Zerstörung und den als „Restaurierung“ definierten Prozess. Sämtliche Maßnahmen, die eigentlich der „Restaurierung“ der beschädigten Bildvorlage dienen sollten, wurden jedoch in bewusst expressiver Weise durchgeführt. Anstatt das „beschädigte“ Material in seinen ursprünglichen Zustand vor der Beschädigung zurückzuführen, vergrößerten die in dieser Phase vorgenommenen Schritte vielmehr die Distanz des Endergebnisses zur ursprünglichen Vorlage.
Igor Kopystianskys seit Anfang der 1980er Jahre in den Medien Malerei und Installation entstandene Einzelwerke werden als Appropriation Art angesehen.
Igor Kopystiansky siedelte 1988 nach New York über. 1990 erhielt er ein Stipendium des Berliner Künstlerprogramms des DAAD und 2008 des Residences Internationales aux Recollets in Paris. Zeitweilig arbeitet er zusammen mit Svetlana Kopystiansky.
Igor und Svetlana Kopystiansky verfolgen individuelle Karrieren, arbeiteten aber auch regelmäßig gemeinsam. Seine individuellen und gemeinschaftlichen Arbeiten wurden in Museen und wichtigen internationalen Ausstellungen gezeigt und sind in den Sammlungen großer amerikanischer, europäischer und australischer Museen vertreten.
In der Sammlung des Whitney Museum of American Art sind Igor und Svetlana mit einer zweiteiligen Diaprojektionsinstallation mit dem Titel The Day Before Tomorrow vertreten, die 1999, im letzten Jahr des Jahrtausends, in den Straßen New Yorks aufgenommen wurde. Wie John Hanhardt in seinem Text mit dem Titel The Play of Time: The Art of Svetlana and Igor Kopystiansky schrieb, handelt es sich bei „The Day Before Tomorrow“ um eine zweiteilige Diaprojektion, deren Bilder aus Hunderten von Schwarzweißfotografien ausgewählt wurden, die mit zwei Kameras aufgenommen wurden. Eine Kamera hielt Svetlana und die andere Igor. Sie standen nebeneinander, im Abstand von wenigen Metern, und filmten, was sich vor ihnen abspielte – Episoden des informellen Theaters, das sich tagtäglich auf den Bürgersteigen New Yorks abspielt. Die synchronisierten Bilder aus verschiedenen Stadtvierteln werden ohne Ton projiziert. Die Ereignisse stehen in keiner Verbindung zueinander und ergeben sich aus der Gegenüberstellung der beiden Perspektiven. Die Unterschiede der beiden Aufnahmen, die Verzögerungen und Vorgriffe innerhalb der Handlung, erzeugen ein skulpturales Theater, das sich in unterschiedlichen Geschwindigkeiten entfaltet. Da auf Film gedreht wurde, mussten die Bilder entwickelt werden, bevor sie von den Künstlern betrachtet werden konnten. Ihre Beobachtungen wurden also durch das Aufnahmegerät und den Entwicklungsprozess vermittelt. Die beiden Bildsequenzen erzeugen einen proto-filmischen Effekt angehaltener Bewegung, und die Entdeckungsfreude, die die Künstler selbst während der Filmentwicklung erfahren, wird auf den Betrachter übertragen.“
Wie Adam D. Weinberg, Direktor des Whitney Museum of American Art, New York, in seinem Text schrieb:
“wir fragen uns, ob jeder Bildschirm einen anderen Standpunkt darstellt – den von Igor oder den von Svetlana – oder ob es sich bei jedem um eine vereinte Sicht handelt. Beim Betrachten dieser Bildschirme erfährt man die disjunkte Parallaxe dessen, was wie Ansichten zweier, im Abstand von 2 Metern positionierter Kameras aussieht und es auch tatsächlich sind. Für dieses Projekt hat tatsächlich jeder der Künstler in einem selbst gewählten Moment ein Bild desselben „Ereignisses“ aufgenommen. Was wir sehen, ist ein von dem Paar konzipiertes, als Individuen ausgeführtes und als visuelles Duett präsentiertes Projekt. Trotz seiner lässigen, investigativen, metawissenschaftlichen Positionierung ist The Day Before Tomorrow ein zärtliches Loblied auf ihre Beziehung – keine der beiden Sichtweisen ist dominant, keine wahrheitsgetreuer, keine aufschlussreicher. In ihrer Arbeit konstruieren Igor und Svetlana sich selbst und konstruieren einander, und wir, das Publikum, wissen nicht, wessen Arbeit wem gehört, und es spielt auch keine Rolle. Philip Roth bringt es in seinem Roman „Counterlife“ auf den Punkt: „Wir sind alle Erfindungen der anderen, jeder eine Verbindung, die alle anderen hervorbringt. Wir sind alle die Autoren der anderen.“ So wie Igor Swetlanas Autor ist und umgekehrt, so sind auch wir die Autoren und Zuschauer.”
Film-/Videoarbeiten
Igor Kopystiansky, at the exhibition of “Incidents” at MoMA, New York, 2012. Collection MoMA
Das 1996/97 entstandene Video Incidents, das in den Straßen von Chelsea, Manhattan, gedreht und 1997 von Kurator Harald Szeemann erstmals auf der Biennale in Lyon gezeigt wurde, meditiert über die potenzielle Schönheit und das Pathos weggeworfener Gegenstände, die vom Wind ballettartig durch eine Stadtstraße gewirbelt werden. “In diesem Video von Igor und Svetlana Kopystiansky verwandeln sich Bruchstücke urbanen Abfalls in eine lyrische Symphonie alltäglicher Formen. Incidents wurde in windigen Straßen nahe dem Künstleratelier im Manhattan Stadtteil Chelsea gedreht, wo die Kopystianskys seit 1988 leben. Sorgfältig geschnitten aus Filmmaterial, das über einen Zeitraum von zwei Jahren aufgenommen wurde, als das Viertel noch heruntergekommen war, zeichnet das Video die fast ballettartigen Bewegungen weggeworfener Überreste einer urbanen Konsumkultur nach. Großflächig projiziert, verwandeln sich diese scheinbar zufälligen und unbedeutenden Materialien und nehmen kurzzeitig eine skulpturale oder architektonische Qualität an, bevor sie flüchtig aus dem Bild verschwinden. Ton spielt eine Schlüsselrolle in der Arbeit; Originalaufnahmen des kakophonischen Lärms der Stadt schärfen unser Bewusstsein für typischerweise übersehene und nebensächliche Elemente der Großstadt. Die Feier der zufälligen Begegnung durch die Kopystianskys verleiht weggeworfenem Müll die skurrile Individualität von Lebewesen. Diese Massenproduzierte Objekte werden aus ihrer ursprünglichen Rolle befreit und bilden eine offene Choreografie schwebender Skulpturen. Incidents unterstreicht die anhaltende Beschäftigung der Künstler mit der strukturierten Beobachtung des urbanen Raums, ihre Faszination für verlassene Formen der jüngeren Vergangenheit und ihr Interesse an den räumlichen und zeitlichen Möglichkeiten des Kinos. Mit einer spielerischen Anspielung auf Marcel Duchamps „Readymade“ verwandeln sie ansonsten banale Momente und Materialien in komplexe Meditationen über das Spiel der Zeit und den Akt des Sehens.
