Arte abyecto

Se denomina arte abyecto (también abject art en inglés) a un movimiento artístico centrado sobre todo en el arte corporal (body art), la fotografía y la performance, en que el cuerpo se muestra profanado y mancillado, con referencias a heridas físicas, psíquicas o emocionales, con cierto carácter impúdico y obsceno, a menudo con referencias sexuales o de actos de violencia y un uso frecuente de fluidos corporales (orina, sangre, excrementos) o productos en descomposición. En pintura o escultura, se emplea la figuración, pero generalmente con figuras deformadas, grotescas. Se desarrolló sobre todo entre los años 1980, 1990 y 2000.

Uno de sus referentes teóricos fue Julia Kristeva y su concepto de «abyección» (Poderes de la perversión, 1980), para la que esta forma de expresión mostraba la vulnerabilidad del ser humano. En el arte del siglo XX existieron algunos precedentes, como Francis Bacon, autor de obras donde la figura humana aparecía deformada; Piero Manzoni, autor de Mierda de artista (1961), donde envasó sus propios excrementos en latas de conserva; Vito Acconci, algunas de cuyas performances (como Seedbed, 1972) mostraban actos sexuales; Andy Warhol, cuyas Pinturas oxidadas estaban realizadas con orina; y los accionistas vieneses (Hermann Nitsch, Otto Muehl), autores de acciones transgresoras en las que llegaban a emplear sangre y otros elementos de carácter obsceno. El arte feminista recurrió en ocasiones a la categoría estética de lo abyecto, especialmente en lo relativo a la sangre menstrual (The red flag, 1971, de Judy Chicago; Blood work diary, 1972, de Carolee Schneemann).

Algunos de sus representantes fueron:

• Cindy Sherman, artista que utilizó sobre todo la fotografía como medio de expresión, realizando habitualmente autorretratos en que solía disfrazarse. En series como Cuento de hadas (1985), Desastres (1985) o Imágenes repugnantes (1986-1990), mostró imágenes impactantes de malformaciones, de tabús sexuales o enfermedades como la bulimia y la anorexia, empleando elementos como vómitos, excrementos, basura, sangre menstrual o flujos sexuales. En las series Imágenes de sexo y Horror e imágenes surrealistas (1994-1996) sustituyó su cuerpo por muñecas o prótesis, en escenas de carácter sexual.
• Kiki Smith, escultora que estudió en profundidad el cuerpo humano en todas sus facetas, incluidos actos de violencia.
• Nan Goldin, fotógrafa que retrató la vida a su alrededor de forma cruda y sin censura, especialmente en relación al mundo de la droga, el travestismo y los efectos del SIDA, o como cuando se autorretrató después de haber recibido una paliza por parte de su novio (Nan un mes después de ser maltratada, 1984).
• Robert Gober, autor de esculturas irónicas y sorprendentes de reminiscencias surrealistas y estética kitsch, muchas de ellas basadas en partes de cuerpos humanos (Untitled Leg, 1989-1990).
• Paul McCarthy, autor de performances en las que se embadurnaba de productos como ketchup, mayonesa, mostaza y chocolate, simulando sangre, esperma, sudor y excrementos. También fue habitual en sus obras las connotaciones sexuales y escatológicas, como en Train, Pig Island (2007), donde mostraba a George W. Bush sodomizando unos cerdos; en 2005 realizó una escultura autorretrato donde aparecía tumbado en un colchón medio desnudo de cintura para abajo; y en 2008 expuso en el Museo Paul Klee de Berna un hinchable de tamaño gigante con la forma de unos excrementos.
• Orlan se hizo famosa por sus performances en las que se realizaba intervenciones quirúrgicas, afirmando ser «la primera artista que ha utilizado la cirugía como medio y que ha alterado el propósito de la cirugía estética».
• Jake y Dinos Chapman, hermanos considerados unos de los artistas más polémicos de su tiempo, como por sus esculturas de niños desnudos y deformados, o sus obras sobre la guerra y el Holocausto, aunque siempre con el propósito de reflexionar sobre los males de nuestra sociedad.
• Andres Serrano, famoso por su obra El Cristo del pis (1987), un crucifijo sumergido en un recipiente lleno de orina, obra que levantó una fuerte polémica.

Referencias

Bibliografía

• Bonham-Carter, Charlotte; Hodge, David (2011). Atlas ilustrado del arte contemporáneo. Madrid: Susaeta. ISBN 978-84-677-1629-0. 
• Dempsey, Amy (2002). Estilos, escuelas y movimientos. Barcelona: Blume. ISBN 84-89396-86-8. 
• Graham-Dixon, Andrew et al. (2018). Arte. Londres: DK. ISBN 978-0-2413-8998-0. 
• Guasch, Anna Maria (2000). El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural. Madrid: Alianza. ISBN 84-206-4445-5. 
• Revuelta, Laura (2025). Arte parece, plátano es: 21 claves para entender el arte del siglo XXI. Barcelona: Taurus. ISBN 978-84-306-2736-3.