The Brave Little Toaster

Concepção e financiamento

Os direitos cinematográficos de The Brave Little Toaster, a novela original de Thomas M. Disch, foram adquiridos pela Walt Disney Studios em 1982, dois anos após sua publicação na revista The Magazine of Fantasy & Science Fiction. Depois que os animadores John Lasseter e Glen Keane terminaram um curta-metragem de teste em 2D/3D baseado no livro Where the Wild Things Are (1963), Lasseter e o produtor Thomas L. Wilhite decidiram que queriam produzir um longa-metragem completo com a mesma técnica.

A história que escolheram para tal foi The Brave Little Toaster, e este tornou-se o primeiro filme em CGI que Lasseter apresentou, mas, em seu entusiasmo, eles encontraram problemas ao apresentar a ideia a dois executivos de alto nível da Disney: o administrador de animação, Ed Hansen, e o presidente da Disney, Ron Miller. Este último perguntou sobre o custo após a apresentação e, quando Lasseter respondeu que não custaria mais do que um filme de animação tradicional, Miller rejeitou a proposta, dizendo que a única razão para usar computadores seria se fosse "mais rápido ou mais barato".

Poucos minutos após a reunião, Lasseter recebeu um telefonema de Hansen e foi instruído a ir ao seu escritório, onde foi informado de sua demissão. Originalmente planejado para começar nos estúdios Disney com um orçamento de US$ 18 milhões, o desenvolvimento foi então transferido para a recém formada divisão Hyperion Pictures, criada pelos ex-funcionários da Disney Tom Wilhite e Willard Carroll, que assumiram a produção depois que Wilhite solicitou com sucesso o projeto ao então presidente Ron Miller. Como resultado, o filme foi financiado como uma produção independente pela Disney, com a ajuda da empresa de eletrônicos TDK Corporation e da distribuidora de vídeo CBS/Fox Video.

O orçamento programado foi reduzido de US$ 12 milhões para US$ 5,9 milhões quando a produção começou, aproximadamente um terço do orçamento planejado quando a produção ainda estava em fase de desenvolvimento. Apesar de fornecer fundos para tirar o projeto do papel, a Disney não se envolveu na produção do filme. O diretor Jerry Rees comentou mais tarde que havia forças externas em ação que tinham o direito de dizer que este era um filme barato que poderia ser enviado para o exterior, o que a equipe contestou e, portanto, estava disposta a fazer sacrifícios para melhorar a qualidade do filme, apesar do orçamento limitado.

Escrita do roteiro

Em 1986, a Hyperion começou a trabalhar no desenvolvimento da história e dos personagens. Jerry Rees, que foi membro da equipe de dois filmes anteriores da Disney, The Fox and the Hound (1981) e Tron (1982), e co-roteirista do filme com Joe Ranft, foi escolhido para dirigir o projeto. Ele estava trabalhando com Brad Bird em uma adaptação animada de The Spirit, de Will Eisner, e recebeu um telefonema de Wilhite pedindo que ele desenvolvesse, escrevesse e dirigisse o filme, explicando que The Brave Little Toaster estava sendo adaptado para um curta, mas que um longa-metragem era possível se fosse feito corretamente. Ranft e Rees trabalharam no desenvolvimento da história. Os storyboards foram desenhados pela dupla, juntamente com Alex Mann e Darrell Rooney. Quando os animadores ficaram sem páginas para fazer os storyboards, Rees se sentou e escreveu mais do roteiro.

A obra foi significativamente adaptada da história original. Apenas cerca de quatro linhas de diálogo do livro acabaram no filme final. Rees decidiu mover a sequência do ferro-velho do meio da história para o final devido ao simbolismo do ferro-velho como um cemitério de eletrodomésticos. Ele também queria um momento definitivo que garantisse a Torradeira o título de "corajosa", então fez com que ela pulasse nas engrenagens para salvar seu "amo", um ponto da trama que não estava no romance original. Ter as vozes dos personagens em sua cabeça enquanto escrevia o roteiro ajudou Rees a personalizar o diálogo. Ele até retrabalhou parte do roteiro já concluído para personalizar trechos com base nas personalidades dos atores. Depois de montar os storyboards e planejar as cenas em Taipei, o gerente de produção Chuck Richardson explicou as questões logísticas (o filme teria 110 minutos de duração, o que fez Rees optar por cortar cerca de 20 minutos da história).