Igor and Svetlana Kopystiansky: Incidents (1996/7). Installation view The Metropolitan Museum of Art. Exhibition: Everyday Epiphanies. Photography and Daily Life Since 1969.
Incidents wurden in limitierten Auflagen produziert und von folgenden Museen erworben: MoMA, Metropolitan, Centre Pompidou, Museum of Fine Arts Houston, TATE Modern London,” Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Art Gallery of New South Wales Sydney und als Teil von Sammlungen großer Museen und auf wichtigen internationalen Ausstellungen ausgestellt. Eine vollständige Ausstellungsgeschichte der Videoarbeit „Incidents“ (1996/1997) ist in einem Hinweis auf einen Ankauf auf der Website des MFAH, Museum of Fine Arts Houston, Texas veröffentlicht.
Spätere Kollaborationen, wie beispielsweise Yellow Sound aus dem Jahr 2005 aus der Sammlung des Smithsonian American Art Museum in Washington, D.C., beziehen ihren Titel von einer Theaterproduktion Wassily Kandinskys und ihre stumme Struktur und Laufzeit von John Cages berühmter Komposition 4'33" (1952), in der ein Klavierspieler an der Tastatur sitzt, den Deckel anhebt und für die nächsten vier Minuten und dreiunddreißig Sekunden bewegungslos und still verharrt. Als Vorlage für „Yellow Sound“ (2005) verwendeten Künstler gefundenes Stummfilmmaterial mit dem Bild einer Schallplatte. Der ursprünglich sehr kurze Film wurde verlangsamt, um seine Dauer auf 4:33 Minuten zu erhöhen. Während der gesamten Präsentation sieht der Betrachter ein Bild, das wie ein Standbild aussieht. Lediglich Staub, Kratzer und andere Originalschäden des Films, die langsam erscheinen und verschwinden, zeigen den Zeitfluss.
In dem Video Portrait (2006), das in der Sammlung des Metropolitan Museum of Art zu sehen ist, verwendete Kopystiansky einen kurzen Ausschnitt aus „Masculin Féminin“ von Jean-Luc Godard. Dieser ausgewählte Clip wurde gleichzeitig vorwärts und rückwärts abgespielt. Die Künstler beschreiben ihr Vorgehen wie folgt: „Der Effekt besteht darin, dass das Bild die meiste Zeit verdoppelt wird, aber in der Mitte des Programms für eine 24-Sekunde zu einem einzigen Standbild verschmelzen. Dieser Moment wird durch die Bewegung des Films in der Projektionskamera bestimmt.“
In der Filmarbeit Pink and White – A Play in Two Time Directions aus dem Jahr 2006 überlagern Künstler dasselbe Filmmaterial vorwärts und rückwärts. Die suggestive Qualität dieser Stücke wird durch das Vor- und Zurückspulen der Zeit/Handlung verstärkt, wodurch ein Gefühl von Zeit als gefundenes Ereignis und verlorene Erinnerung entsteht. Pink and White unterstreicht ihr Interesse am frühen Kino und der surrealistischen grafischen Intensität des Fotografen Man Ray.
Igor Kopystiansky. Exhibition of Fiction Double at the Centre Pompidou. Collection Centre Pompidou MNAM.
Pink and White steht in Beziehung zu zwei weiteren Film-/Videoarbeiten von Igor und Svetlana Kopystiansky: Double Fiction (2008) und Fiction Double (2008). In beiden Werken ist der gesamte Film – „The Birds“ von Alfred Hitchcock und „Breathless“ von Jean-Luc Godard – wurden in zwei Richtungen abgespielt: vorwärts und rückwärts. Beide Filme entstanden fast zeitgleich mit nur drei Jahren Abstand: „Breathless“ (1960) und „The Birds“ (1963). Beide zeichnen sich durch dramatische Intensität und eine klassisch aufgebaute fiktionale Filmerzählung aus: Die Erzählzeit bewegt sich geradlinig in eine Richtung. Beide Filme repräsentieren die Kinematographie eines Autors, und den Künstlern war es wichtig, klassische Filme zu verwenden, die jedem Zuschauer in Erinnerung bleiben. In „Double Fiction“ und „Fiction Double“ wird jeweils das gesamte Filmmaterial von Alfred Hitchcocks „The Birds“ und das gesamte Filmmaterial von Jean-Luc Godards „Breathless“ mit Ton gezeigt, von Anfang bis Ende und umgekehrt, von Ende bis Anfang gleichzeitig, und beide Zeitabläufe sind für den Zuschauer in jedem Moment der Vorführung sichtbar. Auf diese Weise integrierte Kopystiansky den gesamten Film als Fundstück und überdachte die Rezeption der Erzählzeit im klassischen Kino. In einem visuellen Teil werden frühe Szenen mit späteren Szenen verbunden. In der Mitte verschmelzen die übereinandergelegten Filme zu einem einzigen. Die beiden gegenläufigen Zeitströme vereinen sich für einen kurzen Moment, dessen Dauer durch die Geschwindigkeit der Filmvorführung definiert wurde: 1/24 Sekunde. Die Dekonstruktion eines ursprünglichen Erzählinhalts wirkte gleichzeitig konstruktiv, indem sie eine neue visuelle und akustische Qualität des Werks schuf und ein neues visuelles Objekt hervorbrachte. In diesem neuen Werk veränderten sich die Beziehungen zwischen den Figuren, und gleichzeitig entstanden neue Beziehungen, neue Interaktionen zwischen ihnen. Die Figuren interagieren auch mit sich selbst, da sie gleichzeitig in zwei Zeiträumen auf dem Bildschirm präsent sind. Jedes nächste Bild ist eine unvorhersehbare visuelle Kombination. Die gesamte Musik, alle Geräusche und jedes gesprochene Wort im Film wurden stets zweimal abgespielt: in die normale Richtung und umgekehrt. Ein wichtiger Bestandteil dieser Werke ist die verbale Sprache. Der Ton wurde an das Bild gebunden und gleichermaßen entweder in die normale Richtung oder umgekehrt abgespielt. Im zweiten Fall wurden gesprochene Worte zu einer Unkenntlichkeit verändert und erhielten durch den Verlust ihrer Kommunikationsmittel neue Qualitäten und wurden zu abstrakten Klängen.
