Gillian Wearing

Segni che dicono ciò che vuoi che dicano e non Segni che dicono ciò che qualcun altro vuole che tu dica (1992–1993)

Nella sua opera Signs that say what you want them to say and not Signs that say what someone else wants you to say (1992-1993), la Wearing ha realizzato una serie di ritratti avvicinando sconosciuti incontrati per strada e chiedendo loro di scrivere su un cartello ciò che stavano pensando. La Wearing ha affermato che “quando sono tornati con qualcosa che avevano scritto, questo ha messo in discussione la [sua] percezione di loro”. Attraverso questo esercizio, persone di diversa provenienza, religione, età e status sociale si uniscono grazie alla pratica artistica, poiché “all'improvviso devi ricominciare a rivalutare le persone”. Le fantasie del pubblico di imporre le proprie interpretazioni ai soggetti fotografati vengono messe in discussione e reindirizzate dal foglio che tengono in mano. Questo scambio tra la Wearing e i soggetti che ha fotografato ha trasformato la pratica tipicamente alienante della fotografia ritrattistica in un'opera intima e conversazionale, che collega il fotografo al soggetto e il pubblico al fotografo.

La maschera

In “Show Your Emotions” di Russell Ferguson, l'autore ricollega l'uso della maschera da parte della Wearing a una tradizione più antica che risale almeno alla tragedia greca classica: “Una tradizione in cui la maschera non serve tanto a sostituire un'identità con un'altra, quanto a cancellare gli aspetti superficiali dell'aspetto fisico per rivelare verità più profonde”. Confessa tutto in video. Non preoccuparti, sarai travestito. Ti incuriosisce? Chiama Gillian (1994) è un video di 30 minuti in cui la Wearing ha reclutato degli sconosciuti tramite un annuncio pubblicato sulla rivista Time Out e ha fornito uno spazio in cui i partecipanti potevano confessare le loro paure e fantasie alla telecamera, con la loro identità protetta da maschere di carnevale. La maschera è un espediente ricorrente nell'opera della Wearing e funge sia da protezione che da strumento che conferisce potere a chi la indossa; rendendo anonima la loro identità, permette loro di esprimersi senza costrizioni. Come spettatori, l'accesso alla verità diventa scollegato. La Wearing presenta questa natura fittizia dell'opera come un reportage. L'uso delle maschere mette anche in discussione l'autenticità e il modo in cui la realtà può essere fabbricata. Come ha affermato Doris Krystof:

“Protetti dalle maschere, protetti dal loro anonimato e protetti dal regno libero dell'arte, dove le loro confessioni vengono registrate ma non giudicate, dove non ci sono conseguenze da temere, nessuna ideologia o tentativo di appropriazione da affrontare, i partecipanti potevano godere di un senso di liberazione e fiducia nelle proprie voci”.

Trauma (2000) è un'ulteriore esplorazione della confessione con una maschera. Gli otto partecipanti confessano il loro trauma e la maschera che viene loro data riflette l'età in cui hanno subito il trauma, con l'intenzione di trasportare lo spettatore indietro nel tempo, al “momento determinante nella vita di chi la indossa”. Ciò che incuriosisce di questo lavoro è che sembra che non sia la prima volta che i partecipanti raccontano la loro storia, da quanto sembrano ben preparati. Ma non è così, forse hanno semplicemente recitato nella loro mente il trauma che hanno vissuto per molti anni.

