Arte balinese

L'arte balinese è una forma di espressione artistica di origine indo-giavanese, sviluppatasi a partire dall'attività degli artigiani del Regno di Majapahit in seguito all'espansione di quest'ultimo a Bali alla fine del XIV secolo.

Tra il XVI e il XX secolo, il villaggio di Kamasan, nel territorio di Klungkung, nella parte orientale di Bali, costituì il principale centro dell'arte balinese classica. Nel corso della prima metà del XX secolo si svilupparono nuove forme e correnti artistiche. Dalla seconda metà del XX secolo, Ubud e i villaggi circostanti acquisirono progressivamente una posizione centrale nella produzione e nella diffusione dell'arte balinese.

La produzione artistica tradizionale è fortemente associata a specifiche località dell'isola. Ubud e Batuan sono note soprattutto per la pittura, Mas per l'intaglio e la scultura lignea, Celuk per la lavorazione dell'oro e dell'argento e Batubulan per la lavorazione della pietra.

Lo studioso Miguel Covarrubias descrisse l'arte balinese come una forma di arte popolare barocca altamente sviluppata, caratterizzata dalla combinazione tra la vivacità dell'arte contadina e la raffinatezza del classicismo dell'arte induista di Giava. Secondo questa interpretazione, l'arte balinese si distingue inoltre per una maggiore libertà rispetto agli orientamenti conservatori della tradizione giavanese e per una particolare vitalità associata all'esuberanza delle culture tropicali.

Come osservato da Fred B. Eiseman (studioso della cultura balinese), l'arte balinese comprende prevalentemente oggetti intagliati, dipinti, tessuti o realizzati attraverso diverse tecniche artigianali, spesso destinati all'uso quotidiano o rituale piuttosto che concepiti esclusivamente come opere d'arte autonome.

La pittura balinese è caratterizzata da uno stile particolarmente elaborato e dinamico, nel quale la complessità dei dettagli si combina con una notevole raffinatezza formale. Le sue caratteristiche sono state associate alla tradizione dell'arte popolare barocca, reinterpretata attraverso temi, motivi e soggetti legati alla cultura e all'ambiente tropicale di Bali.

Storia recente

Prima degli anni 1920, la pittura tradizionale balinese era rappresentata prevalentemente dallo stile Kamasan, noto anche come stile Wayang. Si trattava principalmente di rappresentazioni visive di racconti e narrazioni, in particolare degli epos induisti-giavanesi Ramayana e Mahabharata, oltre a diverse tradizioni narrative locali, tra cui il Malat, incentrato sulle vicende di Panji, e la storia di Brayut.

Le rappresentazioni, realizzate generalmente su supporti bidimensionali, venivano dipinte tradizionalmente su tela o carta ricavata dalla corteccia, come la carta ulataga o daluwang, e talvolta direttamente sul legno. I pigmenti erano ottenuti prevalentemente da materiali naturali disponibili localmente: il rosso da rocce vulcaniche, l'ocra da terre minerali, il blu dall'indaco e il nero dalla fuliggine. La rappresentazione delle figure e degli elementi ornamentali era soggetta a regole codificate, poiché molte di queste opere erano destinate a funzioni religiose e rituali, tra cui la decorazione dei templi. La produzione era spesso collettiva e le opere risultavano pertanto generalmente prive di attribuzione individuale.

A partire dalla fine del XIX secolo, gli artisti balinesi iniziarono a sperimentare nuove forme e tecniche artistiche. Questo processo fu favorito dalla disponibilità di nuovi materiali, tra cui la carta di produzione occidentale e gli inchiostri e colori importati. A partire dagli anni 1930, inoltre, lo sviluppo del turismo contribuì alla nascita di nuovi mercati artistici e incoraggiò un numero crescente di giovani artisti balinesi a sperimentare forme espressive differenti da quelle della tradizione.