In Bezug auf "Double Fiction" fasst der Kunsthistoriker John Hanhardt zusammen:
„Ein Werk von erstaunlicher Einfachheit und Originalität, das die metafilmische Arbeit von Künstlern wie Douglas Gordon und Stan Douglas und den Umgang mit Sprache in Gary Hills Videobändern in das komplexe Terrain von Erzählung, Geschichtenerzählen und Wahrnehmung einführt. Die Vorwegnahme und Erinnerung an Zeit und Ereignisse durch die Konventionen des Geschichtenerzählens, wie wir sie in ‚The Birds‘ sehen, wird auch zu einem Mittel, um neue Einblicke in die apokryphe Vision des Films von Natur und menschlichen Beziehungen zu geben. Frühe Szenen verbinden sich mit späteren, und es ist fast so, als würde der Film selbst seine eigene Geschichte träumen, während sie sich entfaltet. ‚The Birds‘ ist eine brillante Wahl, da es die dramatische Intensität des Erzählkinos und die Nuancen der Darstellungen in einer Dekonstruktion der Bedeutungen des Originalfilms steigert. Es versetzt den Zuschauer auch als aktiven Teilnehmer vor die Leinwand. In gewisser Weise verfolgt sich der Film selbst, da die Handlung ihren eigenen Ausgang vorwegnimmt und die Beziehungen zwischen den Charakteren auf tragische Weise vorhergesagt und verwirklicht werden. Die angedeutete Zerstörung erscheint tatsächlich in der Film an seinem Anfang. Igor und Svetlana Kopystiansky haben einen dialektischen Prozess geschaffen, indem sie den Blickwinkel der Kamera und das Spiel der Zeit integrieren. Der Betrachter wird aktiv in das Schauen einbezogen und gewinnt durch diesen kognitiven Prozess Bedeutung aus bewegten Bildern. Diese Künstler haben einen ästhetischen Text geschaffen, der von Erinnerungen heimgesucht wird, sei es durch gefundenes Filmmaterial, durch zufällige Aufnahmen von auf dem Bürgersteig vorbeiwehenden Plastiktüten oder der Bewegung von Menschen auf der Straße oder durch die Wiederentdeckung von Szenen aus bekannten Filmen. Die Zeit löscht sich selbst aus, wenn sich Szenen überschneiden und verändern, und gestaltet dabei das bewegte Bild in einen ästhetischen Text von zeitloser Faszination um.“
Die Videoinstallation Crossroad (2009) wurde erstmals 2010 in der Einzelausstellung von Igor und Svetlana Kopystiansky im Musée d'Art Moderne de Saint-Etienne Métropole in Frankreich gezeigt. Unbearbeitetes Filmmaterial von sechs verschiedenen Kreuzungen in Lower Manhattan zeichnete in Echtzeit alle Ereignisse auf, die sich vor der Kamera abspielten, mit allen Geräuschen der Umgebung. Aus diesen sechs Videoaufzeichnungen erstellten die Künstler drei Videoprogramme, wobei sie für jeden Bildschirm zwei Aufnahmen verwendeten, indem sie diese übereinanderlegten und während der Wiedergabe eine Aufnahme sehr langsam in eine andere und wieder zurück überblendeten. Auf diese Weise werden während einer Projektion Bilder langsam und allmählich von einer Aufnahme eines Ortes in eine Aufnahme eines anderen Ortes in der Stadt überblendet. Zu Beginn jedes Programms steht nur ein einziges Bild, das ein perfektes Bild von einem Ort darstellt, unmittelbar danach beginnt eine sehr lange und allmähliche Überblendung, die mit einem Einzelbild eines weiteren „perfekten Bildes“ aus einer zweiten Aufnahme endet. Nach Erreichen dieses Punktes beginnt eine ebenso langsame Überblendung zurück zur ersten Aufnahme. In der restlichen Zeit wird auf jedem Bildschirm eine Mischung aus zwei verschiedenen Orten und zwei Zeitabschnitten projiziert, wodurch eine neue fiktive visuelle Realität entsteht. Die Architektur wird völlig unwirklich und ein allmählicher Übergang zwischen zwei verschiedenen Orten erzeugt eine Verschiebung von Zeit und Raum.
Die Videoarbeit Speak when I have nothing to say (2009) ist in der Sammlung der Henry Art Gallery vertreten. Für diese Arbeit verwendeten Igor und Svetlana den Schnitt als zentrales Bearbeitungsmittel: Sie bearbeiteten eine gemeinsame Szene zweier Charaktere aus Michelangelo Antonionis italienischem Filmklassiker „Die Eclisse“ (1962), gespielt von Monica Vitti und Francisco Rabal. Die Kopystianskys entfernten den gesprochenen Dialog und dekonstruierten die Erzählung des Originals durch Schnitte und Wiederholungen wiederkehrender Szenen. Dadurch entstand eine Art surrealistischer Effekt, ein Spiel mit der Zeit, das an die Funktion der Erinnerung erinnert. Der Soundtrack der Videoarbeit besteht ausschließlich aus Originalgeräuschen, die im Originalfilm die Zeit zwischen den Dialogen füllten. In Abwesenheit des gesprochenen Dialogs werden daher Körpersprache und visuelle Bilder zur vorherrschenden Sprache und rufen ein Gefühl existenzieller Einsamkeit, ein Gefühl von Distanz und Isolation hervor, im Dialog mit Antonionis Originalfilm und der durch lange Dauer gekennzeichneten Technik des Autors.
Die auf der Documenta 11 (2002) gezeigte Videoinstallation Flow (bestehend aus sechs Projektionsflächen) wurzelt in der Tradition der Readymade-Avantgarde von Marcel Duchamp. Sie lässt sich als große Synthese bestimmter Aspekte der Arbeiten Incidents und Fog begreifen. Wie erstere widmet sie sich dem ausrangierten Alltagsgegenstand, doch wie letztere thematisiert sie zugleich den Flusslauf von Gewässern. Anstatt sich jedoch auf einen einzigen Schauplatz – New York – zu beschränken, ist das Werk auch insofern synthetisch, als es verschiedene Orte zu einem einzigen imaginären Raum vereint. Nach Ansicht von Kai-Uwe Hemken „Diesen fundamentalen Sinnaspekt der Videoinstallation Flow könnte man übertragen auf den Ausstellungsprojekt dieser Arbeit, das heißt auf die Documenta 11 insgesamt. Diese Arbeit zeigt, dass Gegenstände oder Handlungen eine Mehrfachkodierung besitzen, die sich überdies inhaltlich stets wandeln kann. Die verschiedenen Bedeutungen eines Objektes sind abhängig von unserer Sichtweise und Wertschätzung, die wir dem Gegenstand in Abhängigkeit von unserer Gesamtkultur beimessen. Damit steht die Arbeit Flow geradezu sinnbildlich für die Documenta 11.“
Im Jahr 2004 beauftragte das SMoCA, Scottsdale Museum of Contemporary Art Arizona, Igor und Svetlana mit einer Videoarbeit. Für das Hauptwerk des Projekts entschieden sich die Künstler, einen Straßenabschnitt in der Wüste von Arizona zu filmen, der besonders gewöhnlich und „zeitlos“ wirkt. Es ist durchaus möglich, dass dieser Ort schon vor vielen Jahren genau so aussah und sich den Menschen, die damals durch diese Landschaft zogen, in derselben Weise darbot.