In Omaggio alla donna con il volto bendato che ho visto ieri lungo Walworth Road (1995), la Wearing si copre il capo con bende bianche e cammina in pubblico. Quest'opera è nata dopo che la Wearing ha intravisto una donna con il capo bendato mentre era in macchina con un'amica. Inizialmente voleva chiedere il permesso di filmare la donna, ma poi ha deciso invece di coprirsi il viso con delle bende e di ricreare ciò che aveva visto. La sua passeggiata è stata documentata con discrezione da dietro e all'interno della maschera era stata installata una telecamera nascosta che ha catturato le reazioni orripilate dei passanti. Krystof Doris contestualizza l'approccio della Wearing: “Il rapporto tra osservatore e osservato viene prima stabilito, poi invertito, ma sempre raccontato dal punto di vista dell'artista”. Nel periodo 2003-2006, Gillian Wearing ha ricreato le fotografie dei suoi parenti che ha trovato nell'album di famiglia. Ha creato maschere in silicone di sua madre, suo padre, sua sorella, suo zio e una maschera di se stessa con l'aiuto di esperti formatisi al Madam Tussauds di Londra. Iniziano a creare la maschera in argilla da un'immagine bidimensionale trasformandola in un oggetto tridimensionale. In un articolo per The Guardian spiega che il processo richiede quattro mesi per ogni maschera e che all'inizio “alcune persone hanno cercato di convincermi a usare delle protesi, ma io ero irremovibile: doveva essere una maschera, qualcosa che mi trasformasse completamente, qualcosa che non fosse grottesco ma reale, come un trompe-l'œil”. Queste costose maschere in silicone si deteriorano facilmente dopo l'uso, trasformando il servizio fotografico in un atto interpretativo in cui l'azione è irripetibile. Questo processo diventa paradossale a causa delle difficoltà che si incontrano nel ricreare questi scatti casuali. Questo lavoro fa riferimento all'opera canonica nella storia della fotografia di Cindy Sherman, anche se la Wearing ha spostato l'attenzione sull'esplorazione della propria persona e delle relazioni sottostanti come costrutto sociale. Le opere contenute nell'Album non mettono necessariamente i membri della famiglia al centro dell'attenzione, ma catturano piuttosto il coinvolgimento della Wearing con i membri della famiglia.

Il Premio Turner

“60 Minutes Silence (1996)” è l'opera che ha valso alla Wearing il Turner Prize nel 1997. La Wearing ha utilizzato una telecamera fissa e la posa è stata mantenuta per un lungo periodo di tempo, creando un momento personale imbarazzante. A prima vista l'immagine sembra un ritratto di gruppo in controluce di agenti di polizia britannici, ma osservandola più attentamente i lievi movimenti che compiono rivelano che si tratta in realtà di un video. Nel suo testo “Masks, Identity, and Performativity” (Maschere, identità e performatività), Krystof Doris spiega che il rapporto di potere tra lo spettatore e i soggetti osservati (gli agenti di polizia) si inverte a causa dello scenario disciplinare che Wearing ha imposto al gruppo di agenti. L'individualità di ciascun membro comincia ad affermarsi man mano che la registrazione procede e gli agenti diventano definitivamente “esseri umani normali”.

Gli anni '90

All'inizio degli anni '90, la Wearing ha iniziato a organizzare mostre fotografiche basate sull'idea di fotografare sconosciuti anonimi per strada a cui aveva chiesto di tenere in mano un foglio di carta con un messaggio scritto sopra. La serie è stata intitolata Signs That Say What You Want Them To Say and Not Signs That Say What Someone (Segni che dicono quello che vuoi che dicano e non segni che dicono quello che qualcuno vuole che dicano). Riguardo a questi lavori “confessionali”, la Wearing ha dichiarato:

Nel 1994 ha realizzato il provocatorio film “Dancing in Peckham”, in cui si è ripresa mentre ballava in un affollato centro commerciale nel sud di Londra, catturando le reazioni dei passanti per esplorare il divario tra esperienza pubblica e privata.

Una delle sue prime mostre nel Regno Unito si tenne alla Chisenhale Gallery, nella zona est di Londra, nel giugno 1997. Nello stesso anno, vinse il Turner Prize ed espose il video come 60 minutes silence, che ritrae 26 agenti di polizia in uniforme, ma che a prima vista sembra una fotografia. La Wearing ha dichiarato: “L'opera riguarda l'autorità, la moderazione e il controllo”. Ha anche esposto Sacha and Mum, che mostra le emozioni tra una madre e una figlia. Ha descritto l'opera come “Le cose non possono essere definitive, per quanto riguarda le emozioni. Sono sempre in subbuglio e possono andare in due direzioni opposte”. Cornelia Parker, Christine Borland e Angela Bulloch erano le altre artiste finaliste.

