로파이 뮤직

1980년대~1990년대 장비를 갖춘 미니멀한 침실 스튜디오(영어판) 세팅

로파이 뮤직(흔히 lo-fi로 알려져 있으며, lofi 또는 low-fi로도 표기됨)은 녹음이나 연주 과정에서 일반적으로 불완전함(결함)으로 여겨지는 요소들이 그대로 드러나 있는, 때로는 의도적인 스타일의 선택으로 활용되는 음악 또는 음악 제작(영어판)의 음질을 말한다. 음질/충실도(Fidelity) 및 음악 제작의 기준은 수십 년에 걸쳐 진화해 왔기 때문에, 과거의 일부 로파이 사례들은 원래부터 로파이로 인식되지 않았을 수도 있다. 로파이가 대중음악의 한 스타일로 인정받기 시작한 것은 1990년대부터이며, 당시에는 (스스로 하기에서 유래한) DIY 음악으로 번갈아 불리기도 했다. 로파이 음악의 일부 하위 장르들은 이 장르를 정의하는 특유의 불완전함에서 오는 향수 자극적이거나 편안한 분위기 덕분에 큰 인기를 얻게 되었다.

전통적으로 로파이는 연주 실수, 주변 소음 간섭, 또는 축음기나 레코드판의 불완전함(열화된 오디오 신호, 테이프 히스(영어판) 등)과 같이 대부분의 전문적인 환경에서 원치 않는 것으로 여겨지는 요소들이 포함되는 것이 특징이다. 이 장르를 개척하고 영향을 주었거나 중요한 발자취를 남긴 아티스트와 밴드로는 비치 보이스((‘Smiley Smile’과 ‘Wild Honey’), (흔히 "대중음악의 명예로운 별명(영어판)"라 불리는) 알 스티비 무어(영어판), 폴 매카트니(‘McCartney (음반)’), 토드 런드그렌(영어판), 리 스크래치 페리(영어판), 피터 아이버스(영어판), 잔덱(영어판), 다니엘 존스턴, 뉴트럴 밀크 호텔, 가이디드 바이 보이스(영어판), 세바도(영어판), 백, 페이브먼트, 그리고 아리엘 핑크 등이 있다.

"로파이"라는 단어는 문화적 어휘집(사전)에 "하이파이(High-Fidelity)"만큼이나 오랫동안 존재해 왔지만, 이 용어를 대중화한 공로는 대개 1986년 WFMU(영어판)의 디스크 자키인 윌리엄 버거(William Berger)에게 돌아간다. 1980년대 이후로 "로파이"는 카세트 문화, 펑크의 DIY 정신, 소박파 예술(Primitivism), 아웃사이더 음악, 미술에서의 미술에서의 진정성(영어판), 슬래커, X세대의 고정관념, 그리고 문화적 향수와 다양한 시점에서 연계되어 왔다. 현대 디지털 오디오 워크스테이션(DAW)의 발전과 함께 "침실(Bedroom)" 뮤지션이라는 개념이 확장되었고, 이는 거의 동의어에 가까운 용어인 침실 팝(Bedroom pop)의 탄생으로 이어졌다. 2000년대 후반에 로파이 미학은 칠웨이브와 하이프나고직 팝(영어판) 음악 장르의 기반이 되었다. 2010년대에는 칠아웃의 영향을 받은 로파이 힙합(영어판) 스타일이 등장하여 유튜브에서 광범위한 인기를 얻었다.

정의 및 어원

용어의 진화와 범위

로파이는 하이파이(high fidelity), 즉 "hi-fi"의 반대 개념이다. "로파이"에 대한 인식은 기술적 발전 및 음악 청취자들의 기대치와 상대적으로 맞물려 있었으며, 이로 인해 이 용어를 둘러싼 수사(rhetoric)와 담론은 역사 속에서 수없이 변화해 왔다. 1990년대 이전에는 대개 "low-fi"로 표기되었던 이 용어는 최소한 1950년대("하이파이"가 받아들여진 직후)부터 존재해 왔으며, 그 정의는 1970년대와 2000년대 사이에 지속적으로 진화했다. 1976년판 옥스퍼드 영어 사전에서 로파이는 "품질 면에서 '하이파이(hi-fi)'보다 덜 좋은 음향 제작"이라는 정의 아래 추가되었다. 음악 교육가 R. 머레이 셰이퍼(영어판)는 그의 1977년 저서인 세계의 조율(The Tuning of the World)의 용어 사전에서 이 용어를 "불리한 신호 대 잡음비"로 정의했다.

가장 거칠게 스케치해 보자면, 로파이는 1980년대에는 원시주의적(primitivist)이고 사실주의적이었으며, 1990년대에는 포스트모던했고, 2000년대에는 아카이즘적(archaicist, 고풍스러운)이었다.

—아담 하퍼(Adam Harper), 대중음악 담론에서의 로파이 미학(Lo-Fi Aesthetics in Popular Music Discourse) (2014)

1980년대 이전까지 평론가들 사이에서 로파이 음악의 불완전함에 대한 가치를 인정하는 분위기는 사실상 거의 없었으나, 1980년대 들어 홈 레코딩과 "DIY" 특성에 대한 낭만주의가 새로이 떠오르기 시작했다. 그 후 "DIY"는 종종 "로파이"와 혼용되어 사용되었다. 1980년대 말에 이르러 "홈 레코딩", "기술적 원시성", "저렴한 장비"와 같은 특징들이 "로파이"라는 라벨과 일반적으로 연계되었으며, 1990년대 전반에 걸쳐 이러한 생각들은 대중이 "로파이"를 이해하는 핵심 방식으로 자리 잡았다. 그 결과, 2003년 옥스퍼드 사전은 이 용어에 대해 "최소한의 제작(프로덕션)을 특징으로 하여, 가공되지 않은 정제되지 않은 사운드를 내는 록 음악의 한 장르"라는 두 번째 정의를 추가했다.