Für die Videoinstallation Establishing Shot (2004), die auf zwei Bildschirmen projiziert wird, wurden beide Kanäle mit derselben Kamera, auf demselben Stativ und von derselben Position aus aufgenommen. Zu Beginn des auf dem linken Bildschirm gezeigten Programms bewegt sich die Kamera von links nach rechts und wieder zurück. Gleichzeitig bewegt sie sich auf dem rechten Bildschirm von rechts nach links und wieder zurück. Auf diese Weise nähern sich die abgebildeten Panoramaausschnitte im Verlauf des Programms einander an, bis sie schließlich genau in der Mitte ein scheinbar identisches Bild ergeben. Anschließend setzt auf beiden Bildschirmen die Rückwärtsbewegung ein, die schließlich zur Rückkehr zu den ursprünglichen, einander entgegengesetzten Panoramaansichten führt.
Der Titel Establishing Shot (Einstellungsgröße zur Einführung des Schauplatzes) bezieht sich auf eine filmische Technik, bei der der Kontext einer Szene etabliert wird. Meist handelt es sich dabei um eine Totale oder eine extreme Totale zu Beginn einer Szene, die verdeutlicht, wo – und manchmal auch wann – sich das weitere Geschehen abspielt. Beide Projektionen wirken fotografisch und ähneln Standbildern. Doch die Ruhe des Bildes ist eine Illusion; trotz der Bewegung scheint das Bild stillzustehen, während die unaufhaltsam voranschreitende Zeit – und deren Wahrnehmung – im Bewusstsein des Betrachters zur Hauptakteurin des Geschehens wird. Auf diese Weise verschmilzt das Werk die Sprachen von Fotografie und Film. Die Arbeit spielt mit der Natur des filmischen Mediums und untersucht diese: Film konstituiert sich aus einer Abfolge von Standbildern – der eigentlichen Realität –, deren „Bewegung“ das Ergebnis eines rein mechanischen Wechsels zwischen Objektiv und Lichtquelle des Projektors ist.
Da die Filmgeschichte sowohl Schwarz-Weiß- als auch Farbfilme umfasst, wurde die Zwei-Bildschirm-Installation Establishing Shot (2004) in Schwarz-Weiß produziert. Die Ein-Kanal-Arbeit Establishing Shot (2004) wurde als Installation konzipiert, bei der zwei Farbkanäle übereinandergelegt werden, sodass der Betrachter den Zeitverlauf simultan auf einem einzigen Bildschirm wahrnehmen kann.
Im SMoCA (Scottsdale Museum of Contemporary Art) ist seit 1999 dauerhaft James Turrells Skyspace-Werk Knight Rise zu sehen. Wie Turrell selbst sagt, bietet sein Werk die Gelegenheit, „unser eigenes Sehen zu betrachten“. Establishing Shot von Igor und Svetlana Kopystiansky eröffnet dem Betrachter die Möglichkeit, inmitten der Stille der Wüste die eigene Wahrnehmung des Zeitverlaufs zu reflektieren.
Die als Auftragsarbeit entstandene Video-Projektionsinstallation Sandglass. Establishing Shot (2004) wurde im SMoCA (2005) sowie anschließend in der Lisson Gallery London (2006), der Kunsthalle Fridericianum Kassel (2006) und dem Espoo Museum of Modern Art (2007) ausgestellt.
Igor Kopystianskys Einzelwerke und gemeinsame Arbeiten mit Svetlana wurden auf wichtigen internationalen Ausstellungen gezeigt, darunter auf der 1988 Biennale Venedig, Sydney Biennial, the 1994 Sao Paulo Biennial, the 1995 Istanbul Biennial, 1997 Lyon Biennial, 1997 Johannesburg Biennale 1999 Liverpool Biennial und documenta 11 2002.
Die Lisson Gallery in London hat Igor und Svetlana Kopystiansky von 2001 bis 2011 vertreten. Die Zusammenarbeit mit der Lisson Gallery begann im Jahr 2000, als Igor und Svetlana während ihres New York-Aufenthalts eine Einladung zur Teilnahme an der Ausstellung Video Work der Lisson Gallery in Covent Garden, Kean Street 9, vom 28. April bis 26. Mai in London erhielten, die zeitgleich mit der Eröffnung der Tate Modern stattfand. Bei dieser Ausstellung präsentierten Igor und Svetlana ihre Videoarbeit „Fog“ (2000), die von den Chelsea Piers auf der anderen Seite des Hudson River gefilmt wurde. 2024 wurde Fog (2000) vom Walker Art Center erworben. An der Ausstellung Video Work der Lisson Gallery nahmen teil: Francis Alÿs, Pierre Bismuth, Vanessa Beecroft, Mat Collishaw, Ceal Floyer, Douglas Gordon, Rodney Graham, Igor & Svetlana Kopystiansky, Paul McCarthy, Jonathan Monk, Tony Oursler, Simon Patterson, Julião Sarmento, Marijke van Warmerdam, Jane & Louise Wilson.
Auf der Armory Show in New York im Jahr 2001 präsentierte die Galerie Lisson ein Videoprogramm, darunter Incidents (1996/1997) von Igor und Svetlana Kopystiansky sowie Videoarbeiten von Rodney Graham, Francis Alÿs, Jane & Louise Wilson, Julião Sarmento, Simon Patterson, Paul McCarthy, Dan Graham und Pierre Bismuth.
Ein wesentlicher Teil der ersten Einzelausstellung von Igor und Svetlana in der Lisson Gallery in London im Jahr 2002 bestand aus Installationsarbeiten, die in den Straßen New Yorks gefilmt wurden, darunter die Zwei-Bildschirm-Diaprojektionsinstallation The Day before Tomorrow (1999), die 2009 in die Sammlung des Whitney Museum of American Art erworben wurde.
2006 präsentierten Igor und Svetlana in ihrer zweiten Einzelausstellung in der Lisson Gallery die Videoinstallation Yellow Sound (2005), die seit 2009 in der Sammlung des Smithsonian American Art Museum in Washington, D.C. vertreten ist, zwei Videoprojektionsinstallationen (Sandglass) Establishing Shot, im Auftrag des Scottsdale Contemporary Art Museum, begleitet von einem Fotoprojekt Fade, das ebenfalls in der Wüste von Arizona entstand. Die Ausstellung umfasste außerdem Pink and White, eine Multi-Screen-Videoinstallation, und Gemälde von Svetlana Kopystiansky: Landschaften und Seestücke, gestaltet durch handgeschriebene Texte, die Gedichten von Samuel Beckett entnommen sind, sowie Arbeiten auf Papier.
