David Hockney, OM, CH, RA (* 9. Juli1937 in Bradford; † 11. Juni2026 in London) war ein britischerMaler, Grafiker, Bühnenbildner und Fotograf. Er gilt als ein einflussreicher Künstler des 20.Jahrhunderts mit den Genre-Schwerpunkten Landschaftsmalerei und Porträtmalerei. Hockney wird oft als ein führender Vertreter der Pop-Art nahestehender Kunst bezeichnet, verfügt allerdings über ein eigenständiges künstlerisches Profil. Seine Werke erzielen auf Auktionen hohe Preise. So erzielte sein Bild Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (1972) bei einer Versteigerung bei Christie’s am 15. November 2018 einen Verkaufspreis von 90,3 Millionen US-Dollar. Bis 2019 war es das teuerste auf einer Auktion versteigerte Bild eines lebenden Künstlers weltweit.
Leben und Wirken
Herkunft
David Hockney wurde 1937 als viertes von fünf Kindern des Buchhalters Kenneth Hockney und seiner Frau Laura in Bradford, West Yorkshire, England, geboren. Der Vater war Hobbymaler und förderte die künstlerische Begabung des Sohnes, indem Hockney privaten Malunterricht nehmen konnte.
Ausbildung
Nach dem Besuch der Wellington Primary School, der Bradford Grammar School und des Bradford Colleges of Art (1953–1957) schrieb er sich 1959 am Royal College of Art in London ein. 1958 absolvierte er zuvor seinen „National Service“ als Zivildienst im Sanitätswesen. Er studierte am Royal College of Art zusammen mit Ridley Scott und lernte R. B. Kitaj kennen. Während er dort war, sagte Hockney, er fühle sich zu Hause und sei stolz auf seine Arbeit. Am Royal College of Art war Hockney neben Peter Blake in der Ausstellung Young Contemporaries zu sehen, die die Ankunft der britischen Pop-Art ankündigte.
Seine frühen Arbeiten zeigen auch expressionistische und gestische Elemente, die Ähnlichkeiten zu Werken von Francis Bacon aufwiesen. Gelegentlich, wie etwa in We Two Boys Together Clinging (1961), nach einem Gedicht von Walt Whitman, noch entstanden in seiner Studentenzeit am Royal College of Art, stellt er homosexuelle Szenen dar. Das abstrahierte Gemälde (heute im Art Council of Great Britain) mit dem liebenden männlichen Paar versah Hockney mit Zahlen und Codes, mit denen er seine Liebhaber identifizierte. Zu dieser Zeit war Homosexualität in Großbritannien noch strafbar. 1961 traf er John Kasmin, der das Talent erkannte und sein Verleger und Galerist wurde.
Als das College ankündigte, dass er seinen Abschluss nicht machen könne, wenn er 1962 nicht eine Lebenszeichnung eines weiblichen Modells fertigstellen würde, malte Hockney aus Protest das Bild Life Painting for a Diploma (1962). Das Bild zeigt homoerotische Signale. Er weigerte sich zudem, einen für die Abschlussprüfung erforderlichen Aufsatz zu verfassen, und kommentierte dazu, er solle nur nach seinen Kunstwerken beurteilt werden. In Anerkennung seines Talents und seines wachsenden Ansehens änderte das College die Vorschriften und verlieh ihm das Diplom 1962.
Lehrtätigkeiten
Nach dem Studienabschluss besuchte er Italien, München und Berlin. Nach dem Urlaub unterrichtete er am Maidstone College of Art, Kent (1962), an der University of Iowa (1964), an der University of Colorado in Boulder (1965), an der University of California in Los Angeles und Berkley (1966–1967) und der Hochschule für bildende Künste in Hamburg (1969). Im Jahre 1963 besuchte er Ägypten im Auftrag der Sunday Times (die die Zeichnungen nie veröffentlichte) und er stellte erstmals in einer Alleinausstellung bei der Kasmin’s Gallery in New York aus. Sie war ausverkauft und Hockney gab die Lehrtätigkeit auf, weil er feststellte, dass er als Künstler wesentlich mehr verdienen konnte.