Alla fine degli anni '90, ha realizzato un video a tre canali intitolato Drunk (1997-1999), per il quale ha filmato un gruppo di ubriachi di strada che aveva conosciuto fuori dal suo studio, sullo sfondo di un fondale fotografico bianco. I bevitori sono mostrati in scene diverse, individualmente e in gruppo. Barcollano, cadono, litigano, combattono, dormono e alla fine uno degli uomini si mette in piedi davanti allo sfondo e urina.

Gli anni 2000

In Broad Street (2001), la Wearing documenta il comportamento tipico degli adolescenti della società britannica che escono la sera e bevono grandi quantità di alcol. Mostrando adolescenti che fanno festa in vari club e bar lungo Broad Street, a Birmingham, segue questi ragazzi dimostrando come l'alcol contribuisca alla loro perdita di inibizioni, insicurezze e controllo.

Nel 2003 ha suscitato polemiche con la sua copertina per il supplemento G2 del The Guardian, composta esclusivamente dalle parole scritte a mano “Fuck Cilla Black”. La copertina illustrava un articolo di Stuart Jeffries che lamentava la crudeltà della televisione moderna.

I temi della televisione moderna sono stati ulteriormente approfonditi nel progetto Family History (2006), commissionato da Film and Video Umbrella e accompagnato da una pubblicazione sul progetto.

Gli anni 2010

La mostra della Wearing del 2010 People (2005–2011) alla Tanya Bonakdar Gallery comprendeva opere che spaziavano dai video ai ritratti fotografici, dalle installazioni alle sculture. Snapshot (2005) è una serie di sette video a proiezione singola incorniciati da una serie di schermi al plasma dai colori vivaci, ciascuno dei quali raffigura diverse fasi del ciclo di vita femminile, dall'innocenza della prima infanzia alla vecchiaia.

Nel corso dell'anno ha pubblicato anche il suo primo lungometraggio: Self Made. Il teorico cinematografico David Deamer scrive che il film "è un paradosso. Ed è proprio la natura del paradosso a conferire al film la sua forza [...] Il paradosso emerge indirettamente, come conseguenza delle due modalità narrative del film. Prima modalità: documentario. I partecipanti, attraverso il loro facilitatore Sam Rumbelow, esplorano le tecniche del “metodo”, il metodo di recitazione, che permetterà loro di incontrare nuovamente se stessi e quindi di generare il proprio film “self-made”. In questo modo ogni partecipante recita nel proprio cortometraggio che, pur essendo racchiuso nel documentario della regista Gillian Wearing, appare come un momento narrativo a sé stante. Quindi, seconda modalità: la finzione”.

La Wearing è stata nominata Ufficiale dell'Ordine dell'Impero Britannico (OBE) nei Birthday Honours del 2011, per i servizi resi all'arte. Nello stesso anno è stata inserita nella lista dei “10 artisti più importanti di oggi” stilata da Blake Gopnik.

Nel 2012 una grande retrospettiva del suo lavoro è stata allestita alla Whitechapel Gallery, Londra (marzo-giugno 2012), che ha ripercorso la sua carriera e presentato in anteprima nuovi film e sculture. La mostra è stata organizzata con la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, e sostenuta da Maja Hoffmann, Vicky Hughes e John Smith, e dalla dottoressa Naomi Milgrom AO. Una monografia di accompagnamento è stata pubblicata da Ridinghouse e includeva testi del curatore Daniel Herrmann, Doris Krystof, Bernhart Schwenk e David Deamer.

Nel 2013 ha esposto la sua mostra People: Selected Parkett Artists' Editions dal 1984 al 2013 Parkett Space, Zurigo, Svizzera (9 febbraio-11 marzo 2013).

Il 30 ottobre 2014 la sua scultura A Real Birmingham Family è stata inaugurata davanti alla Biblioteca di Birmingham.

Il 24 aprile 2018 la sua statua della suffragista Millicent Fawcett è stata inaugurata a Londra in Parliament Square; è la prima statua di una donna in Parliament Square. Questo rende la Wearing la prima donna a creare una statua che si trova in Parliament Square.

Gli anni 2020

Dal 5 novembre 2021 al 4 aprile 2022, il Solomon R. Guggenheim Museum di New York ha ospitato Gillian Wearing: Wearing Masks, la prima retrospettiva dedicata all'opera dell'artista in Nord America.