"Igor & Svetlana Kopystiansky". Lithuanian National Museum of Art. 2023. Foreword: Arūnas Gelūnas. Texts by Michel Gauthier, John G. Hanhardt. Quotations from texts about Kopystiansky’s by Kai-Uwe Hemken, Philippe-Alain Michaud, Anthony Spira, Adam D. Weinberg. (Lithuanian, English, French) ISBN 978-609-426-182-4
‘'Kopystiansky: Double Fiction/Fiction Double”. Published on the occasion of the solo exhibition at the Musée d'art moderne Saint-Étienne. 2010. Text von John G. Hanhardt, Philippe-Alain Michaud. Les Presses du Réel. ISBN 978-2-84066-374-4
"Igor & Svetlana Kopystiansky." Published on the occasion of the solo exhibition at the Espoo Museum of Modern Art, Helsinki, 2007. Texts by Timo Valjakka, Anthony Spira, Barry Schwabsky, (English, Finnish, Swedish), EMMA – Espoo Museum of Modern Art, Helsinki. ISBN 978-952-5509-00-7
“Igor & Svetlana Kopystiansky: The Day before Tomorrow”. Published on the occasion of the solo exhibition at the Kunsthalle Fridericianum, Kassel and Fine Arts Centre of UMass, Amherst, Massachusetts, 2005. With introduction by René Block and Loretta Yarlow and texts by Adam D. Weinberg, Barry Schwabsky, Andreas Bee, Anthony Bond, Kai-Uwe Hemken. (English and German), ISBN 978-0-929597-19-5
“Igor & Svetlana Kopystiansky: Tracking Shot.” With texts by Barry Schwabsky, Andreas Bee, Anthony Bond. (English and Spanish), Distrito4, 2004. Madrid, Spain ISBN 978-84-933422-6-5
“Igor & Svetlana Kopystiansky: Dialog,” Published on the occasion of the solo exhibition at the IFA Galerie Berlin, 1998. Institut für Auslandsbeziehungen Stuttgart/Berlin.
“Igor Kopystiansky: Exhibition of Paintings.” 2nd Johannesburg Biennale, 1997. ISBN 978-3-927869-12-7
“Igor Kopystiansky: The Museum.” Published on the occasion of the solo exhibition at the Kunsthalle Düsseldorf, Germany. 1994.
„Igor and Svetlana Kopystiansky“ Published on the occasion of the solo exhibition at the Martin-Gropius-Bau Berlin, 1991. DAAD. Curator René Block. Texts by Dan Cameron, Joachim Sartorius, Christine Tacke. ISBN 978-3-89357-031-7
Weiterführende Literatur
Thierry Davila, Heuristique des courants d’air. Les Cahiers du Musée national d’art moderne, #146, Winter issue 2018-2019 of the Centre Pompidou. "Of an art that does not lack air. From Leonardo da Vinci to Duchamp, Hans Haacke and beyond, a eulogy of drafts »Heuristique des courants d’air. Artists: Léonard de Vinci, Marcel Duchamp, Piero Manzoni, Giuseppe Penone, Hans Haacke, Marinus Boezem, Igor et Svetlana Kopystiansky, Ryan Gander, Gabriel Orozco, Pascale Marthine Tayou, Zilvinas Kempinas, Francis Alÿs, Didier Marcel. Les Cahiers du Musée national d’art moderne 2019/1 N° 146 EAN 9782844268372
Philippe-Alain Michaud. Sur le film. Editions Macula, France. 464 pages index150 illustrations couleur, 185 illustrations noir et blanc, S. 207-220. 2016, ISBN 978-2-86589-085-9, ISSN 2430-8943,
Michel Gauthier. Scenes from the life of palimpsests in Art Lovers. Stories of Art in the Pinault Collection at the Grimaldi Forum Monaco, from 12 July to 7 September 2014. Lien Art. Curator Martin Bethenod. Texts: Après by Martin Bethenod. ISBN 978-2-35906-112-3
Adam D. Weinberg. The Binary Method, Some Thoughts on Two Projects: Incidents and The Day Before Tomorrow in: Artist, work, Lisson. Lisson Gallery London, England. "ARTIST WORK LISSON documents the history and legacy of Lisson Gallery over the past 50 years. Under the art direction of famed Dutch designer Irma Boom, the publication features an A-to-Z of every artist who has had a solo exhibition at the gallery. S. 14, 340, 341, 464-465, 472-473474, 662-665. Distributed in North America by Artbook | D.A.P., 2017. ISBN 978-0-947830-63-2
Adam D. Weinberg. “Das binäre Verfahren. Überlegungen zu zwei Arbeiten Incidents und The Day Before Tomorrow.” Das Fridericianum Magazin. Kunstverein und Kunsthalle, Nov. 2005, S. 42–45.
Hemken, Kai-Uwe: Die doppelte Documenta 11 - Die Videoinstallation "Flow" von Igor & Svetlana Kopystiansky als Sinnbild einer mediatisierten documenta. XXD11: Über Kunst und Künstler der Gegenwart. Ein Nachlesebuch zur Documenta 11. Kassel University Press; Erscheinungstermin. 1. Mai 2003; ISBN 3-89958-506-2.
