Sleep Walking Orchestra

歌詞

歌詞は『ダンジョン飯』の登場人物を直接描写したものではなく、藤原自身が音楽と出会い、4人でバンドを結成し、活動を続けてきた経緯を題材としている。藤原は、ありのままの自分たちについて書こうと決めてからは比較的円滑に歌詞を書き進めることができ、結果として主人公のライオス一行の旅にも自然に重なる内容になったと述べている。

冒頭の「外から窓をくぐった光が床に作った最初の友達」という一節は、藤原の幼少期の記憶に由来する。藤原は、窓から差し込む光が床に作る模様へ自分の影を落とし、その中に物語や遊びを想像していた。また、就寝時には豆電球によって天井や壁にできる影からさまざまな光景を想像していたという。この記憶が、何かに惹かれて夢中になることの原初的なイメージとして歌詞に引用された。

藤原は、自身が音楽家を志した決定的な瞬間を明確には記憶しておらず、音楽との関係やバンドの始まりは曖昧なものだったとしている。幼少期から歌うことや自由に演奏することを好み、仲のよかった4人で行っていた遊びが、やがて音楽に置き換わっていったという。オリジナル曲を友人が聴き、さらに友人の知人や面識のない聴き手へ広がっていった過程を、藤原は夢中になったまま連れ出されていく物語として歌詞にした。

一方、長期間にわたって音楽活動を続けることには、楽しさや喜びだけでなく、行き詰まり、失望、メンバー同士がそれまで見せなかった涙など、喜怒哀楽のすべてが含まれていた。藤原は、アルバムを完成させるたびに何も残っていないように感じながら再びスタジオへ戻る自分たちについて、音楽という「悪魔と友達になった」と表現している。ただし、ここでいう悪魔は否定的な存在ではなく、神や天使とも言い換えられる、人を魅了し、それとともにしか見られない夢を見せるものを意味している。

曲中の「空っぽの手を容易く取られて連れ出されてから夢の中」や「どこまで醒めない夢の中」は、そうした音楽との関係を示す。藤原は音楽について、聴く者の数だけ評価軸や「一等賞」が存在する曖昧な世界でありながら、自分たちにとってはその夢のような営みが圧倒的な現実でもあると説明している。

終盤の「誰が消えても星は廻る」「どうして体は生きたがるの」といった箇所では、個人の事情とは無関係に世界が進み続ける残酷さと、それでも身体が生存を求める事実が並置されている。藤原は、こうした表現の原材料はすべて現実の体験に由来すると説明し、自身の歌詞を「メイド・イン・現実」と表現している。その例として藤原は、約20年前、交差点でタクシーを待っていた際に見かけた外国人女性の記憶を挙げている。女性は電話で別れ話をして泣いていたが、通話を終えると背筋を伸ばして横断歩道を渡り、向かい側のスーパーマーケットへ入っていった。藤原はその姿から、大切な人との別れがあった日にも空腹になり、食事をして生き続けるという事実を感じたという。このように、喪失や悲しみと日常的な生命活動が同時に存在する光景が、本曲の終盤を含む歌詞の基礎になっている。

サウンド

サウンド制作では、藤原の音楽的な「趣味」と、楽曲そのものが求める表現が一致したため、通常以上に個人的な嗜好を前面へ出す方針が採られた。藤原は「やりたいことをやる」ことを、単なる好みの提示ではなく、曲が必要とするものへ応えることだと捉えており、普段は趣味的な要素が曲を妨げる場合には取り除いている。本曲では、その趣味的な要素が曲の要求と合致したため、「とことん趣味でもいい」という状態で制作できたという。

鹿野淳は本曲について、多くの音楽的要素や歴史的背景を含みながら、重く難解には聞こえず、軽快かつ心地よく聴ける点を指摘している。藤原も、複雑なことを行ったとしても、それを難解なものとして聴かせるのは自身の意図とは異なると応じた。藤原によれば、長く音楽を届け続ける中で、自分が重要だと考えるものや表現上の癖は濃くなっている一方、それを聴き手へ過度な負担として提示しない意識も強まっているという。

イントロなどで聴かれる民族音楽的なフレーズは、特定地域の伝統音楽を再現したものではない。藤原は「いつ、どこで覚えたのかわからない懐かしさ」と、その出所を探しても特定できない感覚を持つ旋律を目標とした。地球上のさまざまな地域の音楽を聴き、以前から親しんでいたものだけでなく、それまであまり聴いてこなかった地域の音楽も参照したうえで、使用する楽器やフレーズを選択した。