Negli anni 1920, l'arrivo di numerosi artisti occidentali contribuì a trasformare Bali in un importante centro di attrazione per artisti d'avanguardia e intellettuali stranieri. Tra questi figuravano il tedesco Walter Spies, l'olandese Rudolf Bonnet, il belga Adrien-Jean Le Mayeur, l'olandese Arie Smit, lo svizzero Theo Meier e, in epoca successiva, l'australiano Donald Friend. L'influenza diretta di questi artisti sulla produzione balinese rimase tuttavia relativamente limitata fino al periodo successivo alla seconda guerra mondiale. La loro presenza contribuì soprattutto a favorire l'introduzione di nuovi approcci tecnici e a incoraggiare la sperimentazione.

Durante la sua prima visita a Bali, nel 1930, l'artista messicano Miguel Covarrubias osservò che la pittura locale svolgeva principalmente funzioni religiose e cerimoniali. Le opere venivano utilizzate come tessuti decorativi destinati ai templi e alle abitazioni delle famiglie di maggiore prestigio, oppure come calendari impiegati per determinare l'oroscopo dei bambini. Nel corso degli anni successivi, tuttavia, Covarrubias osservò una progressiva trasformazione della produzione artistica balinese. Le restrizioni relative ai soggetti e agli stili, precedentemente legati soprattutto alla mitologia induista, si attenuarono e gli artisti iniziarono a rappresentare anche scene della vita quotidiana e rurale, sviluppando una maggiore individualità espressiva.

Questo periodo di intensa sperimentazione raggiunse il suo apice alla fine degli anni 1930. La presenza di visitatori stranieri, tra cui l'attore Charlie Chaplin e gli antropologi Gregory Bateson e Margaret Mead, contribuì ad accrescere l'interesse nei confronti della produzione artistica locale. Durante il loro soggiorno a Bali nella metà degli anni 1930, Bateson e Mead raccolsero più di 2.000 dipinti, provenienti principalmente dal villaggio di Batuan e, in misura minore, dal villaggio costiero di Sanur.

Tra gli artisti occidentali, Walter Spies e Rudolf Bonnet sono frequentemente associati al processo di modernizzazione della pittura balinese tradizionale. A partire dagli anni 1950, numerosi artisti balinesi incorporarono nelle proprie opere alcuni elementi della pittura occidentale, tra cui l'utilizzo della prospettiva e una rappresentazione più naturalistica dell'anatomia. Il loro ruolo fu tuttavia significativo soprattutto nell'incoraggiare la sperimentazione e l'allontanamento dalle convenzioni tradizionali, contribuendo così alla crescita dell'espressione individuale.

Gli stili sviluppatisi negli anni 1930 si consolidarono negli anni 1950 e furono successivamente indicati con la denominazione di «pittura balinese tradizionale moderna». Tra i principali esponenti della nuova tendenza vi furono gli artisti di Ubud, che, pur costituendo una minoranza rispetto al complesso degli artisti attivi negli anni 1930, divennero progressivamente i principali rappresentanti del nuovo stile. A favorire questo processo contribuirono la presenza a Ubud dell'artista Gusti Nyoman Lempad e il sostegno fornito dai tradizionali governanti locali.

Lo stile di Ubud si caratterizzò per una maggiore attenzione alla rappresentazione della vita quotidiana e degli eventi drammatici della società balinese. Parallelamente, cambiò il sistema di committenza: gli artisti passarono progressivamente dal lavorare principalmente per templi e famiglie regnanti al rivolgersi anche a turisti e collezionisti occidentali. Anche la composizione delle opere subì una trasformazione, passando dalla presenza di molteplici centri narrativi a una struttura maggiormente concentrata su un unico punto focale.

Nonostante l'adozione di elementi della pittura occidentale moderna da parte di numerosi artisti balinesi e indonesiani, la pittura balinese tradizionale moderna continua a essere praticata. La tradizione è stata mantenuta dagli allievi e dai discendenti degli artisti appartenenti alla generazione modernista del periodo precedente alla seconda guerra mondiale, attiva principalmente tra il 1928 e il 1942.