"Kunst der letzten 10 Jahre." Curated by Dieter Ronte and Wolfgang Drechsler. Museum of Modern Art, Vienna. 28 April bis 24. September 1989. S. 14, 150-153. ISBN 3-900776-03-2 / ISBN 978-3-900776-03-9
"Documenta 11," Director Okwui Enwezor. Kassel, Germany. 2002. ISBN 3-7757-9088-8
“Chronos & Kairos: die Zeit in der zeitgenössischen Kunst;” Museum Fridericianum Kassel, Curator René Block, Verlag: Documenta und Museum Fridericianum Kassel, 1999. Kunsthalle Fridericianum, 5 Sept.-7 Nov. Kassel, Germany. ISBN 3-927015-13-X
"Trace," Liverpool Biennial of Contemporary Art, (Curator Anthony Bond). The Tate Gallery Liverpool, ISBN 0-9536761-0-2
"2nd Johannesburg Biennale," Curator Okwui Enwezor. Johannesburg, South Africa. ISBN 978-0-620-21522-0
"L'Autre. 4e Biennale de Lyon, Art Contemporain," Curator Harald Szeemann, Lyon, France, ISBN 2-7118-3574-X
"The 4th International Istanbul Biennial, ORIENT/ATION–The Vision of Art in a Paradoxical World." Turkey. Director: René Block. Venue: Antrepo no. 1, Yerebatan Cistern, Hagia Eirene Museum, Atatürk Cultural Center Art Gallery. ISBN 2-87939-249-7
“Caravanserraglio, Fuori Uso ‘95,” Curator Giacinto Di Pietrantonio. Ex Aurum, Pescara, Italy. ISBN 978-1-9993170-0-3
"Cocido y Crudo," Museo National Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain. Curator Dan Cameron. 1994. S. 50, 58, 118-121, 234 237, 324, 330. ISBN 84-8026-042-4
“Ich will daß Du mir glaubst. 9th Triennial of Small Sculpture,” Curator Jean-Christophe Ammann, Natalie de Ligt. Fellbach, Germany. Alte Kelter - 26.6. bis 26.9.2004. Participating artists: Nobuyoshi Araki, Stephan Balkenhol, Thomas Bayrle, Linda Benglis, Heiner Blum, Louise Bourgeois, Peter Fischli/David Weiss, Ceal Floyer, David Hammons, Martin Honert, Bethan Huws, Igor und Svetlana Kopystiansky, Zoe Leonard, Martin Liebscher, Cathy de Monchaux, Ron Mueck, Bruce Naumann, Markus Raetz, Martial Raysse, Andreas Slominski, Rosemarie Trockel, Erwin Wurm. Herausgebende Fellbach, Württ Stadt Fellbach Publikationsjahr 2004. ISBN 978-3-86984-147-2; ISBN 978-3869841472
"The Boundary Rider," 9th Biennale of Sydney. Curator Anthony Bond. AGNSW, Sydney, Australia. ISBN 978-1-921034-84-8
“Dialog im Bode museum.” Curators Klaus Biesenbach. Staatliche Museen Preussischer Kulturbesitz, Bodemuseum Berlin, 1992. ISBN 978-0-9841776-2-2
Jörn Merkert. Kunst die in Berlin entstand: Meisterwerke der Berlinischen Galerie. Prestel, München 2004, ISBN 3-7913-3217-1
“From Trash to Treasure. Vom Wert des Wertlosen in der Kunst.” Edited by Anette Hüsch. Kunsthalle zu Kiel. Participating artists: Arman, Joseph Beuys, George Brecht, Pavel Büchler, Christo, Tony Cragg, Jürgen Drescher, Marcel Duchamp, Sylvie Fleury, Gilbert & George, Asger Jorn, Arthur Køpcke, Igor und Svetlana Kopystiansky, Urs Lüthi, Gordon Matta Clark, Olaf Metzel, Robert Morris, Vik Muniz, Mimmo Rotella, Dieter Roth, Kurt Schwitters, Daniel Spoerri, Jacques de la Villeglé, Wolf Vostell. Published by Kerber, 2011. ISBN 978-3-86984-147-2; ISBN 978-3869841472
“Erre, variations labyrinthiques.” Organized by Hélène Guenin and Guillaume Désanges. Préfaces d’Alain Seban et de Laurent Le Bon, Centre Pompidou-Metz, 2011. ISBN 2-35983-014-7; ISBN 978-2359830149.
"The Purloined Image," Curator Christopher. R. Young. The Flint Institute of Arts, Flint, USA March 28-May 9. ISBN 0-941548-01-5
Le Musée d'art moderne de Saint-Etienne. Edited by Bernard Ceysson, S. 120. Le Musée d'art moderne de Saint-Etienne. Edited by Bernard Ceysson, S. 120. Paris: Musées et monuments de France: A. Michel; Saint-Etienne: la Ville, 1990. Published with the support of the Fondation Paribas. Collection directed by Pierre Lemoine ISBN 2-912808-17-0, ISBN 978-2912808172
"Anni Novanta," Curator Renato Barilli. Galleria Comunale d'Arte Moderna, Bologna; Musei Comunali, Rimini; Ex colonia "Le Navi," Catolica, Italy. S. 21, 250-251. Editore, Mondadori (31 dicembre 1990). ISBN 88-242-0087-7; ISBN 978-8824200875
"What is Contemporary Art?” Curator Dan Cameron. Participating artists: Fischli-Weiss, Katharina Fritsch, Georg Herold, Rebecca Horn, On Kawara, Mike Kelley, Jeff Koons, Igor Kopystiansky, Sherrie Levine, Tatsuo Miyajima, Walter Obholzer, Meret Oppenheim, Perejaume, Haim Steinbach, Bill Taylor, Jeff Wall. Rooseum, Malmö, Sweden. ISBN is 978-1-84822-450-6 ISBN 99910-73-53-1; ISBN 978-9991073538; OCLC Number / Unique Identifier: 21436173
Phyllis Freeman, "New Art," Harry N Abrams, New York, S. 106-107. 1990. ISBN 0-8109-2443-9
Robert Atkins. "Art Speak: A Guide to Contemporary Ideas, Movements, and Buzzwords." Appropriation. Who: Mike Bidlo, David Diao, Komar and Melamid, Jeff Koons, Igor Kopystiansky, Louise Lawler, Sherrie Levine, Carlo Maria Mariani, Sigmar Polke, Richard Prince, Gerhard Richter, David Salle, Julian Schnabel, Peter Schuyff, Elaine Sturtevant. When: 1980’s. Where: United States and Europe, Abbeville Publishers, New York, 1990, S. 42–43. Abbeville Publishers. New York, New York. 1990. ISBN 0-7892-1151-3https://openlibrary.org/books/OL2198674M/Artspeak
“Tempo ao tempo / Taking time.” Catalog of an exhibition held at MARCO, Museo de arte contemporánea de Vigo, Oct. 19, 2007-Feb. 17, 2008. Texts by Isabel Carlos, Félix Duque, and Iñaki Martínez Antelo. In Galician, Spanish, and English. ISBN 978-84-935505-4-7, ISBN 84-935505-4-X
↑Le Musée d'art moderne de Saint-Etienne / Jacques Beauffet, Bernard Ceysson, Martine Dancer et Maurice Fréchuret. - Paris: Musées et monuments de France: A. Michel; Saint-Etienne: la Ville, 1990. - 126 S.: ill. en coul.; 29 cm. - (Musées et monuments de France) n° isbn 2-226-04038-2 - reprod. S. 120
↑Igor Kopystiansky: Intérieur. 1988. Oeuvre en 3 dimensions, Installation. Toile déployée au mur et au sol sur laquelle sont posées deux chaises recouvertes de toile de lin peinte. Huile sur toile de lin et bois. Partie supérieure: 193 × 284,8 × 44 cm Chaque chaise: 80 × 38 cm. Achat, 1989. Inv.: 89.25.2
↑"Igor and Svetlana Kopystiansky" Published on the occasion of the solo exhibition at the Martin-Gropius-Bau Berlin, 1991. DAAD. Curator René Block. Texts by Dan Cameron, Joachim Sartorius, Christine Tacke. ISBN 9783893570317
↑"Igor Kopystiansky: The Museum." Published on the occasion of the solo exhibition at the Kunsthalle Düsseldorf, Germany. 1994.