"로파이"라는 사용을 대중화한 주체나 집단이 누구인지는 명확하게 단정할 수 없다. 일반적으로는 뉴저지 기반의 독립 라디오 방송국인 WFMU(영어판)에서 1986년부터 1987년까지 진행된 윌리엄 버거(William Berger)의 주간 30분짜리 라디오 프로그램 Low-Fi를 통해 이 용어가 대중화되었다고 여겨진다. 이 프로그램의 콘텐츠는 전적으로 우편을 통해 공모받은 참여작들로만 구성되었으며, 매주 금요일 저녁 30분 동안 프라임 타임 시간대에 방영되었다. WFMU의 잡지 LCD의 1986년 가을호에서 이 프로그램은 "저렴한 장비로 제작된 홈 레코딩. 탁월함과 결합된 기술적 원시성"으로 묘사되었다.

2008년에는 옥스퍼드 사전에 세 번째 정의가 추가되었다. "특히 의도적인 미학적 선택으로서 다듬어지지 않았거나, 아마추어 같거나, 기술적으로 정교하지 못한 것." 2017년, About.com의 안소니 카루(Anthony Carew)는 "로파이"라는 용어가 "따뜻함(warm)"이나 "타격감 있는(punchy)"의 동의어로 잘못 사용되는 경우가 흔하다고 주장하며, 이 용어는 고장 난 자동응답기에 녹음된 것 같은 사운드를 내는 음악에만 제한적으로 사용되어야 한다고 역설했다.

침실 팝(Bedroom pop)

더 가디언의 다니엘 레이(Daniel Wray)는 2020년에 이 용어를 "몽환적이고 내성적이며 친밀한" 사운드를 지닌 홈 레코딩 음악 장르로 정의했으며, "인디, 팝, 현대 알앤비(영어판) 및 이모 (음악)를 아우르는" 장르라고 설명했다. The Forty-Five의 제네사 윌리엄스(Jenessa Williams)는 "침실 팝"이 "로파이"와 거의 동의어라 일컬으며, 후대에 이르러 "미드웨스턴 이모(영어판)이자 허세(힙합 음악의 특성(영어판))가 빠진 사운드클라우드 랩(영어판)"으로 재맥락화되기 전까지는 전통적으로 "소박하게 만들어진 데모 곡들과 슬래커(slacker) 미학을 그럴듯하게 포장하기 위한 찬사 섞인 방식"으로 사용되어 왔다고 말했다.

"침실 팝"은 독특한 미학적 특성을 설명하기 위해 인용되어 왔다. 2006년 뉴욕 타임스의 태미 라고스(Tammy LaGorce)는 침실 팝을 "완벽한 홈메이드 노래를 통해 세상을 더 나은 곳으로 만들고자 노력하는 블로그 같은 음악"으로 규정했다. 2010년대에 이르러 저널리스트들은 사운드가 "퍼지(fuzzy, 흐릿하거나 뭉개지는)"한 제작 품질을 가진 모든 음악에 이 용어를 적용하기 시작했다.

이 장르는 인터넷 및 소셜 미디어 플랫폼과 떼려야 뗄 수 없는 관계를 맺고 있다. 클레어로나 보이 파블로(영어판) 같은 아티스트들은 유튜브에서 그들의 DIY 뮤직비디오가 바이럴을 타면서 더 큰 인지도를 얻게 되었다. 최근 스포티파이(Spotify)의 'Bedroom Pop' 플레이리스트가 신설되면서 침실 팝이라는 용어는 음악을 묘사하는 정식 지칭으로 자리 잡게 되었다.

이 장르와 연관된 많은 아티스트들은 이러한 라벨링을 거부해 왔다. 클레어로는 자신의 음악이 침실 팝으로 분류되는 것에 대해 질문을 받았을 때 "저는 계속해서 발전하고 싶고 더 높은 퀄리티의 결과물을 만들고 싶기 때문에, 일종의 제약처럼 느껴지기도 합니다. 누군가에게 들려주기 위해 의도된 음악을 만들고 싶거든요"라고 언급했다. 2025년 Cero Magazine과의 인터뷰에서 쿠코 (뮤지션)(영어판)는 침실 팝에 대해 "그건 그냥 인터넷이 붙인 라벨일 뿐이었고, 저는 분명 거기서 성장했습니다"라며 "제 생각엔 우리 모두 그저 각자의 침실에서 음악을 만들고 있었던 것뿐이지만, 프로덕션 수준이 높아지기 시작하면서 다들 아티스트로서 입지를 다지게 된 것 같습니다"라고 덧붙였다.

특징

참고: 음악에서의 노이즈(영어판) 및 악기로서의 녹음 스튜디오(영어판)

로파이 미학은 녹음 과정과 관련된 특이성(idiosyncrasies)이다. 보다 구체적으로는, 음향 공학(영어판) 분야에서 일반적으로 열화된 오디오 신호나 테이프 속도의 변동과 같이 원치 않는 효과로 간주하는 요소들을 의미한다. 이러한 미학은 수준 이하이거나 정성이 들어가지 않은 음악 연주에까지 확장되기도 한다. 비전문적이거나 "아마추어 같다"고 판단되는 녹음은 대개 연주(음정이 맞지 않거나 박자가 어긋나는 노트)나 믹싱(들리는 히스 소음, 디스토션, 또는 공간 음향) 측면과 관련이 있다. 음악학자 아담 하퍼는 이를 "음향학적(phonographic) 불완전함"과 "비음향학적(non-phonographic) 불완전함"으로 구분하여 정의한다. 그는 전자를 "녹음 매체 자체의 특정 작동 과정에서 발생하며, 해당 녹음에 해가 된다고 인식되는(혹은 그렇다고 상상되는) 녹음의 요소들"로 정의한다. 오늘날 이러한 요소들은 사람들이 '로파이'라는 주제를 떠올릴 때 가장 먼저 생각하는 특징이기도 하다.