Kunstschaffender
Frühwerke und Reisen
Im Jahre 1964 ließ sich Hockney in Kalifornien nieder und malte eine Serie von Ölgemälden von Swimmingpools in Los Angeles. Diese haben einen realistischeren Stil und verwenden leuchtende Acryl-Farben, die damals noch recht neu in der Malerei waren. Es entstanden beispielsweise Peter getting out of Nick’s Pool (1966) oder A Bigger Splash (1967): Über A Bigger Splash sagte Hockney, dass es ein kleines Format gegeben habe und dieses heiße Bigger, weil es größer im Format sei. Es soll eine Szene zur Mittagsstunde zeigen, und, so Hockney, „allein für den Wasserspritzer brauchte ich zwei Wochen“. In dieser Phase abstrahiert Hockney souverän eine banale Alltagswelt und inszeniert sie sinnbildhaft oder metaphorisch.
Er fertigte auch Drucke, Porträts von Freunden und Bühnenbilder für Glyndebourne, die Mailänder Scala und die Metropolitan Opera in New York City für die Genres Oper, Operette und Ballet. Hockney lebte in den späten 1960er bis 1970er Jahren zwischen Los Angeles, London und Paris. Er reiste ab 1964 auch viel: Iowa, Rocky Mountains oder Beirut, und ab 1971, wie er in seiner Biografie schreibt, auch global, z.B. nach Marokko, Frankreich, Japan und Südost-Asien. 1976 bereiste er Australien und die Südsee.
Ab 1976 veröffentlichte Hockney mit der Mappe Twenty Photographic Pictures erste fotografische Arbeiten. Zunächst verwendete er Polaroids und später 35-mm-Farbfilm, der konventionell entwickelt wurde. Hockney verwendete Polaroid-Schnappschüsse oder Fotolabor-Abzüge eines einzelnen Motivs und arrangierte ein Polagrafie-Patchwork im Sinne der Panografie, um ein zusammengesetztes Bild zu erhalten. Seine Pictures setzte er aus zuweilen über 100 einzelnen Fotografien zu einer Fotocollage zusammen. Weil diese Fotos aus verschiedenen Perspektiven und zu etwas unterschiedlichen Zeiten aufgenommen wurden, erinnert das Ergebnis an kubistische Gemälde. Eines der Hauptziele Hockneys war die Erforschung der Funktionsweise des menschlichen Sehens und Fragen der Wahrnehmung. Einige dieser Werke stellen Landschaften dar, andere sind Porträts. Beispiele dieser Schaffensphase sind Landschaften, wie Pearblossom Highway,Sun on the Pool oder Place Fürstenberg, Paris, 7., 8., 9. August 1985 oder Porträts wie David Graves Pembroke Studios London Tuesday 27th April 1982, Schwestern Imogen und Hermiane Cornwall-Jones, Mother I, My Mother, Bolton Abbey oder Kasmin.
Rückkehr zur realistischen Malerei
Ab 1984 wandte sich Hockney nach einer Pause von vier Jahren wieder der Malerei zu. Man kann von einem Stilwandel sprechen, denn seine Kompositionen wiesen nun Einflüsse von Henri Matisse und Pablo Picasso auf. Gleichzeitig schuf er mit den neuen technischen Möglichkeiten die Home Made Prints, Bilder aus dem Farbkopierer, und übertrug Bilder mit Faxgeräten. Ab 1985 fertigt Hockney vermehrt auch Lithografien an, oft großformatig. Sie wurden im Sommer 1985 in Kasmin’s Gallery in London auf einer Ausstellung mit dem Titel Wider Perspectives are needed now gezeigt. Große Formate, oft Landschaftsmotive, werden nun zu einem Grundthema Hockneys.