Seleção de elenco

Rees ainda estava escrevendo o roteiro quando decidiu procurar atores. Muitos candidatos apresentaram vozes caricatas e exageradas, o que o desagradou, pois não acreditavam em seus personagens nem traziam realidade ao papel. Como resultado, ele buscou talentos de voz no grupo de comédia improvisada The Groundlings, por recomendação de Ranft, e apreciou a honestidade e o naturalismo que eles davam às suas performances. Muitos de seus membros, incluindo Jon Lovitz (Rádio), Phil Hartman (Ar-condicionado/Luminária), Tim Stack (Lâmpada) e Mindy Sterling (mãe de Rob), dublaram personagens no filme. Já consagrado como dublador do Tigre Tony e do especial de televisão transmitido pela CBS em 1966 How the Grinch Stole Christmas!, Thurl Ravenscroft foi escalado como Kirby, o aspirador de pó. À frente do elenco estavam a integrante do Groundlings Deanna Oliver, como a Torradeira, e o estreante Timothy E. Day, como o cobertor Blanky.

Oliver fez o teste originalmente para o papel do Ar Condicionado usando uma imitação de Bette Davis, mas aceitou o papel principal quando lhe foi oferecido. Rees, que havia concebido a Torradeira como uma personagem feminina, mais tarde lembrou-se de uma anedota em que um membro da equipe "bateu a porta e saiu" porque ele havia contratado uma mulher para interpretar o papel principal. Day nunca havia trabalhado como ator antes e pediu à mãe que o levasse a testes depois de ficar fascinado com a dublagem de um ator mirim.

Gravação das vozes

As sessões de gravação ocorreram em uma pequena propriedade abandonada em Hollywood. A direção de Rees consistia principalmente em garantir que as performances fossem as mais naturais e realistas possíveis. Durante a gravação, Rees primeiro pedia que cada cena fosse entregue conforme o roteiro e, em seguida, permitia que os dubladores improvisassem com o diálogo, acabando por usar muitas das falas improvisadas no filme final. Algumas das gravações foram feitas em sessões em grupo, um método incomum para a época.

Após ser escalado, Jon Lovitz teve a oportunidade de aparecer no programa Saturday Night Live. Como Rees havia escrito o papel do Rádio especificamente para Lovitz, ele tentou encontrar uma maneira de manter Lovitz no filme. Eles acabaram por fazer uma maratona única de dublagem com o ator, gravando todas as falas de Lovitz de uma só vez em uma noite. Rees então substituiu Lovitz quando os outros estavam gravando.

Rees descreveu Timothy Day como um "ator incrível", que perguntava sobre a motivação de seu personagem e o contexto de cada situação antes de gravar suas falas. Day recebeu o apelido de "Tomada Timmy" por captar a verdade emocional do texto tão rapidamente, como chorar alto ou proferir uma fala com a voz trêmula. Comparando este filme com as sequências, onde uma nota aguda foi dublada por outro cantor por estar desafinada, Oliver observou que neste filme ela teria sido mantida por fazer parte do personagem.

Animação

A equipe trabalhou inicialmente na pré-produção por seis meses em Los Angeles em 1985, e então uma equipe de dez pessoas se mudou para Taiwan com Rees por mais seis meses para trabalhar com a Wang Film Productions Company Limited em Taipé, Taiwan (chefiada por James Wang), para a animação principal,^{[carece de fontes]}? depois retornou para um terceiro período de trabalho de seis meses para a pós-produção nos Estados Unidos. A esposa de Rees, Rebecca, foi a diretora de animação do filme e ministrou aulas para os animadores taiwaneses a fim de melhorar a qualidade de seu trabalho.