하퍼의 관점에서 녹음의 불완전함은 "크게 왜곡(distortion)과 노이즈(noise)의 두 가지 범주로 나뉠 수" 있지만, 그는 "왜곡"과 "노이즈"의 정의가 다양하며 때로는 서로 겹친다는 점을 인정한다. 로파이 미학에서 가장 두드러지는 왜곡의 형태는 오디오 신호가 장치의 다이내믹 레인지 이상으로 증폭될 때 발생할 수 있는 전고조파 왜곡(영어판)이다. 그러나 이 효과는 대개 결함으로 여겨지지 않는다. 동일한 프로세스가 록 음악의 일렉트릭 기타 사운드에 사용되며, 디지털 녹음(영어판)의 도래 이후에는 녹음에 "아날로그적인 따뜻함"을 주기 위해 사용되기도 한다. 녹음 과정의 부작용으로 생성되는 왜곡("음향학적 왜곡")은 전문적인 환경에서는 일반적으로 기피된다. "테이프 새츄레이션(Tape saturation)" 및 "새츄레이션 왜곡"은 테이프 헤드(영어판)가 잔류 자기 테이프의 자화 한계에 도달할 때 발생하는 고조파 왜곡을 교대로 설명하는 용어다(이는 消磁(디가우싱) 도구로 해결하는 테이프 레코더 유지보수의 일반적인 측면이다). 이로 인한 효과로는 고주파 신호의 감소와 노이즈의 증가 등이 있다. 일반적으로 로파이 녹음은 10킬로헤르츠(kHz) 이상의 주파수 정보가 거의 없거나 전혀 없을 가능성이 크다.

"비음향학적(Non-phonographic)" 불완전함에는 연주 중에 발생하는 소음("기침, 코 흘리는 소리, 악보 넘기는 소리, 의자 소리")이나 주변 환경에서 발생하는 소음("지나가는 차량, 가정 내 소음, 이웃이나 동물의 소리")이 포함될 수 "있다. 하퍼는 물론 "왜곡과 노이즈에 대한 가치 인정이 로파이 미학에만 국한되는 것은 아니며, 로파이 미학이... 왜곡과 노이즈에 대한 모든 형태의 가치 인정으로 확장되는 것도 아니다. 그 차이는 로파이에서 왜곡과 노이즈가 불완전함으로 '이해되는' 방식에 있다"고 인정한다. 그는 또한 "녹음의 불완전함"과 "불완전한 음향 재생 또는 변조 장비의 결과로 발생하는 음향적 불완전함"을 구분한다. "적어도 가설적으로는, 로파이 효과는 녹음 및 제작 자체 과정에서 생성되며, 마스터 녹음에 지각 가능한 상태로 남아 이후 발매를 위해 동일하게 복제된다."

브루스 바틀릿(Bruce Bartlett)은 그의 2013년 가이드북인 실전 녹음 기술(Practical Recording Techniques)에서 "로파이 사운드는 좁은 주파수 응답(얇고 저렴한 사운드)을 가질 수 있으며, 히스 소음이나 레코드판의 긁히는 소리와 같은 노이즈를 포함할 수 있다. 음정이 왜곡되거나 흔들릴 수도 있다"고 명시하고 있다. 그는 로파이 사운드를 재현하기 위한 방법으로 다음과 같은 것들을 제안한다. 믹싱 레벨을 불균형하게 조정하기, 마이크로폰 음원 사이에 장애물 배치하기, 마이크를 쓰레기통 안과 같이 특이한 장소에 배치하기, 오래되거나 품질이 낮은 악기 또는 장비로 녹음하기, 그리고 음 누출(영어판)과 반사 (물리학)(영어판)를 강조하기 등이 그것이다.

역사

1950년대~1970년대: 기원และ 영향력 있는 작품들

참고: 록앤롤 리바이벌(영어판)

DIY 음악은 기록된 역사보다 앞서 존재했지만, 1990년대 이후에 이해된 형태의 "로파이"는 1950년대의 록 음악(Rock and Roll)으로 거슬러 올라갈 수 있다. 올뮤직은 이 장르의 녹음들이 "대개 수준 이하의 장비에서 저렴하고 빠르게 만들어졌다. 그런 의미에서 가장 초기 록 레코드들, 60년대 가라지 록(영어판)의 대부분, 그리고 70년대 후반 펑크 록의 상당 부분은 로파이로 분류될 수 있다"고 기록하고 있다.

비치 보이스(1967년 사진)는 1967년부터 1972년까지 비치 보이스 스튜디오(영어판)에서 앨범을 녹음했다.