Hockney kombiniert auch Malerei und Fotografie auf kreative Weise: 1982 nahm Hockney seine Serie von Fotografien des Grand Canyon auf, die er zu einer Collage zusammenfügte. Diesmal aber von einem Standort aus. Es entstand eine großflächige Foto-Collage von 60 Einzelfotos Grand Canyon looking North II, September 1982. Im Jahr 1986 kehrte er an den Aufnahmeort zurück, fotografierte erneut dort. Nach diesen Vorlagen malte er dann 1997–1998 die 60 einzelnen Ölbilder unter dem Titel A bigger Grand Canyon im Format 744,2 × 207 cm.
Ab den 1990er Jahren war Hockney vermehrt in seiner Heimat Yorkshire, um bei seinen älter werdenden Eltern zu sein. Im Jahre 1999 starb seine Mutter. Seine Aufenthalte seien für ihn auch eine Inspiration in Yorkshire zu malen, einer Landschaft, die er als abwechslungsreich für eine englische Grafschaft bezeichnet. Hier entstand auch eine neue Idee, die der Plein Air Malerei unter freiem Himmel: die Idee des Künstlers als Teil der Natur. Dabei entstehen großflächige, farbenreiche Bilder, die Wälder, Landschaft, Holzstapel oder Heuhaufen zeigen. Technisch entstehen sie durch eine Segmentierung der Flächen nach dem Ansatz von Grand Canyon, allerdings Plein Air und nicht im Atelier. Sie erinnern an den Landschaftsmaler Roger de Grey.
Für die Wiener Staatsoper gestaltete er 2012 ein Großbild (176m²), welches in der Spielzeit 2012/2013 im Rahmen der von dem Wiener Kunstverein museum in progress konzipierten Ausstellungsreihe Eiserner Vorhang gezeigt wurde.
Im Jahre 2012 soll es anlässlich einer Hockney-Ausstellung der Royal Academy vom 21. Januar bis 9. April 2012 eine Werbung gegeben haben, in der es hieß: „Alle hier ausgestellten Werke wurden vom Künstler persönlich geschaffen“. Dieser Hinweis, den Hockney in einem Interview mit der Programmzeitschrift Radio Times bestätigte, sollte ein Seitenhieb auf seinen Kollegen Damien Hirst sein. Hockney kritisierte damit, dass Hirst Assistenten beschäftigt für die Produktion seiner Kunstwerke: „Das ist eine Beleidigung für jeden Handwerker … In der Kunsthochschule habe ich immer darauf hingewiesen, dass man zwar Handwerk unterrichten kann, aber nicht Poesie. Aber heutzutage versuchen sie, Poesie ohne Handwerk zu unterrichten.“
Im Oktober 2016 begleitete er Paul McCartney bei einem Auftritt im kleinen Club Pappy & Harriet’s Pioneertown Palace in Pioneertown und fertigte dabei Skizzen auf seinem iPad an.
Privatleben
Im Jahr 1960 bekannte sich Hockney öffentlich zu seiner Homosexualität, welche er in seiner Porträtmalerei untersucht. Seine zahlreichen Reisen unternahm er bisweilen auch mit seinen Freunden.
Hockney schwamm gerne, nach seiner Auskunft, möglichst jeden Morgen. Er war Dackelliebhaber und hatte zwei Dackel, Stanley und Boogie, die er als seine besten Freunde bezeichnete und auch porträtierte. Er war bekannt für seinen farbenfrohen, exzentrischen Kleidungsstil und seine runde Brille. Hockney, der seit Jahrzehnten immer schwerhöriger wurde, trug seit 1979 Hörgeräte. Hockney hatte synästhetische Assoziationen zwischen Klangfarbe und Klangform.
Hockney war als passionierter Raucher ein vehementer Kritiker der weltweit eingeführten Rauchverbote. Er begründete das unter anderem damit, dass dies nur der Pharmaindustrie diene, die damit Produkte wie Prozac ungehindert verbreiten könne. Er besaß eine California Medical Marijuana Verification Card, mit der er Cannabis für medizinische Zwecke kaufen durfte.
Im Juni 2026 starb Hockney im Alter von 88 Jahren.