Os animadores também contavam com uma mistura de ex-funcionários da Disney e graduados da CalArts. Todos os dias, eles tinham que fazer o que normalmente seria feito em um período de duas semanas na Disney. O estilista de cores era o veterano animador da Disney, Kendall O'Connor, membro do departamento de animação de longas-metragens da Disney desde o primeiro longa animado do estúdio, Branca de Neve e os Sete Anões (1937), enquanto Oliver comparou a sequência alegre da lagoa dos sapos aos desenhos da série Merrie Melodies. Em uma cena do filme na cidade, um enorme letreiro da TDK foi incluído por Rees, já que a empresa era uma grande patrocinadora do projeto. Os animadores usaram muitas pistas visuais para ajudar a informar o público sobre o enredo e os personagens. Por exemplo, durante a sequência do pesadelo no início do filme, a Torradeira queima uma torrada e emite fumaça, o que simboliza culpa e medo de ser responsável.

Eles deduziram que as torradeiras teriam medo de coisas como garfos e de cair na banheira enquanto estivessem ligadas na tomada, então as incluíram nessa sequência. Oliver descreveu a transição das faíscas da banheira para os relâmpagos do lado de fora da casa como "cinema propriamente dito". Da mesma forma, o fato de Blanky ter um certo tom de amarelo tem significado para o enredo. No início da jornada, os outros personagens o ignoram, até mesmo a Torradeira. Então, a Torradeira encontra uma flor da mesma cor, que também quer se aconchegar. Depois de explicar que é apenas um reflexo, ela se afasta, fazendo com que a flor murche. O momento seguinte mostra a Torradeira resgatando Blanky proativamente. A ideia que a flor passa à Torradeira no filme é que suas ações farão com que Blanky "murche" também.

Trilha sonora e som

The Brave Little Toaster
Trilha sonora de David Newman
Lançamento	2004
Gravação	1987
Gênero	Orquestra
Gravadora	Percepto
Cronologia de David Newman
Malone (1987) Throw Momma from the Train (1987)

A trilha sonora de The Brave Little Toaster foi composta e conduzida por David Newman (marcando o primeiro trabalho de Newman em um longa-metragem animado) e interpretada pela Orquestra Filarmônica Novo Japão. A trilha sonora de Newman para este filme foi uma de suas primeiras obras e, aparentemente, uma com a qual ele tinha grande afinidade. Ele não a considerava alegre e decidiu dar ao filme uma trilha sonora dramática para reforçar a natureza séria de muitos dos temas do filme. Rees admirava seu "estilo rico e clássico" e o escolheu para que o filme não tivesse apenas "música de desenho animado". Rees afirmou que Newman tentaria entrar na mente dos personagens e pensava em termos de objetos inanimados como personagens reais.

O diretor também declarou que a trilha sonora de Newman era tão "grandiosa quanto qualquer coisa que ele já tivesse feito", em vez de compor a música de forma diferente devido ao meio ser animação. O músico entrelaçou morte, alegria, amor, perda e luta na obra. O estilo de composição de Newman foi influenciado por sua filosofia de que por trás de cada "acorde de alegria" reside um elemento de tristeza, seja o conhecimento de que não durará para sempre, que é uma fachada para uma emoção mais profunda ou que a própria alegria vem da tristeza. Ele usou cordas exuberantes nas cenas de abertura para transmitir uma sensação de saudade. À medida que os personagens são apresentados, a trilha sonora se torna mais animada e cada personagem tem seu próprio tema, influenciado por sua personalidade. Por exemplo, Kirby é um aspirador de pó velho e rabugento, e por isso Newman fornece um tema composto por acordes graves, enquanto o Rádio recebeu uma fanfarra estridente para refletir sua personalidade presunçosa. Esses motivos musicais se entrelaçaram em toda a trilha sonora do filme.