1967년에 발매된 비치 보이스의 앨범 ‘Smiley Smile’과 ‘Wild Honey (비치 보이스의 음반)(영어판)’는 주로 브라이언 윌슨의 홈 스튜디오(영어판)에서 녹음된 로파이 앨범들이었다. 이 앨범들은 나중에 윌슨의 이른바 침실 테이프(영어판)의 일부로 일컬어지게 되었다. 비록 ‘Smiley Smile’은 초기에 당혹감과 실망감을 안겨주었으나, 이후 다른 아티스트들이 유사하게 결함이 있고 군더더기를 뺀 미니멀한 특성을 반영한 앨범들—밥 딜런의 ‘John Wesley Harding’(1967)과 비틀즈의 ‘화이트 앨범(White Album)’(1968) 등—을 발표하면서 이 앨범에 대한 재평가가 이루어졌다. 피치포크의 필진 마크 리처드슨(Mark Richardson)은 ‘Smiley Smile’이 "훗날 세바도(영어판), 애니멀 컬렉티브 및 다른 이들을 추동하게 될 일종의 '로파이 침실 팝'을 발명했다"고 평했다. Rolling Stone의 편집자들은 ‘Wild Honey’가 "DIY 팝이라는 아이디어"를 정립한 공로를 인정했다.

1970년대 초에는 휴대용 멀티트랙 녹음 장비를 사용하여 녹음된 음악을 발표한 몇몇 다른 주요 아티스트와 밴드들이 있었으며, 대표적인 예로 폴 매카트니, 토드 런드그렌(영어판), 그리고 밥 말리 앤 더 웨일러스 등이 있다. 비틀즈의 비틀즈의 해체 직후에 제작되어 홈 레코딩으로 발표된 솔로 음반 ‘McCartney (음반)’는 1970년 가장 많이 팔린 앨범 중 하나였으나 평론가들로부터는 혹평을 받았다. 2005년 한 인터뷰어가 이 앨범이 당대 "최초의 대형 로파이 음반 중 하나"였을 가능성을 제기하자, 매카트니는 젊은 팬들이 "그러한 작품을 일종의 존중을 담아 돌아보는 것"이 "흥미롭다"고 언급하며, 이 앨범의 "말하자면... 히피 같은 단순함이 지금 이 시점에 어떻게든 공명을 일으키는 것 같다"고 덧붙였다.

(1972년 2월에 발매된) ‘’Something/Anything?’’은 거의 전적으로 런드그렌 혼자서 녹음한 작품이다. 이 앨범에는 그의 가장 잘 알려진 많은 곡들이 포함되어 있을 뿐만 아니라, 그가 "스튜디오의 소리(Sounds of the Studio)"라고 부르는 일종의 이스터 에그 게임을 위해 청취자에게 녹음 결함에 대해 가르쳐주는 구어체 트랙("Intro")도 포함되어 있었다. 그는 이 앨범의 성공으로 얻은 자금을 이용해 뉴욕에 개인 녹음 스튜디오를 지었고, 그곳에서 다소 성공을 거두지 못한 1973년 후속작 ‘’A Wizard, a True Star’’를 녹음했다. 음악학자 다니엘 해리슨 (음악학자)(영어판)은 1960년대 후반 비치 보이스의 앨범들을 ‘’Wizard‘’에 비교했는데, 이 음반은 "갑작스러운 전환, 다양한 팝 스타일의 혼합, 특이한 프로덕션 효과 등에서 브라이언의 작곡 스타일을 모방하고 있다. 비치 보이스의 실험이 상업적으로 실패한 것은 모방의 동기가 되기 어려웠을 것이다"라고 평했다. 2018년, ‘’피치포크‘’의 샘 소돔스키(Sam Sodomsky)는 ‘’Wizard‘’의 "흔적(지문)"이 "오늘날까지도 침실의 창작자들(bedroom auteurs)에게 분명히 남아있다"고 언급했다.

자메이카의 음반 프로듀서인 리 스크래치 페리(영어판)는 1970년대 초반부터 후반까지 로파이 미학을 수용하고 자신의 프로덕션에 테이프 왜곡과 녹음 노이즈를 의도적으로 포함시킨 몇 안 되는 주요 음반 프로듀서 중 한 명으로 자주 언급된다. 페리의 로파이 미학에 대해 영화 제작자 제레미 마레(Jeremy Marre)는 그의 1979년 다큐멘터리 ‘’Roots Rock Reggae‘’에서 다음과 같이 지적했다. "다른 사람들의 기준에는 악기 소리가 왜곡되고 밸런스가 완전히 무너진 것처럼 들릴지 모른다. 하지만 레게에 해외에서는 절대 복제할 수 없는 사운드를 부여하는 것은 바로 이러한 거친 모서리(거친 맛)이다." 1970년대 대부분 동안 자신의 홈 스튜디오에서 소비자용 테이프 데크의 녹음 기능만을 전적으로 활용했던 페리의 독특한 프로덕션 스타일은 여러 뮤지션과 밴드의 주목을 받았다. 대표적으로 밥 말리 앤 더 웨일러스, 린다 매카트니, 더 클래시, 존 라이든, 로버트 팔머, 심플리 레드, 주니어 머빈(영어판), 그리고 더 콩고스(영어판) 등이 있으며, 그는 자신의 '블랙 아크(Black Ark)' 녹음 스튜디오에서 이들과 함께 작업했다.Higbee, Ethan (2008). 《The Upsetter: The Life and Music of Lee Scratch Perry》 (Motion picture).  커리어 후반에 이르러 페리의 로파이 프로덕션 기법은 뮤지션과 평론가들 사이에서 일렉트로니카, 펑크 록, 힙합 미학에 영향을 미친 것으로 인정받게 되었다.