BMW-Auftragsarbeit eines BMW 850 CSi, BMW Art Car 1995
Gesamtwerk
Das Œuvre Hockneys ist sehr vielschichtig und durchlief zahlreiche Werkperioden. Er wechselte häufig zwischen realistischer oder stilisierender Darstellung. Auch bei der Wahl der Objekte ist seine Kunst vielschichtig: Porträts, Selbstporträts, Tiere, Landschaften, Stillleben in Gemälden, Lithografien, Zeichnungen oder Aquarelle, dazu analoge und digitale Fotos, iPad-Drucke, 3D-Fotografien und vor allem Fotocollagen von Polaroidfotos, die einen sehr spezifischen Stil Hockneys aufzeigen. Die Palette reicht bis zu Bühnenbildern, Autolackierungen und Kunstwerken mit Fax- oder Multimedia-Medien. Alleine diese Vielfalt der Medien lässt eine Begeisterung Hockneys für Technologie erkennen.
Hockneys Gesamtwerk unterscheidet sich deutlich von anderen Vertretern der Pop-Art. Er ist wesentlich privater, beschäftigt sich mit Objekten aus seinem persönlichen Umfeld. Häufig bildet er in seinen Kompositionen Personen ab, mit denen er ein persönliches Erlebnis verbindet, seine Freunde oder reale Schauplätze. Er reflektiert den zivilisatorischen Prozess nur indirekt.
Bemerkenswert sind auch seine Porträts von zwei Personen: Er versuchte, deren Beziehung untereinander oder zur Welt zu thematisieren. Es gibt auch einen typischen Arbeitsstil, wie Hockney sich dem fertigen Bild näherte: Wie bei anderen Künstlern entstanden zunächst Skizzen. Häufig fotografierte er auch Motive, als Polaroid oder auf Film, die er dann in Malerei „übersetzte“. Die Fotografie als Werkzeug in der Entstehungsphase war Teil seiner Methodik.
Typisch für Hockney sind sehr kräftige Farben. Hockney entwickelte im reifen Werk auch eine Vorliebe für das Zeichnen „en plein air“, also der Künstler als Teil der Landschaft.
„Mich interessiert: die Abbildung der Welt. Die Frage, die mich beschäftigt, lautet: Wie sieht die Welt aus? Deshalb bin ich auch so von der Fotografie fasziniert.“
– David Hockney (2012)
„Nun stehen wir am Anfang einer neuen Epoche: Jeder kann Bilder herstellen, verteilen und vermarkten. Ich verfolge diese Entwicklung mit großer Freude und Aufmerksamkeit.“
– David Hockney (2012)
„Keep being driven. Man braucht nicht immer talentiert zu sein, man muss aber getrieben sein. Ich bin getrieben. Ich arbeite immer.“
Anders als zu seinen Studienzeiten sprach oder schrieb Hockney gerne über Kunst. So verfasste er 1985 ein 41-seitiges Essay für die französische Vogue. Daneben schrieb er zahlreiche Bücher über seine Kunst. Hockney gab selten Interviews, und wenn doch, so waren sie stets Sternstunden. Bisweilen erläuterte er sein Werk und seine Sicht auf Kunst im Rahmen von Ausstellungen, vorgefertigt als Videoinstallation.
Werkphasen
Hockneys Werk ist gekennzeichnet von Perioden, in denen er sich auf bestimmte, wiederkehrende Objekte, Sujets oder Techniken konzentrierte. Die Phasen sind fließend, während er eine Phase experimentell einleitet, arbeitete er noch in der vorhergehenden Phase, weshalb sich die Schaffensperioden überlappen.
Wenn man versucht, diese Phasen zu ordnen, so ergeben sich folgende Werkeinteilungen:
Frühphase (1955–1962): In dieser experimentellen Phase erprobt Hockney seine Vielfältigkeit, vor allem während der Zeit am Royal College of Art.
Orientierungsphase (1962–1963): Hockney nimmt Tätigkeiten als Lehrer wahr und macht seine ersten Einzelausstellungen. Seine Bilder sind überwiegend einem Symbolismus zugewandt und sind voller Metaphern: Manche wie The Sphinx (1963) erinnern an Salvador Dalí.