Em alguns momentos, o estilo da música foi usado para provocar uma resposta emocional. Por exemplo, quando o Ar Condicionado quebra, a orquestra primeiro treme e depois explode em energia; depois disso, a música retorna a um tom sombrio, à medida que os eletrodomésticos começam a perceber que há verdade no que o aparelho disse a eles antes de "sucumbir". Quando eles exploram o mundo exterior pela primeira vez, a música se enche de uma "grandeza pastoral", e quando eles entram na floresta, cordas, flautas, sinos e metais são usados ​​para transmitir a magia e o perigo simultâneos do ambiente externo. O filme também contém uma sequência no estilo da ópera italiana de Busby Berkeley com um peixe. A trilha sonora ganhou um lançamento somente em 2004 de maneira limitada. O filme contém quatro canções originais ("City of Light", "It's a B-Movie", "Cutting Edge" e "Worthless") que foram escritas pelo compositor Van Dyke Parks. Rees "sentia-se desconfortável com a abordagem de musical da Broadway com libreto completo", e sua filosofia era que as canções deveriam fazer parte da ação e do enredo, sem interrupções para um grande número de produção.

Rees queria especificamente que os personagens pudessem começar a cantar quando quisessem, à semelhança dos filmes da Era de Ouro de Hollywood. Depois de escritas, Newman usou as canções em sua própria trilha sonora. Por exemplo, a primeira canção do filme, "City of Light", demonstra a ingenuidade e a apreensão dos personagens e contém um tema que se torna mais complexo à medida que o filme avança. Essa abordagem tornou a trilha sonora mais coesa. "It's a B-Movie" é repleta de humor negro e um órgão de tubos sinistro, enquanto os eletrodomésticos mutantes assustam os personagens principais. A música "Cutting Edge", impulsionada por sintetizadores, mostra os eletrodomésticos de última geração do "amo" se gabando de quão incríveis são ante os antigos. A comovente canção "Worthless" é uma faixa repleta de piano, cordas, guitarra e vocais que são abruptamente interrompidos quando os carros cantantes são destruídos. O clímax da sequência do ferro-velho evoca sentimentos de desespero, perigo, suspense e risco do mundo real. Newman "retoma os temas sutis e variados da partitura durante os créditos finais". Newman escreveu e orquestrou a partitura ao longo de um período de 50 horas, que incluiu embarcar em um voo de 12 horas para o Japão para gravar com a orquestra japonesa no Maeda Hall.

A Orquestra Filarmônica Novo Japão deu à trilha sonora um "som luxuoso" que era impressionante, considerando os recursos limitados disponíveis. Os efeitos sonoros não eram de uma biblioteca, e sim sons foley criados exclusivamente, com vários objetos do mundo real de Los Angeles sendo usados ​​na trilha sonora, como objetos em lojas de antiguidades. Essa técnica foi usada porque Rees queria criar novos personagens com novos sons. Os mixadores de som, incluindo o ex-mixador de estúdio da Disney, Shawn Murphy, que gravou a trilha sonora, perguntaram como fariam seu trabalho, já que o filme era de animação, e Rees explicou que deveriam mixá-lo como qualquer outro filme, em vez de pensar nele como se fosse um desenho animado.

Canções

O letrista Van Dyke Parks escreveu a música e a letra das canções do filme. Na maioria das canções, Beth Anderson, Janice Liebhart e Darryl Phinnessee interpretam as vozes cantadas de vários personagens de fundo, além de também fazerem parte do coro. Além disso, as canções "Tutti Frutti" e "My Mammy" são tocadas pelo personagem Rádio durante o filme.

Em uma crítica para o jornal Orlando Sentinel, Jay Boyar escreveu em outubro de 1989: "As músicas (de Van Dyke Parks) são inteligentes. A melhor de um conjunto muito bom é 'Cutting Edge', uma canção no estilo Talking Heads para crianças, na qual um grupo de dispositivos de alta tecnologia surpreende e assusta a trupe da Torradeira com alguma proeza eletrônica".