Tra le principali scuole e correnti della pittura balinese tradizionale moderna vengono generalmente indicate le scuole di Ubud, Batuan, Sanur, Young Artist e Keliki.

Pittura tradizionale moderna

La modernizzazione della pittura balinese precedente alla seconda guerra mondiale ebbe origine principalmente in tre villaggi: Ubud, dove si stabilì Walter Spies, Sanur, sulla costa meridionale dell'isola, e Batuan, tradizionalmente noto per la presenza di musicisti, danzatori, intagliatori e pittori.

Gli artisti utilizzavano prevalentemente la carta, sebbene fossero impiegati anche tela e tavole di legno. Le opere erano spesso caratterizzate dalla ripetizione di gruppi di elementi vegetali stilizzati o di onde, utilizzati per creare effetti di texture e, in alcuni casi, di profondità prospettica. Ciascuno dei tre centri sviluppò caratteristiche stilistiche proprie. Gli artisti di Ubud facevano maggiore uso degli spazi vuoti e attribuivano particolare importanza alle figure umane. La pittura di Sanur era caratterizzata dalla presenza frequente di scene erotiche e animali, mentre quella di Batuan tendeva a essere meno colorata e più densamente composta.

Pittura di Ubud

Ubud divenne uno dei principali centri artistici di Bali negli anni 1930, grazie anche al sostegno della famiglia aristocratica locale, affermatasi politicamente alla fine del XIX secolo. Prima degli anni 1930, a Ubud erano già presenti dipinti tradizionali ispirati allo stile wayang provenienti da altri villaggi, sebbene tale tradizione avesse avuto una maggiore influenza nel vicino villaggio di Peliatan, oggi considerato parte dell'area di Ubud.

Alla fine degli anni 1920 alcuni artisti di Ubud iniziarono ad adattare lo stile wayang tradizionale. Tra questi vi era Ida Bagus Kembeng, originario di Tebesaya, che potrebbe aver ricevuto una formazione artistica da alcuni parenti nel vicino villaggio di Tampaksiring. I Gusti Nyoman Lempad, trasferitosi a Ubud sotto il patrocinio del sovrano locale, abbandonò progressivamente l'attività di architetto e scultore per dedicarsi al disegno, realizzando alcune delle sue opere più importanti intorno al 1931. Nello stesso periodo iniziò a dipingere anche Anak Agung Gde Sobrat.

Questi artisti, insieme ad altri esponenti della scena artistica locale, ricevettero materiali e opportunità di vendita dagli artisti europei residenti a Bali, in particolare Walter Spies e Rudolf Bonnet. Il contatto con questi ultimi favorì la sperimentazione di nuovi linguaggi pittorici, che gli osservatori europei identificarono come una nuova forma di arte balinese moderna, distinta dalla produzione tradizionale regolata da rigide convenzioni iconografiche di carattere religioso.

Nel 1936, sotto il patrocinio della famiglia reale di Ubud, in particolare di Tjokorda Gde Agung Sukawati, e con la collaborazione di Rudolf Bonnet, venne fondata la Pitamaha Art Guild. L'organizzazione aveva lo scopo di professionalizzare la produzione artistica balinese e preservarne la qualità in un periodo caratterizzato dalla rapida crescita del turismo a Bali.

I membri della Pitamaha si riunivano periodicamente per selezionare le opere presentate dagli artisti associati e organizzare esposizioni in Indonesia e all'estero. Tra il 1936 e il 1939, Bonnet organizzò importanti mostre di arte balinese moderna nei Paesi Bassi, oltre a una mostra di dimensioni più ridotte a Londra. L'attività della Pitamaha proseguì fino all'arrivo della seconda guerra mondiale a Bali nel 1942.

