Una broma musical, K. 522 (en alemán: Ein musikalischer Spaß), también conocida como Divertimento para dos trompas y cuerdas en fa mayor, es una pieza camerística compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart en 1787.
Una broma musical, K. 522 (en alemán: Ein musikalischer Spaß), también conocida como Divertimento para dos trompas y cuerdas en fa mayor, es una pieza camerística compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart en 1787.
La composición de esta obra se desarrolló desde 1785 hasta el 14 de junio de 1787, fecha en la que el maestro vienés la anotó en su Verzeichnis aller meiner Werke (Catálogo de todas mis obras). El compositor empezó escribiendo las distintas partes del primer movimiento entero, junto con la parte del primer violín para el movimiento II y el inicio del III. Es posible que el movimiento I se completara antes de finales de 1786. Algo más tarde finalizó la parte del primer violín del movimiento III, así como las partes que faltaban de los movimientos II y III. En el segundo cuarto de 1787 escribió para el movimiento IV un boceto de 24 compases para el primer violín, que luego descartó y que figura como K. 522a en el Catálogo Köchel publicado en Leipzig en 1969. Es probable que no comenzara a trabajar en el movimiento IV antes de abril de 1787. Mientras terminaba la obra, reescribió por completo la parte del segundo violín del movimiento I, pero sin retirar la página que contenía la versión anterior ni marcarla como inválida.
Sorprendentemente esta fue la primera pieza anotada en su catálogo tras la muerte de su padre Leopold el 28 de mayo de 1787. Durante el verano de 1787 también incluyó en su catálogo Eine kleine Nachtmusik, K. 525, que también es una pieza de estilo divertimento. Para algunos especialistas "el compositor la terminó como un homenaje póstumo a su padre, quien era tan intolerante como él mismo con los torpes compositores de los que vivía rodeado". No obstante, hay musicólogos que han afirmado que "nada tiene que ver con la percepción de Mozart sobre sus contemporáneos, sino que es una versión musical del canto un tanto anárquico (y a veces desafinado) del estornino, un ave a la que Mozart apreciaba particularmente". Para otros teóricos Mozart quizá usó la parodia como excusa para probar cosas que no estaban en práctica en aquella época; entonces, la pieza podría haber sido prevista en un tono más serio que sólo conocía el propio compositor.
La partitura autógrafa se conserva en la actualidad en la Biblioteca Estatal de Berlín dentro de la colección de archivos Preußischer Kulturbesitz (Patrimonio cultural prusiano) bajo la denominación Mus.ms.autogr. Mozart, W. A. 522 y se puede consultar en línea.
La primera edición fue llevada a cabo en 1801 en la ciudad de Offenbach por el editor Johann Anton André, quien publicó las partes separadas con litografía incluida bajo la denominación "Musikalischer spaß für zwei violinen, bratsche, zwei hörner u. baß: geschrieben in wien den 14ten juny 1787; Opus 93". La partitura completa fue publicada en 1881 por Breitkopf & Härtel en Leipzig dentro de la colección Mozarts Werke, Serie X: Märsche und kleinere Stücke für Orchester, No.13.
«Una broma musical» es el título traducido más aceptado y extendido en español, pero se trata de una pobre interpretación del título original en alemán. El término alemán Spaß no connota de una forma clara la intención jocosa, para la cual se suele emplear la palabra Scherz. Una traducción más precisa podría haber sido Alguna diversión musical. La obra Perpetuum mobile: Ein musikalischer Scherz, Op. 257, es una polca de Johann Strauss II que recibe también, y más correctamente, la traducción Una broma musical.
La pieza ha recibido los sobrenombres «Dorfmusikantensextett» («Sexteto de músicos del pueblo») y «Bauernsinfonie» («Sinfonía de los campesinos»), que se empezaron a utilizar tras la muerte de Mozart debido a algunas ediciones impresas del siglo XIX. Estos sobrenombres van dirigidos más a ridiculizar a los intérpretes que a los compositores ineptos.
La partitura está escrita para un sexteto formado por: 2 trompas en fa, 2 violines, 1 viola y 1 bajo (violonchelo).
Mozart denominó la parte de cuerda más grave de la obra como «Basso» en la partitura individual del movimiento I, así como en su catálogo de obras, y como «Bass» en la partitura del movimiento II. Esto no ofrece ninguna indicación sobre si la parte debe ser interpretada por un violonchelo, un contrabajo o ambos juntos. Las tres variantes parecen posibles desde un punto de vista puramente musical, dependiendo también de si las demás cuerdas tocan una sola parte o están dobladas. Al comienzo de la partitura del trío en el movimiento II, así como en los movimientos III y IV, Mozart escribe «Bassi»; esto también podría indicar, siempre que no se interprete como una broma, una duplicación de la parte de bajo. En otras obras similares del maestro vienés el contrabajo era posiblemente la opción más frecuente; entre otras cosas, las razones para ello parecen haber sido el limitado registro grave y la costumbre de interpretar las serenatas y los divertimentos de pie.
La pieza consta de cuatro movimientos:
La interpretación de esta obra dura aproximadamente entre 15 y 20 minutos. La música está intencionadamente escrita para que resultara cómica en el Clasicismo. Se caracteriza por ser una composición inoportunamente tosca, mecánica y monótona, junto con pasajes diseñados para imitar los efectos de una notación imprecisa y una interpretación torpe.