Californication (1963–1967): In dieser Phase sieht man homoerotische oder symbolische Bilder, die zunehmend Motive Kaliforniens zeigen (Swimming-Pools, Palmen, Wasser). Durch A Bigger Splash (1967) erhält er Aufmerksamkeit in der Kunstwelt.
Porträtphase (1967–1979): Es entstehen zahlreiche Porträts, aber auch Stillleben voller Symbolik. Die Porträts wirken im Wesentlichen wie Stillleben.
Fotoexperimentelle Phase (1970–1986): Neben die Malerei tritt nun die Fotografie als Ausdruckstechnik. Zumeist in der Form der Fotocollage von Polariodfotos als Panografien. Es entstehen auch gemalte Landschaftsmotive und wiederum Verknüpfungen von Landschaftsmotiven und Fotografie, wie in Pearblossom Highway (Second Version) (1986).
Reife Phase (1984–1998): Hockney malt ab 1984 wieder verstärkt, zunächst Porträts, Bilder des Kubismus und Symbolismus in kräftigen Farben. Er wendet sich sehr stark dem Thema Landschaft und Natur zu. Das Projekt Grand Canyon ist typisch für die langfristige Auseinandersetzung Hockneys mit einem Thema: 1982 und 1986 fotografierte er mit einer Kamera mit einem 35mm-Objektiv den Grand Canyon, um aus diesen Vorlagen 1997–1998 A Bigger Grand Canyon als großflächiges Gemälde zu schaffen.
Pleinair-Malerei (ab 1991): Hockney malt ab 1991 weiter intensiv. Er malt draußen in der Landschaft (en plein air) von Yorkshire, seiner Heimat. Die Bilder sind meist großflächig, farbenreich und entstehen technisch durch eine Segmentierung der Flächen nach dem Ansatz von Grand Canyon. Es bestehen Analogien zu Werken von van Gogh, den Hockney gerne zitiert.
The Massacre and the Problem of Depiction, after Picasso, 2003 (2003), Aquarell, David Hockney Foundation
Woldgate Woods, 6 & 9 November 2006 (2006), Öl auf 6 Leinwänden,
Bigger Trees Near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique (2007), Öl auf 50 Leinwänden, 460 × 1.220 cm, Tate Gallery, London
Three Trees near Thixendale, Summer, Autumn, Winter (2007/2008), Öl auf 4 Leinwänden
The Big Hawthorne (2008), Öl auf 9 Leinwänden, 274,3 × 365,8 cm
More Felled Trees on Woldgate (2008), Öl auf 2 Leinwänden
The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire in 2011 (twenty eleven) (2011), Öl auf 32 Leinwänden, Société des Amis du Musée National d’Art Moderne, Centre George Pompidou, Paris
The Queen's Window, Westminster Abbey, nördliches Querschiff, 2018
A Year in Normandie (2020/21), iPad-Gemälde, 1 × 90,75 m
Viele seiner Werke finden sich heute in der alten Textilfabrik Salts Mill in Saltaire in der Nähe seines Heimatortes Bradford. Die David Hockney Foundation gründete Hockney 2008, sowohl in Großbritannien als auch in den USA. Im Jahr 2012 übertrug Hockney einen großen Teil seiner Werke an die Stiftung und spendete zudem einen hohen Geldbetrag als Stiftungskapital. Der Auftrag der Stiftung besteht darin, die Wertschätzung und das Verständnis der visuellen Kunst und Kultur durch die Ausstellung, Erhaltung und Veröffentlichung von David Hockneys Werken zu fördern.
Die Stiftung besitzt über 8.000 Werke, darunter Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle, vollständig aufbereitete Drucke, Bühnenbilder, Filme mit mehreren Kameras und andere Medien. Sie verwaltet auch 203 Skizzenbücher und Hockneys persönliche Fotoalben aus den Jahren 1961 bis 1990. Die Stiftung organisiert verschiedene Leihgaben an Museen und Ausstellungen auf der ganzen Welt.