Gli artisti di Ubud associati alla Pitamaha provenivano da Ubud e dai villaggi circostanti, tra cui Pengosekan, Peliatan e Tebasaya. Parteciparono inoltre artisti provenienti da altre aree, tra cui Pan Seken di Kamasan, I Gusti Made Deblog di Denpasar e diversi artisti di Sanur.

Sebbene la Pitamaha ebbe una durata relativamente breve, la sua attività è strettamente associata alla grande fioritura della pittura balinese moderna degli anni 1930 e agli sviluppi artistici successivi. La tradizione di Ubud proseguì attraverso le generazioni successive. Tra gli artisti più importanti figurano Ida Bagus Sena, nipote di Ida Bagus Made Poleng, A.A. Gde Anom Sukawati, figlio di A.A. Raka Pudja, I Ketut Budiana, I Nyoman Kayun e I Nyoman Meja.

I Ketut Budiana si è distinto per una significativa attività espositiva internazionale e le sue opere sono conservate in diverse istituzioni artistiche, tra cui il Fukuoka Museum of Art, il Bentara Budaya Jakarta, il Museum Puri Lukisan, il Neka Museum e l'ARMA Museum. Ida Bagus Sena ha sviluppato uno stile personale caratterizzato da una profonda attenzione alla filosofia balinese. A.A. Gde Anom Sukawati è noto per l'uso del colore, mentre I Nyoman Meja ha sviluppato uno stile successivamente ripreso da diversi suoi allievi. I Nyoman Kayun ha ricevuto il Bali Bangkit Award nel 2008.

Pittura di Batuan

La scuola di Batuan è associata al villaggio di Batuan, situato circa 10 km a sud di Ubud. Il villaggio possiede una lunga tradizione nelle arti performative e figurative e i suoi abitanti sono stati tradizionalmente attivi come danzatori, scultori e pittori.

Tra i principali artisti attivi negli anni 1930 figurano I Nyoman Ngendon e alcuni membri di importanti famiglie brahmane, tra cui Ida Bagus Made Togog. Tra gli esponenti della fase precedente alla modernizzazione si ricordano inoltre I Dewa Nyoman Mura (1877-1950) e I Dewa Putu Kebes (1874-1962), noto come sanging, termine associato ai pittori tradizionali dello stile wayang incaricati della realizzazione di tessuti cerimoniali per i templi.

L'influenza occidentale a Batuan fu meno intensa rispetto a Ubud. La pittura di Batuan era spesso caratterizzata da rappresentazioni scure e densamente affollate, raffiguranti scene leggendarie oppure episodi della vita quotidiana. Particolare importanza era attribuita alle ambientazioni notturne e a soggetti inquietanti, tra cui spiriti, animali fantastici e streghe. Queste caratteristiche sono particolarmente evidenti nelle opere raccolte da Margaret Mead e Gregory Bateson durante le loro ricerche sul campo a Bali tra il 1936 e il 1939.

Le superfici pittoriche erano spesso trattate mediante gradazioni di inchiostro dal nero al bianco, creando atmosfere scure e cupe. Nelle opere successive, la composizione tendeva a occupare l'intera superficie disponibile, accentuando ulteriormente la sensazione di affollamento.

Tra i primi artisti di Batuan, I Nyoman Ngendon (1903-1946) è considerato uno dei più innovativi. Oltre all'attività pittorica, Ngendon fu un abile commerciante e un attivista politico. Incoraggiò altri abitanti del villaggio a dedicarsi alla pittura destinata al mercato turistico. La sua abilità nella ritrattistica contribuì alla formazione degli artisti di Batuan e alla diffusione di nuove tecniche.

Tra i principali artisti di questo periodo figurano I Patera (1900-1935), I Tombos (nato nel 1917), Ida Bagus Togog (1913-1989), Ida Bagus Made Jatasura (1917-1946), Ida Bagus Ketut Diding (1914-1990), I Made Djata (1920-2001) e Ida Bagus Widja (1912-1992).