여러 주목할 만한 다른 사례들 중에서도, ‘’더 와이어‘’의 필진은 스킵 스펜스(영어판)의 ‘’Oar (음반)(영어판)‘’(1969)를 "외톨이/스토너(loner/stoner) 무브먼트와 로파이 무브먼트 모두의 시조"로 꼽으며, 이 앨범이 "수십 년 동안 진정한 청중을 찾지 못했다"고 덧붙였다. ‘’레코드 컬렉터‘’의 제이미 앳킨스(Jamie Atkins)는 2018년에 많은 로파이 아티스트들이 비치 보이스의 1970년 곡인 “All I Wanna Do (비치 보이스의 노래)(영어판)”의 리버브가 가득한 사운드에 빚을 지고 있다고 기록했다. ‘’Pitchfork‘’의 필진 매디슨 블룸(Madison Bloom)은 1970년대 로스앤젤레스의 뮤지션 피터 아이버스(영어판)를 "이 장르가 존재하기 수십 년 전, 침실 팝의 괴짜 왕"으로 왕관을 씌웠다. 2016년, ‘’빌보드‘’의 필진 조 린치(Joe Lynch)는 데이비드 보위의 ‘’Hunky Dory’’(1971)를 아리엘 핑크를 그 후손으로 꼽으며 "지난 25년간의 모든 로파이 인디 팝 앨범의 청사진과 다름없다"고 묘사했다. 1969년부터 활동한 스테이블리 메이크피스(영어판)와 그들의 스핀오프 그룹인 루테넌트 피전(영어판)은 올뮤직의 리치 언터버거(영어판)에 의해 "50년대 록음악과 영국 노벨티 뮤직(영어판)의 짙은 에코가 결합된, 독특하고 약간은 로파이한 홈메이드 프로덕션이 가미된 단순한 팝송"을 만들어냈다고 묘사되었다. ‘’레코드 컬렉터‘’의 마이클 히틀리(Michael Heatley)는 위저드 (밴드)(영어판)의 데뷔 앨범 ‘’Wizzard Brew(영어판)’’(1973)를 "로파이하고 레트로한 록앤롤"로 묘사한다.

1970년대~1980년대: 인디, 카세트 문화, 그리고 아웃사이더 음악

주요 기사: 카세트 문화(영어판) 및 아웃사이더 음악

참고: 인디 팝

1970년대 후반 펑크 록과 뉴웨이브 음악의 등장과 함께, 대중음악의 일부 부문에서는 독립 음반사(영어판), 유통망, 팬진(fanzine), 녹음 스튜디오의 물결을 예고하는 DIY 정신을 지지하기 시작했다. 그리고 대형 레이블로부터 음반 계약(영어판)를 따내지 않고도 누구나 스스로 음악을 녹음하고 발매할 수 있다는 당시로서는 새로운 전제 하에 수많은 기타 밴드들이 결성되었다. 로파이 뮤지션들과 팬들은 주로 백인, 남성, 중산층이었으며, 로파이에 관심을 둔 평론가들의 담론 대부분은 뉴욕이나 런던에 기반을 두고 있었던 반면, 뮤지션들 자체는 주로 미국의 중소 대도시권 출신이었다.

알 스티비 무어(영어판)(2011년 사진)는 흔히 홈 레코딩의 "대부"로 지칭된다.

1968년 이래로 알 스티비 무어(영어판)는 테네시에 있는 부모님의 지하실에서 릴투릴(reel-to-reel) 테이프로 정규 앨범들을 녹음해 왔으나, 1976년 ‘’Phonography (알 스티비 무어의 음반)(영어판)’’에 이르러서야 그의 녹음물이 음반 레이블을 통해 처음으로 발매되었다. 이 앨범은 뉴욕의 펑크 및 뉴웨이브 학계/서클 사이에서 어느 정도 명성을 얻었다. ‘’더 와이어‘’의 매튜 인그램(Matthew Ingram)은 "무어가 드럼부터 기타까지 모든 파트를 레코딩하며 완전히 솔로로 활동한 최초의 록 뮤지션은 아닐지 모른다... 하지만 그는 홈 레코딩 과정 자체를 명시적으로 미학화한 최초의 인물이었으며... 그를 로파이의 증조할아버지로 만들었다"고 기록했다. "DIY/로파이 개척자라는 라벨"을 지지하느냐는 질문에 무어는 자신의 접근 방식이 계산된 예술적 결정이라기보다는 "우연한 기회"에서 비롯된 것이라고 설명하면서도, 자신이 "개척자로 인정받아야 한다"는 점에는 동의했다. 2006년 ‘’뉴욕 타임스‘’ 기자가 무어를 "침실 팝"의 시조로 언급하자, 무어는 생계를 유지하고 명성을 얻기 위한 자신의 "처절한 투쟁"을 떠올리며 그러한 개념은 "비웃음이 나올 정도로 유쾌한 일"이라며 일축했다."

1979년, 타스캠(영어판)은 오버더빙(오버더빙), 믹싱, 핑퐁 녹음(바운싱 (오디오)(영어판))을 위한 '올인원(all-in-one)' 접근 방식을 통합한 최초의 휴대용 멀티트랙 레코더인 포타스튜디오(영어판)를 출시했다. 이 기술 덕분에 언더그라운드 서클의 다양한 뮤지션들이 카세트테이프 배포를 통해 팬층을 형성할 수 있었다. 음악 평론가 리치 언터버거(영어판)는 무어를 "카세트 대륙(cassetteland)에서 비록 컬트적일지라도 명성을 쌓은 몇 안 되는 아티스트" 중 "가장 유명한 인물 중 한 명"으로 꼽았다. 1979년부터 1980년대 초반까지 무어는 WFMU의 스태프로 일하며 주간 "베드룸 라디오(Bedroom Radio)" 쇼를 진행했다. 그 뒤를 이어 버거(Berger)의 "로우파이(Low-Fi)" 프로그램이 방영되었고, 이는 펑크 정신과 연계된 독자적인 무브먼트로서 로파이를 효과적으로 정착시켰다. 평론가 네드 래깃(Ned Raggett)에 따르면, JW 파콰(영어판)가 1973년 집에서 녹음한 앨범 ‘’The Formal Female‘’ 역시 알 스티비 무어와 텍사스의 언더그라운드 뮤지션 잔덱(영어판)을 포함한 "수많은" 독립 로파이 아티스트들의 선구자로 간주될 수 있다.