↑Cocido y Crudo," Museo National Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain. Curator Dan Cameron. 1994. S. 50, 58, 118-121, 234 237, 324, 330. ISBN 978-84-8026-042-8
↑Cocido y Crudo, Museo National Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain. (cat.). Participating artists: Janine Antoni, Stefano Arienti, Wim Delvoye, Marc Dion, Jimmie Durham, Marlene Dumas, Sylvie Fleury, Renée Green, Mona Hatoum, Gary Hill, Damien Hirst, Martin Kippenberger, Igor Kopystiansky, Svetlana Kopystiansky, Paul McCarthy, Yasumasa Morimura, Tatsuo Miyajima, Gabriel Orozco, Allen Ruppersberg, Doris Salcedo, Kiki Smith, Rirkrit Tiravanija, Sue Williams, Fred Wilson.
↑"The Boundary Rider," 9th Biennale of Sydney. Curator Anthony Bond. AGNSW, Sydney, Australia. ISBN 978-1-921034-84-8
1992 Sydney Biennial. Curator Anthony Bond. Participating artists including: Joseph Beuys, Ashley Bickerton, Guillaume Bijl, Helen Chadwick, Sarah Charlesworth, Adrian Piper, Walter Dahn, Cathy de Monchaux, Wim Delvoye, Jochen Gerz, Guillermo Gomez-Pena, Coco Fusco, Jorg Herold, Jon Kessler, Anselm Kiefer, Martin Kippenberger, Igor Kopystiansky, Svetlana Kopystiansky, Bertrand Lavier, Annette Lemieux, Ken Lum, Tracey Moffatt, Juan Muñoz, Orlan, Guilio Paolini, Perejaume, Marc Quinn, Charles Ray, Gerhard Richter, Julie Rrap, Doris Salcedo, Jeffrey Shaw, Lorna Simpson, Pia Stadtbaumer, Haim Steinbach, Jan Vercruysse, Rachel Whiteread, Richard Wilson, Erwin Wurm.
↑„Kunst der letzten 10 Jahre“. Kuratoren Dieter Ronte und Wolfgang Drechsler. Museum moderner Kunst, Wien. 28. April bis 24. September 1989. S. 14, 150–153. ISBN 978-3-900776-03-9 Zu den beteiligten Künstlern gehörten unter anderem: Magdalena Abakanowicz, Art & Language, Alice Aycock, Donald Baechler, Georg Baselitz, Jean-Michel Basquiat, Joseph Beuys, Barbara Bloom, Christian Boltanski, Jonathan Borofsky, Walter Dahn, Martin Disler, Georg Jiri Dokoupil, Helmut Federle, Günther Förg, Hamish Fulton, Franz Gertsch, Jochen Gerz, Franz Graf, Thomas Grünfeld, Georg Herold, John Hillard, Shirazeh Houshiary, Leiko Ikemura, Jörg Immendorf, Donald Judd, Anselm Kiefer, Martin Kippenberger, Per Kirkeby, Jürgen Klauke, Imi Knoebel, Peter Kogler, Igor Kopystiansky, Svetlana Kopystiansky, Maria Lassnig, Sol Le Witt, Richard Long, Markus Lüpertz, Ingeborg Lüscher, Urs Lüthi, Robert Mangold, Robert Mapplethorpe, Nicola De Maria, Allen McCollum, Jan McKeever, Gerhard Merz, Mario Merz, Reinhard Mucha, Hermann Nitsch, Walter Obholzer, Albert Öhlen, Mimmo Paladino, Claudio Parmiggiani, Arnulf Rainer, Gerwald Rockenschaub, Susan Rothenberg, David Salle, Julian Schnabel, Andres Schulze, Peter Schuyff, Richard Serra, Cindy Sherman, Rosemarie Trockel, Jan Vercruysse, Franz West, Erwin Wurm, Otto Zitko, Heimo Zobernig.
↑Exhibition: Dialog im Bodemuseum. Curated by Klaus Biesenbach. Artists: Isa Genzken, Klaus vom Bruch, Svetlana Kopystiansky, Igor Kopystiansky, Strawalde. Staatliche Museen Preussischer Kulturbesitz, Bodemuseum Berlin, 1992. ISBN 978-0-9841776-2-2
↑“Anni Novanta,” (Nineties)1990. Galleria Comunale d’Arte Moderna, Bologna; Musei Comunali, Rimini; Ex colonia “Le Navi,” Catolica, Italy (catalog). Curated by Renato Barilli. 1991. Participating artists including: M. Cattelan, Ericson & Ziegler, G. Förg, P. Halley, M. Mullican, V. Muniz, P. Nagy, J. Othoniel, T. Ruff, L. Santoli, R. Scholte, R. Serra, L. Simmons, H. Steinbach, T. Tozzi, M. Vaisman, A. Bickerton, W. Delvoye, J. Armleder, G. Bijl, J. Bolande, M. Kelley, J. Koons, I. Kopystiansky, C. Noland, E. Wurm. S. 21, 250-251. Editore, Mondadori (31 dicembre 1990). ISBN 978-88-242-0087-5
↑"Igor Kopystiansky: The Museum." Published on the occasion of the solo exhibition at the Kunsthalle Düsseldorf, Germany. 1994.
↑La Collection: Musée d'Art moderne, Saint-Etienne / [Préf. Jacques Beauffet]. - Saint-Etienne: Musée d'Art moderne; Paris: Réunion des musées nationaux, 2000. - 216 S. n°, ISBN 2-7118-3441-7
↑Igor Kopystiansky. Diptych. 1990. Collection Reina Sofia. Series: Transformable Paintings. Date 1988 / 1990. Dimensions: Part 01: 134 x 192 cm / Part 02: 135,5 x 196 cm. Canvas painted with oil paint and trimmed.
↑„Igor Kopystiansky: The Museum“. Publikation anlässlich der Einzelausstellung in der Kunsthalle Düsseldorf, Deutschland (1994).
↑"The Purloined Image." Curated by Christopher R. Young, Participating artists: with participation of Arman, Mike Bidlo, Robert Colescott, Larry Rivers, Pater Saul, George Segal, Cindy Sherman, Andy Warhol. Flint Institute of Arts, MI,2012
↑Robert Atkins:Artspeak: a guide to contemporary ideas, movements, and buzzwords. 1st ed. Abbeville Press Publishers, New York 1990, ISBN 978-1-55859-010-6 (englisch, openlibrary.org[abgerufen am 4.Mai 2025]).
↑Contemporary Artists. St.James Press/Video Hound.Gale Group. MI 2001. ISBN 0912289961 Publisher Cengage GALE ISBN-101558624074 ISBN 9781558624078, 1400 Pages. Artists, Architects, Photographers, History / General Editor: Sara Pendergast and Tom Pendergast. Advisers: Jean-Christophe Ammann, Robert Atkins, Szymon Bojko, Jorge Glusberg, Carin Kuoni, Hans Ulrich Obrist, Frank Popper, Robert Rindler, Jose Lebrero Stals, Atsuo Yasuda.