L'eredità della fase della Pitamaha rimane presente nella pittura contemporanea di Batuan, rappresentata da artisti quali I Made Budi, I Wayan Bendi, I Ketut Murtika e I Made Sujendra. Le opere di I Made Budi e I Wayan Bendi rappresentano gli effetti del turismo sulla società balinese contemporanea, inserendo elementi come turisti con macchine fotografiche, motociclette e attività ricreative all'interno di scene della vita tradizionale dei villaggi. La compresenza di elementi moderni e tradizionali costituisce uno dei temi caratteristici della loro produzione.

I Ketut Murtika continua invece a rappresentare episodi del Mahabharata e del Ramayana con grande attenzione ai dettagli e utilizzando colori relativamente sobri. Nella sua opera The Wheel of Life, ispirata alla concezione balinese del ciclo della vita, la rappresentazione di leggende locali si combina con una complessa elaborazione dei dettagli.

Pittura di Sanur

A differenza di Ubud e Batuan, situati nell'entroterra, Sanur è un centro costiero e turistico. Il villaggio fu inoltre la residenza dell'artista belga Adrien-Jean Le Mayeur de Mepres, che visse a Sanur insieme alla moglie balinese Ni Polok e possedeva una casa sulla spiaggia. Le Mayeur ebbe tuttavia rapporti limitati con gli artisti locali.

Durante gli anni 1930, i turisti raggiungevano Bali anche attraverso navi da crociera che attraccavano a Sanur, da dove proseguivano verso Ubud e altre località turistiche. La posizione del villaggio garantì agli artisti locali un accesso diretto alla clientela occidentale, che frequentava il negozio dei fratelli Neuhaus, specializzato nella vendita di souvenir balinesi e dotato anche di un acquario di pesci tropicali. I Neuhaus divennero tra i principali commercianti di dipinti di Sanur e di altre forme di arte locale.

L'ambiente costiero di Sanur, caratterizzato da imbarcazioni tradizionali, ampi orizzonti marini e fauna marina, offriva agli artisti un repertorio visivo differente da quello di Ubud e Batuan. Le opere di Sanur presentavano spesso un'atmosfera più giocosa e non erano rigidamente vincolate all'iconografia religiosa. Rispetto alla pittura di Ubud e Batuan, erano generalmente più leggere e ariose, con rappresentazioni di creature marine, scene erotiche e animali selvatici organizzati secondo motivi ritmici e decorativi.

È stato ipotizzato che alcune caratteristiche della pittura di Sanur e Batuan abbiano esercitato un'influenza sull'artista europeo M. C. Escher. Le prime opere erano prevalentemente realizzate mediante inchiostro nero su carta. Su richiesta dei fratelli Neuhaus, nelle opere successive furono introdotti colori pastello, spesso applicati da un numero ristretto di artisti specializzati nella colorazione di disegni originariamente monocromatici, tra cui I Pica e I Regug.

La scuola di Sanur è considerata una delle correnti più stilizzate e decorative dell'arte balinese moderna. Tra i suoi principali esponenti figurano I Rundu, Ida Bagus Nyoman Rai, Ida Bagus Made Pugug, I Soekaria, I Gusti Made Rundu e I Pica. I Rudin, originario della vicina località di Renon, iniziò a dipingere nella metà degli anni 1930 e negli anni 1950 si dedicò alla rappresentazione dei danzatori balinesi, adottando modalità grafiche influenzate dai disegni di Miguel Covarrubias.

Pittura dei Giovani Artisti

Lo sviluppo della Scuola dei Giovani Artisti è generalmente associato all'attività dell'artista olandese Arie Smit, già militare durante la seconda guerra mondiale e successivamente stabilitosi a Bali.

All'inizio degli anni 1960, Smit incontrò alcuni bambini nel villaggio di Penestanan, nei pressi di Tjampuhan, intenti a disegnare sulla sabbia. Incoraggiò la loro attività artistica fornendo loro carta e colori e contribuendo così alla nascita di una nuova corrente pittorica.