Permanente Ausstellungen
Seine Arbeiten befinden sich in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen weltweit, darunter:
David Hockney nutzte seine Bekanntheit gerne zu Kommentaren. So äußerte er sich zu sehr unterschiedlichen Themen wie folgt:
Über Gerhard Richter: „Ich kann einfach keine Tiefgründigkeit erkennen. Er macht immer das nächste Tschanktschank mit der Rakel, das ist schon okay, aber ich sehe nicht, was da groß dran sein soll.“
Über Umweltzerstörung: „Manchmal werde ich ganz depressiv, wenn ich daran denke, was wir Menschen dem Planeten antun. Menschen sind sehr zerstörerisch. Kein Wunder, daß die Natur da zurückschlägt.“
Über die Fotografie: „Ja, ich glaube, die Fotografie stirbt langsam. Auch sie hat ihre Zeit gehabt und wendet sich längst wieder der Malerei zu, wo sie einst hergekommen ist.“ und „Die Fotografie war nichts anderes als das ultimative Renaissance-Bild. Es ist die mechanische Formulierung der Perspektive-Theorien der Renaissance. Ich bin fast besessen von dieser Idee, von diesem Irrtum der Moderne. Nicht die Fotografie wird überleben, sondern die Malerei. Sie ist die Avantgarde.“
Über das Rauchen: „Man wird verfolgt als Raucher. Ich rauche gern. Eigentlich ständig. Rauchen ist gut für die Augen, das hat schon Balthus gesagt.“
Über Malsitzungen: „Für Lucian Freud saß ich 120 Stunden lang still! Ich wusste, dass er lange brauchte, weil er immer gern tratschte. Ich selbst spreche nie beim Malen.“
Über Jeff Koons: „… ein furchtbarer Maler. Furchtbarer Maler. Die Skulpturen sind was anderes“
Über Cannabis: „Warum ist das Zeug illegal? Ich nehme an, dahinter steckt vor allem die Alkohol-Lobby. Alkohol hat Freunde von mir zerstört und getötet, aber ich habe nie jemanden getroffen, dem Weed geschadet hätte.“
Über die Welt: „Ich liebe es, mir die Welt anzusehen. Es hat mich schon immer interessiert, wie wir sehen und was wir sehen. Die Welt ist aufregend, auch wenn man das von vielen Bildern nicht behaupten kann.“
Über Gott: „Meine Schwester erklärte mir einmal: Gott ist der Raum um uns herum.“
Über das Lachen: „Ein befreundeter Arzt hat mir das Lachen empfohlen. Er sagt: Ein Körper, der lacht, kann, während er lacht, keine Angst empfinden. Ein Moment der Erholung.“
Über kalifornischen Regen: „Er regnet in den Regenzeiten, im Dezember, Januar, Februar. Der Regen fällt sehr gerade vom Himmel herunter, weil es in Kalifornien kaum Wind gibt, es regnet wirklich wie in dem Musical Singin’ in the Rain. Der Regen fällt in Kalifornien wie an Fäden gezogen, während er in England eher schräg einfällt.“
Über Yorkshire: „Es gibt Berge, Moore, Felder. Es ist abwechslungsreich für eine englische Grafschaft.“
Über Pop: „Pop war doch wunderbar. Aber ich muss sagen, dass mich dieser Begriff nie sehr interessiert hat. Pop ist mir egal.“
Über die klassische französische Moderne: „Die französische Moderne ist Pop, da kommt doch alles her. Lichtenstein ist von Fernand Léger beeinflusst. (…) Ich fühle mich noch immer jung, wenn ich diese Bilder anschaue. Man kann eigentlich nicht sterben, solange man diese Bilder betrachtet.“
Über Musik: „Ich habe Musik immer gemocht, aber ich bin nicht sicher, ob meine Musikalität besonders ausgeprägt ist. Dabei habe ich eine ehrgeizige musikalische Ausbildung genossen, ich bin mit dem Hallé-Orchester aus Manchester aufgewachsen.“