케이 레코드(영어판)의 설립자이자 비트 해프닝의 공동 설립자인 비트 해프닝(2000년대 추정 사진)

1980년, 웨일스 출신의 3인조 영 마블 자이언츠는 원시적인 드럼 머신을 포함한 황량한 악기 구성과 확연한 "침실(bedroom)" 분위기를 풍기는 그들의 유일한 앨범 ‘’Colossal Youth(영어판)‘’를 발매했다. ‘’이브닝 스탠더드‘’의 데이비드 스미스(Davyd Smith)는 나중에 "이보다 더 로파이하고 야심 없는 사운드는 상상하기 어렵다"고 적었다. 이후 10년 동안 미국 언더그라운드의 인디 록 영역(대학 라디오의 총아 R.E.M.과 같은 밴드)과 일부 영국 포스트 록 밴드들이 로파이 음악의 가장 두드러진 수출품이었다. 올뮤직에 따르면, 이들 음악의 스타일적 다양성은 종종 "단순한 팝과 록 노래에서부터 자유로운 형태의 곡 구조, 순수한 노이즈와 예술적인 실험주의에 이르기까지 요동쳤다." 이와 유사한 신(scene)은 DIY 카세트 트레이딩 힙합 및 하드코어 펑크 진영에서도 발전했다. 가장 잘 알려진 밴드 중 하나는 영향력 있는 인디 팝 레이블 케이 레코드(영어판) 소속의 비트 해프닝(1984~1992)이었다. 이들은 활동 당시에는 "로파이" 그룹으로 거의 알려지지 않았으며, 1990년대 중반 용어의 정의가 진화한 후에야 비로소 이 무브먼트에서의 선구적인 역할로 주목받게 되었다.

다른 곳에서는 WFMU의 DJ인 어윈 추시드(Irwin Chusid)가 "아웃사이더 음악"이라는 카테고리를 발명하고 대중화하는 역할을 담당했는데, 이 중 상당 부분이 로파이와 겹쳤다. 아담 하퍼(Adam Harper)는 아웃사이더 뮤지션인 다니엘 존스턴과 잔덱이 "1980년대의 소박파 예술(primitivism)과 1990년대의 로파이 인디 록 사이의 가교를 형성했다"고 평가했다. 또한 "...두 뮤지션 모두 로파이가 단순히 용인될 수 있는 수준을 넘어, 일부 비범하고 천재적인 뮤지션들의 특별한 맥락이라는 개념을 도입했다"고 덧붙였다. 뉴질랜드 출신의 톨 드워프스(영어판)가 1980년대 중반에 발표한 음반들은 로파이 사운드를 예견한 것으로 평가받는다. 올뮤직은 톨 드워프스가 홈 레코딩으로 발표한 작업물들이 "이후 수십 년 동안 사운드의 중요성과 영향력이 커지기 시작하면서, 궁극적으로 '로파이'라 불리게 된 사운드의 부상을 예고했다"고 기록했다.

1990년대: '로파이'와 '인디' 정의의 변화

'얼터너티브' 음악과의 관계

참고: 슬래커 록

가이디드 바이 보이스(영어판)의 로버트 폴라드(영어판)(2006년 사진)

1990년대 들어 미디어에서 '인디'라는 단어의 사용은 "음악 산업의 대형 음반 레이블에서 벗어나 제작된 음악"에서, 미국 내에서 '얼터너티브의 대안'으로 여겨지는 특정 스타일의 록 또는 팝 음악으로 진화했다. 너바나의 ‘’Nevermind‘’(1991)가 성공한 후 얼터너티브 록이 문화적 화두로 떠 올랐고, 그 결과 1992년에서 1994년 사이에 로파이 무브먼트라는 개념이 응집되었다. 가이디드 바이 보이스(영어판), 세바도(영어판), 백(Beck), 페이브먼트와 같은 아티스트들을 중심으로 얼터너티브 및 로파이에 관한 많은 글들은 이를 더글러스 쿠플랜드(영어판)의 소설 ‘’X세대 (소설)(영어판)‘’와 리처드 링클레이터의 영화 ‘’슬래커 (영화)‘’(둘 다 1991년 출시)에서 유래한 X세대 및 "슬래커(slacker, 게으름뱅이)" 고정관념과 일치시켰으며, 이는 이 장르가 "슬래커 록"으로 불리는 계기가 되었다. 그란지(영어판)와 로파이 사이의 경계 중 일부는 음악의 "미술에서의 진정성(영어판)" 측면에서 나타났다. 너바나의 프런트맨 커트 코베인이 존스턴, K 레코드, 더 섀그스(영어판)를 좋아하는 것으로 잘 알려져 있었음에도 불구하고, 인디 록의 한 분파는 그란지를 대기업에 영혼을 판(sell-out) 장르로 보았으며, 로파이의 불완전함이야말로 음악에 진정성을 부여하는 요소라고 믿었다.