Le opere dei Giovani Artisti sono caratterizzate da disegni semplificati, colori vivaci e una rappresentazione priva di dettagli minuziosi, generalmente realizzata con colori a olio su tela. Negli anni 1970 la corrente coinvolgeva circa 300 pittori, molti dei quali producevano opere destinate al mercato turistico.

Nel 1971 Datuk Lim Chong Kit organizzò presso la Alpha Gallery di Singapore una mostra di opere appartenenti alla propria collezione, intitolata Peasant Painters of Bali. Una versione della mostra fu successivamente presentata nel 1983 presso la National Gallery of Malaysia.

Un'opera di I Wayan Pugur, realizzata intorno al 1958, quando l'artista aveva 13 anni, fu esposta nel 1964 presso il San Francisco Museum of Modern Art nell'ambito di una mostra itinerante negli Stati Uniti del 1964-1965, successivamente presentata anche presso la Smithsonian Institution. Il dipinto, realizzato su carta, presenta colori vivaci e una composizione equilibrata. Lo spazio è suddiviso in tre aree cromatiche principali, blu scuro, giallo brillante e magenta, in una composizione che mostra l'influenza della tradizione pittorica wayang. Le foglie dell'albero e i serpenti evidenziano l'uso di colori complementari. Le figure umane sono rappresentate con volti privi di dettagli, mentre i serpenti sono caratterizzati dalla presenza di occhi e lunghe lingue.

Tra i principali esponenti della scuola dei Giovani Artisti figurano I Wayan Pugur, I Ketut Soki, I Ngurah KK, I Nyoman Londo, I Ketut Tagen, M. D. Djaga, I Nyoman Cakra, Ni Ketut Gampil, I Nyoman Mundik e I Wayan Regug.

Pittura miniaturistica di Keliki

Negli anni 1990 si sviluppò nel villaggio di Keliki, situato a nord di Ubud, una forma di pittura miniaturistica associata all'artista e agricoltore locale I Ketut Sana. Le opere della scuola presentano dimensioni variabili, da circa 5 × 7,5 cm fino a circa 25 × 38 cm.

I Ketut Sana apprese la tecnica pittorica da I Gusti Nyoman Sudara Lempad di Ubud e da I Wayan Rajin di Batuan. Il suo stile combinò il disegno lineare associato a Lempad con la ricchezza di dettagli tipica della scuola di Batuan.

Nelle opere di Keliki l'intera superficie disponibile viene generalmente ricoperta da minuziosi dettagli, raffiguranti scene della vita dei villaggi balinesi e episodi della tradizione mitologica e leggendaria. I disegni sono realizzati prevalentemente con inchiostro e successivamente colorati con acquerello. La corrente viene pertanto considerata una sintesi tra la vivacità della scuola di Ubud e l'attenzione ai dettagli propria della scuola di Batuan. Gli artisti di Keliki attribuiscono particolare importanza alla pazienza e alla precisione necessarie per rappresentare ogni elemento della composizione.

Tra i soggetti rappresentati nella pittura di Keliki figura la leggenda di Rajapala, raffigurata in un'opera di I Lunga risalente alla metà degli anni 1990. Rajapala è un personaggio della tradizione narrativa balinese. Secondo il racconto, egli sorprende un gruppo di ninfe celesti mentre fanno il bagno in una piscina e sottrae segretamente la veste di una di loro, Sulaish. Poiché la veste possiede proprietà magiche che le consentono di volare, la ninfa non può fare ritorno in cielo. Rajapala le propone quindi di sposarlo e Sulaish accetta, a condizione di poter tornare in cielo dopo la nascita di un figlio. La coppia ha un figlio e vive insieme per diversi anni. Un giorno Sulaish ritrova accidentalmente la propria veste, nascosta in cucina, e comprende di essere stata ingannata. Recuperata la capacità di volare, lascia il marito e il figlio e ritorna nella sua dimora celeste.