Über Bühnenbilder: „Meine Regel Nummer eins beim Bühnenbildentwerfen lautet: Die Bühne muss der Musik dienen, nicht andersherum.“
Über Perspektiven: „Der Grand Canyon fasziniert mich, weil es dort keine Perspektive gibt. Der Betrachter muss viele Blicke werfen, das Ganze in den Blick nehmen.“
Über Farben: „Wir alle sehen Farben unterschiedlich, nicht wahr? Farben werden wesentlich subjektiver wahrgenommen als Formen. Wie heißt Matisses berühmter Ausspruch? Zwei Kilo Blau sind blauer als ein Kilo Blau. Sehr tiefsinnig.“
Über iPad-Kunst: „Man kann ganz wundervoll darauf malen. Und man kann den Entstehungsprozess des Gemäldes als Film abspielen.“
Über Geschichte: „Für 500 Jahre war die Kirche der bestimmende Lieferant von Bildern. Und sie hatte die soziale Kontrolle. Im 19. Jahrhundert ging der Kirche diese Kontrolle verloren. Im 20. Jahrhundert ging die soziale Kontrolle von Fotos und Filmen aus. Nun stehen wir am Anfang einer neuen Epoche: Jeder kann Bilder herstellen, verteilen und vermarkten. Ich verfolge diese Entwicklung mit großer Freude und Aufmerksamkeit.“
Über sein eigenes Talent: „Ich male gute Porträts! Ich gebe mir hier erneut: 7,5. Picasso setze ich auf zehn.“
Über Hedonisten: „Kein Künstler kann Hedonist sein. Ich bin ein Arbeiter. Aber ich bewundere Hedonisten.“
Literarisches Werk
1994: David Hockney (Hrsg.: Nikos Stangos): Die Welt in meinen Augen, (Autobiografie 1973–1992), VGS Verlag, Köln, ISBN 3-8025-1273-1.
2001: Geheimes Wissen. Verlorene Techniken der Alten Meister wieder entdeckt von David Hockney. Knesebeck, ISBN 3-89660-092-3.
Rezeption
Wertung
Von der Kunstkritik wurde Hockney bereits sehr früh zu einem großen Künstler erklärt. Im Wesentlichen unter dem Etikett der Pop-Art, als Stil der Zeit, feierte man ihn als herausragenden und talentierten Künstler. Für seine Kritiker gilt er allerdings auch als leicht, gefällig, einfach und bisweilen nur schön. Kritiker nannten Hockney einst „Cole Porter der Malerei“ oder gar den „Cliff Richard der Malerei“. Der Kurator Stephan Diederich (Hockney-Werkschau 2012-2013 im Museum Ludwig, Köln) charakterisierte Hockney wie folgt: „Oberflächlichkeit durch das Vermögen zur Abstraktion, Unbekümmertheit durch Souveränität und Megalomanie durch den Wunsch, kleinste Details wie auch das große Ganze im Blick zu haben.“
Faktisch war Hockney stets Avantgarde, was man belegen kann mit den unterschiedlichen Techniken und Medien, die er anwandte. Vor allem widerstand er dem Zeitgeist abstrakter Kunst und malte figurativ. Die Preise, die seine Arbeiten bei Auktionen erzielen, sprechen für die Anerkennung seines Schaffens.
Auszeichnungen und Preise (Auswahl)
Life Drawing Prize des Royal College of Art (1962)
David Hockney, Hans Werner Holzwarth et al.: David Hockney. A Chronology. 40th Anniversary Edition Werksrückschau, Taschen, Köln, 2020, ISBN 978-3-8365-8249-0.
David Hockney, Hans Werner Holzwarth et al.: David Hockney. A Bigger Book. Werksrückschau im SUMO-Format, Taschen, Köln, 2016, ISBN 978-3-8365-0787-5.
David Hockney, A Bigger Picture. Katalogbuch zur Ausstellung in London, Royal Academy of Arts, 21. Januar bis 9. April 2012 und Museum Ludwig, Köln, 27. Oktober bis 4. Februar 2013. Hirmer, München 2012, ISBN 978-3-7774-6061-1
David Hockney: A Yorkshire Sketchbook, Royal Academy of Arts, 2011, ISBN 978-1-907533-23-5.