楽器を選ぶ際には、ある楽器を加えることで特定の地域性が強く出すぎる場合には使用を避け、どの土地の音楽とも断定できない均衡が目指された。打楽器、笛、弦楽器など、ヨーロッパや南米を含む異なる地域・ジャンルの楽器が混在している。藤原はこのサウンドを、ヨーロッパ、南米、日本のいずれの風景にも存在するようでありながら、具体的な地域を特定できない「架空のフォークロア」と説明している。

基本編成としてはギター、ベース、ドラムが用いられ、ギターはアコースティック・ギターとエレクトリック・ギターの双方が収録された。そこへ各地域の楽器を加えながらも、音数が過密に聞こえないよう、全体は簡潔に聴こえる形へ整理された。

リズムは4つ打ちを基調としているが、当時のダンスミュージックに直接準拠したものではなく、リズム・アンド・ブルースやソウルに由来する身体性を備えたものとして組み立てられた。民族音楽的な主題リフと、バンドのリズム隊によるグルーヴが並存することで、伝統音楽の再現ではない現代的なダンス感が生まれている。

2番冒頭では、それまでの有機的・民族音楽的な音像からエレクトロニックな音像へ大胆に移行する。この部分は歌詞の展開に導かれて生まれたアレンジであり、ほかの箇所でも伝統的な楽器を電子音楽的な発想で用いている。イントロのアイリッシュ・トラッドを思わせる響き、ダンスミュージック的な軽快さ、電子的な低音や処理を組み合わせることで、一つの様式へ収まらない構成となった。

藤原は2番Aメロの処理について、フィルターのつまみを絞って音をこもらせるような、現代的なサウンドデザインが自然に現れたものだと説明している。過去の民族音楽を再現する意図も、現在の流行へ合わせる意図もなく、現在を生きる音楽家として手元にある音色や処理を使った結果、伝統的な響きと現代的な電子処理が同居したという。また、各地の楽器についても、それぞれの伝統的・定石的な奏法に従うのではなく、本曲のサウンドデザインの中で有機的に機能するよう、電子音楽に近い解釈で使用された。

2024年のアルバム『Iris』に関するインタビューで、藤原は近年、表現上のリミッターが外れ、饒舌な曲はより多彩な展開を持ち、簡潔な曲はより簡潔になる傾向があると説明した。本曲は「邂逅」「窓の中から」などとともに、曲中で風景や曲調が変化する「饒舌な曲」の一つとして挙げられている。

制作思想

藤原は、BUMP OF CHICKENの楽曲が聴き手の人生におけるBGMになることを、活動初期から望んできたと述べている。楽曲そのものや演奏者が主役になる必要はなく、聴き手が何かを思い出す時、努力しなければならない時、日常を過ごす時の傍らに存在できることが楽曲にとっての幸福だという。

この考えはタイアップ曲の作り方にも反映されている。特定の登場人物の視点や作品内の語句へ限定するのではなく、作品世界に流れる空気や登場人物たちの行動原理を内包しつつ、原作を知らない人の人生にも重ねられる歌を目指している。本曲でも、どの登場人物の視点からでも成立し得ることと、聴き手それぞれが異なる関係を結べることが重視された。

藤原は、曲の価値や意味は作者が一方的に決めるものではなく、聴き手が1000人いれば1000通りの評価と付き合い方が生まれると考えている。そのため、本曲についても「こう聴くべきだ」という意味を固定せず、聴き手が自分自身の生活へ持ち帰ることのできるスタンダード・ナンバーを志向した。

『Iris』における位置づけ

本曲は2024年9月4日に発売された10枚目のアルバム『Iris』の1曲目に収録された。同作は2019年から2024年までに制作された楽曲をまとめた作品で、藤原は「馬鹿正直な5年間のドキュメント」と表現している。曲順は各楽曲が自ら収まる位置を主張するような感覚で決められ、「Sleep Walking Orchestra」を冒頭、「アカシア」を最後に置く構成となった。

藤原は、アルバムを前提として各曲を制作したのではなく、一曲ごとの物語へ集中し、それらが蓄積した結果として『Iris』が完成したと説明している。本曲も単独のタイアップ曲として制作されたが、アルバムの冒頭に置かれたことで、既発曲を含む13曲を新たな旅へ導く導入部として機能した。