Tra i principali artisti associati alla scuola di Keliki figurano Sang Ketut Mandera (Dolit), I Ketut Sana, I Wayan Surana, I Lunga, I Wayan Nengah, I Made Ocen, Gong Juna, I Made Widi, I Wayan Lanus, I Wayan Lodra, Ida Bagus Putra e Gusti Ngurah Putra Riong.

Altre scuole di pittura

Pittura a impronte digitali

La pittura a impronte digitali è una tecnica utilizzata dall'artista balinese di discendenza aristocratica I Gusti Ngurah Gede Pemecutan. In questa tecnica, l'artista realizza le proprie opere mediante l'applicazione diretta delle impronte digitali sulla superficie pittorica.

A differenza della pittura eseguita con il pennello, nella quale il colore può essere rimosso o modificato durante l'esecuzione, la tecnica a impronte digitali richiede un'elevata precisione nella collocazione di ogni singolo punto. Le opere di Pemecutan non presentano generalmente una firma tradizionale, ma contengono numerose impronte digitali dell'artista, che costituiscono parte integrante del procedimento esecutivo.

La tecnica della pittura a impronte digitali è considerata una particolare forma di puntinismo, in quanto l'immagine viene costruita attraverso la disposizione di numerosi punti di colore, analogamente a quanto avviene nel puntinismo realizzato mediante il pennello.

Intaglio e scultura lignea

Analogamente alla pittura, anche l'intaglio ligneo balinese attraversò un processo di trasformazione durante gli anni 1930 e 1940. La forte crescita della sperimentazione artistica associata a questo periodo è stata in parte attribuita all'influenza delle correnti artistiche occidentali. Nel 2006, una mostra organizzata presso il Nusantara Museum di Delft, nei Paesi Bassi, analizzò in particolare l'influenza dell'Art déco sull'intaglio ligneo balinese. Secondo lo studioso Leidelmeijer, tale influenza si sarebbe protratta fino agli anni 1970.

Durante il periodo di transizione, la Pitamaha Art Guild svolse un ruolo importante non solo nello sviluppo della pittura balinese, ma anche nella trasformazione della scultura lignea moderna. L'artista I Tagelan (1902-1935) realizzò una scultura allungata raffigurante una donna balinese a partire da un lungo tronco ricevuto da Walter Spies, che gli aveva inizialmente commissionato due statue. L'opera è oggi conservata presso il Museum Puri Lukisan di Ubud.

Tra i principali esponenti della scultura lignea modernista balinese figurano inoltre Ida Bagus Nyana, Tjokot (1886-1971) e Ida Bagus Tilem.

Ida Bagus Nyana è noto per la sperimentazione delle masse e delle proporzioni nella scultura. Nella rappresentazione delle figure umane modificava intenzionalmente le proporzioni anatomiche, accorciando alcune parti del corpo e allungandone altre. Il risultato era una caratterizzazione insolita e talvolta surreale delle figure. Allo stesso tempo, Nyana tendeva a intervenire sul legno in maniera relativamente contenuta e privilegiava soggetti semplici, spesso tratti dalla vita quotidiana. Questo approccio gli consentì di distinguersi dalle tendenze più elaborate e ornamentali diffuse tra numerosi intagliatori contemporanei.

Tjokot concentrò la propria ricerca sulle qualità espressive naturali del legno. Era solito cercare nei boschi tronchi e rami dalle forme irregolari, intervenendo successivamente in misura limitata sulla loro struttura originaria. Questi elementi venivano trasformati in figure deformate, spiriti e soggetti demoniaci, mantenendo evidenti le caratteristiche naturali del materiale.