Gero von Boehm: David Hockney. 20. Juni 1996. Interview in: Begegnungen. Menschenbilder aus drei Jahrzehnten. Collection Rolf Heyne, München 2012, ISBN 978-3-89910-443-1, S. 266–271.
Martin Gayford: A Bigger Message. Gespräche mit David Hockney. Piet Meyer Verlag, Bern 2012, ISBN 978-3-905799-11-8.
Paul Melia, Ulrich Luckhardt: David Hockney, Prestel, München, 2011, ISBN 978-3-7913-3718-0 (englisch).
Burkhard Kling (Hrsg.): David Hockney. Sechs Märchen der Brüder Grimm. Six Fairy Tales from the Brothers Grimm. 39 Radierungen. Jonas Verlag, Marburg 2009, ISBN 978-3-89445-399-2.
Lawrence Weschler: True to Life. Twenty-Five Years of Conversations with David Hockney. University of California Press, Berkeley 2008 (englisch).
David Hockney: Die Monografie, Knesebeck, München, 2004, ISBN 3-89660-240-3.
Paul Joyce, David Hockney: Hockney on Art – Conversations with Paul Joyce, Little Brown Book, London, 1999, ISBN 978-1-4087-0157-7 (englisch).
Lawrence Weschler: David Hockney: Camera Works. Verlag Kindler, München 1984, ISBN 3-463-00888-2. (Das fotografische Werk Hockneys, Texte in deutscher Sprache).
David Hockney, Cécile Debray, Marco Livingstone, C. Sylvia Weber: David Hockney – A Year in Normandie & David Hockney im Dialog mit Werken der Sammlung Würth. Swiridoff, 2023, ISBN 978-3-89929-436-1.
Hockney at the Tate. Britischer Dokumentarfilm von Alan Benson aus dem Jahr 1988, 52 Minuten, erschienen bei Arthaus Musik GmbH 2007, ISBN 978-3-939873-14-3.
A Bigger Picture. Britischer Dokumentarfilm von Bruno Wollheim aus dem Jahr 2009, 60 Minuten (O.m.U.).
David Hockney at the Royal Academy of Arts. Britischer Dokumentarfilm von Phil Grabsky aus dem Jahr 2017, 85 Minuten (O.m.U.).
Musik
Der deutsche Komponist Moritz Eggert schrieb im Jahre 2007 das Werk Number Nine VII: A Bigger Splash für Altsaxophon, Jazz-Bass und Orchester, mit direktem Bezug auf Hockneys berühmtestes Bild.
↑Vgl. Natias Neutert: Wo sind wir, wenn wir im Bilde sind? Über Differenziale der Einbildungskraft. 1. Auflage. Lilienstaub & Schmidt, Berlin 2014, ISBN 978-3-945003-98-5, S. 44, 45.
↑Paul McCartney: The Lyrics: 1956 to Present. W. W. Norton & Company, New York 2021; deutsch: Lyrics. 1956 bis heute. Hrsg. mit einer Einleitung von Paul Muldoon. Aus dem Englischen übersetzt von Conny Lösche. C. H. Beck, München 2021, ISBN 978-3-406-77650-2, S. 308.
↑Elke Linda Buchholz:David Hockney in der Berliner Gemäldegalerie: Kronen von Yorkshire. In: Der Tagesspiegel Online. (tagesspiegel.de[abgerufen am 29.Januar 2024]).
↑Simon Hattenstone:David Hockney: ‘Just because I’m cheeky, doesn’t mean I’m not serious’. In: The Guardian. 9.Mai 2015, ISSN0261-3077 (theguardian.com[abgerufen am 19.Januar 2020]).
↑Académicien décédé: David Hockney.Académie royale des Sciences, des Lettres et des Beaux-Arts de Belgique,abgerufen am 25.September 2023(französisch).
↑David Hockney, R.A. in der Datenbank der Royal Academy of Arts, abgerufen am 22. Mai 2013 (englisch).
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