As músicas originais apresentadas no filme são:

Estados Unidos

A estreia do filme ocorreu no Wadsworth Theatre em Los Angeles em 10 de julho de 1987. Com a ajuda dos produtores, o filme estreou em vários festivais, incluindo o Los Angeles International Animation Celebration no mesmo ano e o Festival Sundance de Cinema de 1988, marcando a primeira vez que um filme de animação foi exibido neste último e permaneceu o único até Waking Life, de 2001. Embora o prêmio tenha ido para o filme gravado em vídeo Heat and Sunlight, de Rob Nilsson, Rees afirmou que, antes da cerimônia de premiação, os jurados lhe disseram que consideravam The Brave Little Toaster o melhor filme, mas decidiram não premiar um desenho animado por acreditarem que as pessoas não levariam o festival a sério depois disso.

Embora às vezes se pense que o filme não foi lançado nos cinemas americanos por não ter encontrado um distribuidor, na realidade, a distribuidora de filmes de arte Skouras Pictures assumiu os direitos de distribuição para o lançamento nos cinemas e planejava realizar sessões noturnas, observando que o filme era voltado mais para estudantes universitários e jovens adultos do que para crianças. No entanto, a Disney, que havia investido nos direitos de vídeo e televisão, segundo Rees, não queria concorrência, então antecipou a data de estreia na televisão e acabou impedindo que o filme fosse um sucesso financeiro nos cinemas, forçando a Skouras a rescindir o contrato. O filme estreou no canal a cabo estadunidense Disney Channel em 27 de fevereiro de 1988. Para compensar, a Hyperion continuou seu plano de inscrever o filme em vários festivais e conseguiu garantir exibições limitadas em cinemas de arte nos Estados Unidos, como duas semanas no Film Forum de Nova York em maio de 1989 e, brevemente, em Washington, D.C., em março de 1990.

O diretor Rees acredita que a maioria das pessoas descobriu o filme através da exibição no Disney Channel ou por meio de lançamentos em vídeo doméstico. Em julho de 1991, a Walt Disney Home Video lançou o filme em mídia doméstica nos formatos VHS e LaserDisc. Um DVD foi lançado em 2003; como era de costume com a maioria dos lançamentos de baixo orçamento da Disney da época, o DVD apenas "copiou" o lançamento em LaserDisc. The Brave Little Toaster estreou no Disney+ em 25 de maio de 2026, muito tempo depois de suas próprias sequências The Brave Little Toaster to the Rescue (1997) e The Brave Little Toaster Goes to Mars (1998).

Uma transferência não oficial em 4K de uma das cópias em 35mm do filme, autorizada por Jerry Rees e Brian McEntee, foi carregada no YouTube em 13 de julho de 2023.

Internacional

Os direitos das vendas internacionais do filme foram gerenciados pela ITC Entertainment (exceto no Japão, onde a distribuição foi gerenciada pela Disney). A ITC começou a distribuir o filme a partir da feira de negócios de TV ATPE 1991.

No Reino Unido, as fitas VHS foram lançadas pela PolyGram Video (década de 1990) e pela Carlton Video (década de 2000), enquanto na Austrália, a Roadshow Home Video detinha os direitos.

Em setembro de 2003, a Prism Leisure, sob licença da Carlton Communications (então proprietária do catálogo da ITC), lançou o filme em DVD no Reino Unido para comemorar seu 15º aniversário. Este lançamento em DVD, em comparação com a versão americana da Disney, utiliza uma nova remasterização a partir de uma cópia internacional. A licença expirou desde então, mas o disco ainda pode ser encontrado em sites de compras do Reino Unido.

Prêmios e indicações

Sequências

The Brave Little Toaster foi seguido por duas sequências uma década depois: The Brave Little Toaster to the Rescue (1997) e The Brave Little Toaster Goes to Mars (1998), ambas lançadas diretamente em vídeo. Goes to Mars é baseado na sequência original da novela de Disch, enquanto To the Rescue é uma história completamente nova. Embora reunindo a maior parte do elenco e dos produtores, as sequências contaram com um diretor diferente, Robert C. Ramirez, além de novos membros na equipe. Jerry Rees observou que o filme original foi feito por puro amor e não pensado como um filme infantil ou um produto, e que ele tinha ouvido dizer que a nova abordagem era um empreendimento mais comercial. Rees admitiu nunca ter assistido nenhuma das sequências finalizadas.