1993년 4월, "로파이"라는 용어는 ‘’뉴욕 타임스‘’의 헤드라인으로 다뤄지면서 주류 통화(대중성)를 얻게 되었다. 가장 널리 읽힌 기사는 1994년 8월 같은 신문에 "로파이 록 스타들, 매끄러움 대신 가공되지 않은 날것을 선택하다(Lo-Fi Rockers Opt for Raw Over Slick)"라는 헤드라인으로 게재되었다. 비전문적인 녹음이라는 맥락에서 "로파이"를 한 번도 사용하지 않았던 7년 전 이 신문의 유사한 기사와 달리, 필진 맷 다일(Matt Deihl)은 "로파이"를 "DIY" 및 "거친 음질"과 융합시켰다. 그는 다음과 같이 적었다.

이러한 접근 방식으로 인해 발생하는 거친 음질을 뜻하는 로파이(lo-fi), 혹은 "스스로 하기"의 약어인 D.I.Y.라고 번역되는 이 전통은 최첨단 녹음 기술에 대한 혐오감으로 구별된다. ... 지루하고 디지털로 녹음된 탑 40의 세계에서, 로파이는 예술적 과정의 가공되지 않은 솔기를 명확히 보여준다.

이 기사의 주된 초점은 최근 인디 록 서브컬처에서 인기 아티스트로 부상한 백과 가이디드 바이 보이스였다. 부엌에서 녹음되어 ‘’빌보드‘’ 톱 10에 진입한 1994년 싱글 “Loser”를 발표한 백은 결국 "로파이"라는 태그와 관련된 가장 인지도 높은 아티스트가 되었다. 이러한 "로파이" 라벨에 대한 반응으로, 가이디드 바이 보이스의 리더 로버트 폴라드(영어판)는 그러한 가상의 무브먼트와의 연관성을 부인했다. 그는 밴드가 "로파이 무브먼트의 선구자로 옹호받고 있다"면서도 자신은 그 용어에 익숙하지 않다고 말하며, 다음과 같이 설명했다. "당시에 많은 사람이 [타스캠] 기기를 사고 있었습니다... 4트랙을 사용하는 것이 너무나 보편화되다 보니 그들이 그에 맞는 카테고리를 찾아야 했던 거죠. DIY든, 로파이든, 무엇이든 간에 말입니다."

당시 음악 평론가 사이먼 레이놀즈는 이러한 겉보기 무브먼트를 그란지 음악에 대한 반발로 해석했는데, "로파이는 단지 훨씬 더 지저분한 프로덕션 가치를 지닌 그란지일 뿐이므로, 이는 약한 반발"이라고 평했다. 이어서 그는 로파이가 포스트 록이라는 형태의 자체적인 반발을 촉발했다고 말했다. 올뮤직에 따르면 그란지와 로파이 모두에 대한 반발로 나타난 것이 챔버 팝이었으며, 이는 브라이언 윌슨, 버트 배커랙, 리 헤이즐우드의 풍성한 오케스트레이션에서 많은 영감을 얻었다.

장르의 구체화

"로파이"라는 용어는 1990년대 내내 일관성 없이 적용되었다. 2003년 저서 ‘’Hop on Pop‘’에서 토니 그라헤다(Tony Grajeda)는 1995년에 이르러 ‘’롤링 스톤‘’ 잡지가 "그해 상반기에 다룬 모든 밴드에 어떻게든 로파이라는 라벨을 붙이는데 성공했다"고 기록했다. ‘’스핀(Spin)‘’의 한 기자는 세바도의 ‘’Sebadoh III(영어판)‘’(1991)가 로파이를 "발명"했다고 평가하며, 이 장르를 "펑크의 소프트 록"으로 규정했다. 게다가 거의 모든 기자들이 자신이 이러한 트렌드에 기여했다는 점은 인정하지 않은 채, 로파이 음악에 대한 미디어의 보도가 증가하고 있다는 점만을 언급했다.

로파이 아티스트들을 대개 이전 세대의 뮤지션들과 긍정적으로 비교함으로써 이들을 "정전(canonize)"화하는 데 기여한 여러 권의 책이 출간되었다. 예를 들어, ‘’Rolling Stone's Alt-Rock-a-Rama‘’(1995)에는 "로파이 톱 10"이라는 제목의 장이 포함되어 있었는데, 여기에는 하실 애드킨스(영어판), 더 벨벳 언더그라운드, 하프 재패니즈, 빌리 차일디시(영어판), 비트 해프닝, 로열 트럭스(영어판), 세바도, 리즈 페어, 가이디드 바이 보이스, 대니얼 존스턴, 백, 페이브먼트 등이 언급되었다. 리치 언터버거의 저서 ‘’Unknown Legends of Rock 'n' Roll: Psychedelic Unknowns, Mad Geniuses, Punk Pioneers, Lo-Fi Mavericks & More‘’와 "그를 둘러싼 뜻이 맞는 평론가 및 팬들의 커뮤니티"는 로파이 미학의 현대적 개념을 정립하는 데 특히 중추적인 역할을 했다. 아담 하퍼에 따르면 "요약하자면, ‘’Unknown Legends‘’는 [1980년대]와 [카세트 문화] 세대의 관심사를 [2000년대]의 관심사와 연결해주며, 헌톨로지(영어판)나 하이프나고직 팝(영어판)과 같은 00년대 무브먼트의 초기 스케치이자 전조—어쩌면 '아웃사이더식 청사진'—를 제공했다."

"로파이"라는 태그는 더 마운틴 고츠(영어판), 너싱 페인티드 블루(영어판), 크리스 녹스(Chris Knox), 앨러스터 갤브레이스(Alastair Galbraith (뮤지션)(영어판)), 루 바를로우(영어판)와 같은 아티스트들에게도 확장되었다. 하퍼는 "1990년대 로파이와 종종 연계되는 다른 중요한 아티스트들", 예를 들어 윈 (밴드)(영어판), 더 그리프터스(영어판), 실버 주스, 리즈 페어, 스모그 (밴드)(영어판), 슈퍼청크(영어판), 포타스태틱(영어판), 로열 트럭스 등은 "그들에 대한 수용도가 상대적으로 빈약했거나 로파이 미학과의 관련성이 적었기 때문에 대부분 생략되었다"고 기록했다.