↑Philippe-Alain Michaud, John G. Hanhardt:Svetlana & Igor Kopystiansky. les Presses du réel, Dijon 2010, ISBN 978-2-84066-374-4 (französisch).
↑Adam D. Weinberg, Alice Pratt Brown Director Whitney Museum of American Art. The Binary Method, Some Thoughts on Two Projects: Incidents and The Day Before Tomorrow. Published in: “Igor & Svetlana Kopystiansky: The Day before Tomorrow”. Published on the occasion of the solo exhibition at the Kunsthalle Fridericianum, Kassel and Fine Arts Centre of UMass, Amherst, Massachusetts, 2005. With introduction by René Block and Loretta Yarlow and texts by Adam D. Weinberg, Barry Schwabsky, Andreas Bee, Anthony Bond, Kai-Uwe Hemken. (English and German), ISBN 978-0-929597-19-5
↑"Igor & Svetlana Kopystiansky". The Lithuanian National Museum of Art. 2023. Texts by Michel Gauthier, John G. Hanhardt. Quotations from texts about Kopystiansky’s by Kai-Uwe Hemken, Philippe-Alain Michaud, Anthony Spira, Adam D. Weinberg.(Lithuanian, English, French) ISBN 978-609-426-182-4
↑John G. Hanhardt. “The Play of Time: The Art of Svetlana and Igor Kopystiansky”Published in: Kopystiansky. Double Fiction/Fiction Double. Musée d’Art Moderne de Saint-Étienne. Texts by John G. Hanhardt, Philippe-Alain Michaud. Les Presses du Réel, 2010. ISBN: 978-2-84066-374-4 EAN: 9782840663744
↑Igor & Svetlana Kopystiansky. The Lithuanian National Museum of Art. Texts by Michel Gauthier, John G. Hanhardt. Quotations from texts about Kopystiansky’s by Kai-Uwe Hemken, Philippe-Alain Michaud, Anthony Spira, Adam D. Weinberg. ISBN 978-609-426-182-4, 2023.
↑John G. Hanhardt, Consulting Senior Curator for Media Arts, the Nam June Paik Media Arts Center, Smithsonian American Art Museum: The Play of Time: The Art of Svetlana and Igor Kopystiansky. Published in: 2010 Kopystiansky. Double Fiction/Fiction Double. Musée d"Art Moderne de Saint-Étienne. Texts by John G. Hanhardt, Philippe-Alain Michaud. Les Presses du Réel, 2010, ISBN 978-2-84066-374-4
↑Kai-Uwe Hemken: The double video installation “Flow” by Igor & Svetlana Kopystiansky at Documenta 11 - an emblem of a medial documenta / Die doppelte Documenta 11 - Die Videoinstallation “Flow” von Igor & Svetlana Kopystianky als Sinnbild einer mediatisierten documenta. in: Igor & Svetlana Kopystiansky. 2005. Professor for Visual Arts, Kunsthochschule Kassel Kai-Uwe Hemken.
↑"The Boundary Rider," 9th Biennale of Sydney. Curator Anthony Bond. AGNSW, Sydney, Australia. ISBN 978-1-921034-84-8
↑The 4th International Istanbul Biennial, ORIENT/ATION–The Vision of Art in a Paradoxical World Turkey. Director: René Block. Venue: Antrepo no. 1, Yerebatan Cistern, Hagia Eirene Museum, Atatürk Cultural Center Art Gallery. ISBN 2-87939-249-7
↑"L'Autre. 4e Biennale de Lyon, Art Contemporain," Curator Harald Szeemann, Lyon, France ISBN 2-7118-3574-X
↑"2nd Johannesburg Biennale," Curator Okwui Enwezor. Johannesburg, South Africa. ISBN 978-0-620-21522-0, 1999
↑"Trace," Liverpool Biennial of Contemporary Art, (Curator Anthony Bond). The Tate Gallery Liverpool, ISBN 0-9536761-0-2
↑Hemken, Kai-Uwe: Die doppelte Documenta 11 - Die Videoinstallation "Flow" von Igor & Svetlana Kopystiansky als Sinnbild einer mediatisierten documenta. XXD11: Über Kunst und Künstler der Gegenwart. Ein Nachlesebuch zur Documenta 11. Kassel University Press; Erscheinungstermin. 1. Mai 2003; ISBN 3-89958-506-2.
↑Documenta 11," Director Okwui Enwezor. Kassel, Germany. 2002. ISBN 3-7757-9088-8
↑Lisson Gallery:Artist, work, Lisson. Lisson Gallery London, England. In: Cornerhouse Publications (Hrsg.): "ARTIST WORK LISSON documents the history and legacy of Lisson Gallery over the past 50 years. Under the art direction of famed Dutch designer Irma Boom, the publication features an A-to-Z of every artist who has had a solo exhibition at the gallery. Lisson Gallery, London New York, NY 2017, ISBN 978-0-947830-63-2 (englisch).
↑Godfrey Mark. "Video Work. Lisson gallery in Covent Garden." Frieze, September-October 2000, S. 128–129
↑Bishop, Claire. "Lisson Video Show, London" Flash Art International, Summer 2000, S. 53
↑Searle, Adrian. "Step into another world. Adrian Searle is disturbed, frightened and mesmerised by the biggest and best show of film and video art the UK has ever seen." The Guardian, 4. Mai 2000
↑Kunsthalle Fridericianum,, Kassel, Germany. Chronos & Kairos: die Zeit in der zeitgenössischen Kunst; Museum Fridericianum Kassel, Curator René Block, Verlag: Documenta und Museum Fridericianum Kassel, 1999. Kunsthalle Fridericianum, 5 Sept.-7 Nov. Kassel, Germany. ISBN 978-3-927015-13-5
↑Gabriel Coxhead, “A Dual Perspective”, The Financial Times, 21. Juli 2006
↑Downey, Anthony. Igor & Svetlana Kopystiansky, Flash Art, No. 250, Oktober 2006
↑Stella Santacatterina, “Igor and Svetlana Kopystiansky, A Double Act.” Portfolio, No. 44
↑"What is Contemporary Art?” Curator Dan Cameron. Participating artists: Fischli-Weiss, Katharina Fritsch, Georg Herold, Rebecca Horn, On Kawara, Mike Kelley, Jeff Koons, Igor Kopystiansky, Sherrie Levine, Tatsuo Miyajima, Walter Obholzer, Meret Oppenheim, Perejaume, Haim Steinbach, Bill Taylor, Jeff Wall. Rooseum, Malmö, Sweden. ISBN 978-99910-73-53-8; OCLC 21436173
_Kunsthalle_Duesseldorf_1994.jpg)