Ida Bagus Tilem, figlio di Nyana, sviluppò ulteriormente le innovazioni introdotte da Nyana e Tjokot, sia nella lavorazione del legno sia nella scelta dei soggetti. Rispetto alla generazione precedente, Tilem interveniva con maggiore libertà sulle proporzioni delle figure. Le deformazioni naturali del legno costituivano spesso il punto di partenza per la composizione, mentre tronchi e rami contorti venivano utilizzati per rappresentare corpi umani deformati.

Tilem considerava ogni tronco o ramo dalla forma irregolare come un possibile mezzo per esprimere stati emotivi e sentimenti umani. A differenza degli scultori delle generazioni precedenti, che rappresentavano prevalentemente soggetti mitologici o scene della vita quotidiana, sviluppò una produzione incentrata su temi astratti, filosofici e psicologici, nei quali le forme deformate del legno assumevano una funzione espressiva autonoma.

Oltre alla propria attività artistica, Ida Bagus Tilem svolse un'importante attività didattica. Formò numerosi giovani scultori provenienti dall'area circostante il villaggio di Mas, trasmettendo loro criteri per la selezione del legno in base alle sue qualità espressive e incoraggiando un rapporto diretto tra il materiale e l'artista. Questo approccio contribuì alla diffusione di una concezione della scultura basata sul dialogo tra il legno e l'essere umano, divenuta una delle caratteristiche della scultura lignea balinese contemporanea.

Musei con importanti collezioni di pittura balinese

Numerosi musei e istituzioni culturali in diverse parti del mondo conservano importanti collezioni di pittura balinese, comprendenti opere tradizionali, dipinti del periodo precedente alla modernizzazione e produzioni moderne e contemporanee.

Europa

Nei Paesi Bassi, il Tropenmuseum di Amsterdam e il Museo etnografico di Leida conservano un numero significativo di dipinti balinesi appartenenti al periodo wayang, precedente agli anni 1920, e al periodo precedente alla seconda guerra mondiale, compreso indicativamente tra gli anni 1920 e 1950. Il museo etnografico di Leida conserva in particolare le collezioni di Rudolf Bonnet e Paul Spies.

In Svizzera, il Museo etnografico di Basilea conserva una significativa raccolta di dipinti di Batuan e Sanur del periodo precedente alla seconda guerra mondiale, raccolti da Schlager e dall'artista Theo Meier.

In Austria, il Museo etnografico di Vienna riscoprì alla fine del 2010 una collezione di dipinti balinesi risalenti al periodo precedente alla seconda guerra mondiale, raccolti da Potjewyd nella metà degli anni 1930.

Asia

In Giappone, il Museo d'arte asiatica di Fukuoka conserva un'importante collezione di arte balinese risalente al periodo successivo alla seconda guerra mondiale.

A Singapore, la National Gallery Singapore possiede una significativa raccolta di dipinti balinesi appartenenti sia al periodo precedente sia a quello successivo alla seconda guerra mondiale.

Australia

In Australia, l'Australian Museum di Sydney conserva un'importante collezione di dipinti di Kamasan e di altre tradizioni pittoriche balinesi, raccolta dall'antropologo Anthony Forge.

La National Gallery of Australia di Canberra conserva inoltre diverse opere di artisti balinesi.

Indonesia

In Indonesia, importanti collezioni di arte balinese sono conservate presso il Museum Sana Budaya di Yogyakarta e il Museum Bentara Budaya di Jakarta.

A Denpasar, nell'isola di Bali, il Bali Museum conserva disegni balinesi risalenti al periodo precedente alla seconda guerra mondiale. Altre opere sono conservate presso il Center for Documentation of Balinese Culture, anch'esso situato a Denpasar.

La città di Ubud ospita quattro importanti musei con significative collezioni di arte balinese: il Museum Puri Lukisan, l'Agung Rai Museum of Art, il Neka Art Museum e il Museum Rudana.

America

Negli Stati Uniti, importanti opere e collezioni di arte balinese sono conservate presso il Duke University Museum di Durham e l'American Museum of Natural History di New York.