El uso de fraseo asimétrico, escalas de tonos enteros y politonalidad resulta muy extraño en la música del Clasicismo. Sin embargo, esas técnicas fueron más tarde revisitadas por los primeros compositores vanguardistas del siglo XX, como Claude Debussy e Ígor Stravinski, quienes buscaban un nuevo lenguaje musical. En este contexto posterior, estas convenciones fueron vistas como nuevas técnicas legítimas en música seria. Pero en la época de Mozart estos elementos no clásicos confieren a la pieza su carácter de comedia y expresan perfectamente el musical sentido del humor del compositor.
El primer movimiento, Allegro, está escrito en la tonalidad de fa mayor, en compás de 4/4 y sigue la forma sonata. Se caracteriza por una torpe orquestación. El breve tema principal se repite casi de forma idéntica a lo largo de toda la pieza. El fraseo es asimétrico, lo cual es inusual para los cánones del Clasicismo, y hay numerosos errores en las modulaciones, que no puede alcanzar la dominante y eso salta directamente a ello después de algunos intentos fallidos. También son evidentes algunas quintas paralelas. La exposición y desarrollo del segundo tema es muy breve debido a la falta de material temático y a las limitadas habilidades técnicas que podría haber tenido un compositor inepto.
La partitura autógrafa presenta, sólo en este movimiento, dos partes para el segundo violín, que son ligeramente diferentes entre sí. Se desconoce la razón por la que Mozart escribió dos versiones diferentes para el mismo instrumento, de las que ninguna se suprime, ni existe signo alguno que indique su nulidad. Los musicólogos creen que ambas versiones deben considerarse igualmente válidas. Es posible que Mozart tuviera en mente un chiste determinado, del que no sabemos nada, que involucraba al intérprete del segundo violín.
El segundo movimiento, Menuett. Maestoso – Trio, está en fa mayor que en el trío pasa a si bemol mayor y el compás es 3/4. Al igual que el movimiento anterior, está marcado por un incómodo acompañamiento de fanfarria, que se vuelve aún más desagradable por el sonido resonante de las trompas. La indicación de tempo, Maestoso, está claramente fuera de lugar en un minueto. La parte más divertida es el solo de trompa en los compases 16-20, curiosamente indicado como dolce en la partitura. En aquella época la trompa no tenía válvulas y sólo podía producir armónicos naturales. Para superar este límite se fabricaron tubos intercambiables de diversas longitudes que se montaban en el instrumento para poder tocar en diferentes tonalidades. El minueto simula lo que sucedería si un músico inexperto montara accidentalmente un tubo con la longitud incorrecta. El trío, en si bemol mayor, es injustificadamente extenso y está impregnado de virtuosismos fútiles del primer violín, saltos de octava y frases inconclusas.
El tercer movimiento, Adagio cantabile, está en do mayor y en compás alla breve. Se trata de un movimiento lento que debería haber ocupado la segunda posición, en lugar de la tercera, según los cánones compositivos de la Escuela de Mannheim. El comienzo está en una tonalidad "errónea" (la nota fa sostenido del primer compás lleva la obra hacia sol mayor en lugar de seguir en el do mayor de la armadura). El primer violín parece perder el sentido del compás al realizar cantilenas tan largas como banales. En la sección central una serie de modulaciones arrastra al oyente a través de una decena de tonalidades diferentes, todas mal definidas, en el transcurso de muy pocos compases, sin conducir a nada. El interminable solo del violín termina con una extraña escala hexatónica, un pizzicato en la nota sol y un trino, que convencionalmente indica a los demás instrumentistas que la cadenza del solista está a punto de concluir, pero comienza en la nota equivocada y se realiza con un intervalo erróneo.
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El cuarto y último movimiento, Presto, retoma la tonalidad inicial, el compás es 2/4 y sigue la forma rondó-sonata. El Finale se aprecian diversas técnicas compositivas, como una marcha pesada y monótona, algunos pasajes imitativos y una fuga en forma embrionaria, interrumpida por la incapacidad de continuar el contrapunto. A partir del compás 76 aparece también una cita del propio Mozart, que presenta una caricatura de la melodía del Aleluya tomada de su motete Exsultate, jubilate K. 165. Parodiando la confusión de los compositores aficionados, parece olvidar en qué tonalidad está y, mientras los instrumentos se persiguen entre sí transmitiendo la impresión de que una parte va retrasada y está tratando de recuperar terreno. La fuga se basa en un ejercicio de Thomas Attwood, un alumno inglés del compositor. La pieza concluye con una politonalidad tan estridente como cómica y de gran efecto, superponiendo cinco tonalidades diferentes en los acordes finales en un gesto de completo colapso. Se trata de un uso temprano de la politonalidad, que pudo ser previsto para crear la sensación de que los violines están interpretando de una manera extremadamente fuera de melodía, desde que las trompas solas concluyen en la tonalidad de la tónica del movimiento: los violines en registro grave funcionan como si la tónica se hubiese transformado de repente en si bemol mayor, mientras que los violines y violas cambian a sol mayor y mi bemol mayor, respectivamente.
Esta obra ha servido de inspiración a artistas musicales de diversos géneros para crear sus propias versiones. Tanto las adaptaciones como las interpretaciones de la pieza original han sido incluidas en bandas sonoras de películas, programas de televisión, videojuegos, etc.
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Datos: Q1142022