1990년대 후반부터 2000년대에 이르기까지 "로파이"는 일반적인 인디 담론으로 흡수되었으며, "슬래커 세대", "느슨함", 또는 "자조적 의식"을 환기하는 인디 록의 하위 범주로서의 함의는 대부분 상실했다. ‘’Pitchfork‘’와 ‘’The Wire‘’가 음악에 관한 주요 간행물이 되었고, 과거에 팬진이 맡았던 역할은 블로그와 소규모 웹사이트들이 대신하게 되었다.

2000년대: 하입나고직 팝과 칠웨이브

2010년에 공연 중인 아리엘 핑크

주요 기사들: 하이프나고직 팝(영어판) 및 Chillwave

참고: 칠아웃

현대 디지털 오디오 워크스테이션의 부상은 프로 아티스트와 비프로 아티스트 사이의 이론적인 기술적 장벽을 허물었다. 1990년대의 저명한 로파이 아티스트 중 다수가 자신들의 사운드를 더 전문적인 표준에 맞추었고, "침실" 뮤지션들은 진정한 로파이 미학을 얻기 위한 방법으로 빈티지 장비를 찾기 시작했다. 이는 1960년대 스페이스 에이지 팝하고 아날로그 신디사이저의 부활과 관련한 1990년대의 유사한 트렌드를 반영하는 것이었다. 알 스티비 무어는 새로 등장하는 로파이 아티스트들 사이에서 주요한 영향력으로 점점 더 많이 인용되었다. 그의 가장 적극적인 지지자였던 아리엘 핑크는 ‘’Unknown Legends‘’를 읽었으며, 나중에 이 책에 부록 CD로 포함된 트랙 중 하나인 "Bright Lit Blue Skies"의 커버 버전을 녹음하기도 했다. 그의 레이블 데뷔 당시, 핑크는 참신한(novelty) 아티스트로 여겨졌는데, 왜냐하면 이와 유사한 레트로 로파이 사운드를 가진 동시대 인디 아티스트가 사실상 전무했기 때문이다.

이전의 로파이 아티스트들은 대개 핑크의 사운드 대부분에 영향을 준 1980년대 팝 라디오의 영향을 거부했다. 그 후, 문화적 향수, 어린 시절의 기억, 구식 녹음 기술 등의 요소를 다루는 로파이 및 포스트 노이즈(영어판) 뮤지션들 사이에서 "하입나고직 팝(hypnagogic pop)"이라고 불리는 음악 스타일이 등장했다. 이 명칭은 저널리스트 데이비드 키넌(영어판)이 ‘’The Wire‘’의 2009년 8월 자 기사에서 만든 것으로, 그는 예시 중 하나로 아리엘 핑크를 포함시켰다. 핑크와 연계된(미학적으로든, 개인적으로든, 지리적으로든, 직업적으로든) 새로운 아티스트들이 평론가들의 주목을 받으면서, 핑크는 하입나고직 팝, 칠웨이브 또는 글로파이(영어판)의 "대부"로 자주 지칭되었다. ‘’Pitchfork‘’의 마크 호건(Marc Hogan)에 따르면, 이러한 태그들은 본질적으로 모두 사이케델릭 음악(영어판)을 묘사하는 것이었다. 아담 하퍼는 2013년 당시 사이먼 레이놀즈와 같은 평론가들이 알 스티비 무어나 더 클리너스 프롬 비너스(영어판)의 마틴 뉴웰(마틴 뉴웰 (뮤지션)(영어판)) 같은 선구자들을 인정하지 않음으로써 핑크의 영향력을 과장하는 경향이 커지고 있다고 성찰했다.

2010년대: 로파이 힙합

주요 기사: 로파이 힙합(영어판)

2010년대 후반, "로파이 힙합(영어판)" 또는 "칠홉(chillhop)"으로 태그가 지정된 일종의 다운템포 음악이 유튜브 음악 스트리머들 사이에서 인기를 얻었다. 이 장르는 힙합 비트와 칠아웃 음악(영어판)의 요소를 결합한 것이다. 이러한 유튜브 채널 중 여러 곳은 수백만 명의 구독자를 끌어모았다. 이 장르는 의도적으로 다듬어지지 않은 경향이 있으며, 오디오의 불완전함, 왜곡된 음질, 전문성이 떨어지는 오디오 장비를 특징으로 한다. 로파이 힙합은 2000년대 언더그라운드 비트메이킹 힙합 신에서 유래했으며, 특히 "로파이" 효과가 별도의 버튼으로 탑재된 Roland SP-303(영어판) 및 Roland SP-404(영어판) 샘플러의 등장 이후에 더욱 그러했다.

흔히 "로파이 힙합의 대부"로 불리는 일본 아티스트 누자베스는 인기 애니메이션 ‘’사무라이 참프루‘’의 사운드트랙에 기여하며 로파이의 성장을 견인한 것으로 인정받고 있다. 2004년 MF 둠과 매들립의 합작 앨범 ‘’Madvillainy‘’는 로파이 힙합의 "공통된 시금석"으로 간주된다. 로파이 힙합의 발전과 자주 연계되는 또 다른 아티스트로는 디트로이트 출신의 래퍼 겸 프로듀서인 제이 디라(영어판)가 있다.

같이 보기

각주

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